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Archive for the ‘Biografías & Discografías’ Category

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Pet Shop Boys es un dúo de synth pop procedente de Reino Unido. Sus integrantes son Neil Francis Tennant,vocalista, teclista y ocasionalmente guitarrista del dúo y Christopher Sean Lowe teclista y en ocasiones vocalista.

Neil Tennant y Chris Lowe se conocieron en una tienda de artículos electrónicos en King’s Road, en Chelsea, Londres el 19 de agosto de 1981. Esto sucedió debido a que Neil, después de la compra de un piano electrónico, no sabia como enchufarlo a una fuente de potencia, y entonces se dirigió a la mencionada tienda para adquirir un plug especial para el equipo. Ahí fue que se encontró con Lowe. Como tenían en común su afición a la música (incluso Tennant escribía como crítico musical en Smash Hits, una revista musical que dejo de existir en 2006), decidieron escribir juntos, a pesar de la disparidad de gustos artísticos entre ellos: a Neil le gustaba la música clásica y a Chris el dance. Originalmente pensaban llamarse West End, debido a su gusto por el centro londinense, pero luego cambiaron a su nombre actual recordando a un amigo de ambos que trabajaba en una tienda de mascotas. A Tennant, particularmente, le gustó mucho este nombre porque sonaba como el de un grupo de Rap.

Su primer álbum fue “Please”, nombre que, según el dúo, al pedirlo en una tienda se oyera algo como: ‘Can I have the Pet Shop Boys album, please?’ (¿Podría darme el álbum de los Pet Shop Boys, por favor?); el cual fue lanzado el 23 de marzode 1986, alcanzando el puesto número 3 en el Álbum Chart británico. Desde que fue editado el 28 de octubre del año anterior, “West End Girls” (el cual llegó al primer lugar de las listas en 9 países, el Reino Unido y EE.UU. incluidos), fue su credencial para el público. Recientemente “West End Girls” fue elegida por una encuesta telefónica de la BBC como la mejor canción de la década entre 1984 y 1994. Generalmente esta canción es nominada a toda clase de encuesta ochentera que hay en la TV británica, muchas veces resultando vencedora. Tal fue el éxito de la canción en su época, que sirvió para que obtuvieran sus primeros premios a nivel global.

En 1987 llegaría una época de éxitos sin precedentes en su historia, con temas como “It’s a Sin” (Es un pecado). Esta canción recibió críticas, pero también elogios como los de War Cry, revista del Ejército de Salvación, que le dio su visto bueno acerca del concepto de pecado en la modernidad. El 7 de septiembre del mismo año, sale su álbum Actually, que para muchos críticos es uno de sus mejores trabajos. El destino de sus canciones habían adquirido un rumbo distinto al que existía en Please y esta vez apuntaban a la serie de políticas instauradas en la era “Thatcher”. Esta sería la época en la cual el dúo adquiriría mayor fama a nivel mundial y eso quedaría demostrado en el buen lugar que tuvieron sus singles en los listados.

El álbum Introspective, editado en 1988, muestra una clara influencia de la cultura house e incluye canciones de peso, como Left to my own devices, Domino Dancing, It´s Alright y I’m not scared, canción que fue grabada también por el grupo Eighth Wonder (Patsy Kensit) y I want a Dog (Remezclada por Frankie Knuckles, siendo esta la primera producción de estilo música house para un grupo exitoso), anteriormente utilizada como lado B del single Rent en 1987. Por primera vez, el dúo graba canciones para un álbum de estudio sobre los 6 minutos de duración y que están dedicadas principalmente para los Djs y para los coleccionistas de vinilos de 12 pulgadas.

En 1990 sale su álbum Behaviour, un disco de atmósfera más intimista, en el que se puede descubrir a Pet Shop Boys en estado puro, contó en la producción con la colaboración de Harold Faltermeyer y fue grabado en Alemania. Inicialmente no tuvo una gran acogida por parte del público y el dúo debe enfrentarse a su primera crisis de ventas, pero con el paso del tiempo se acabaría convirtiendo en una pieza de culto, no solo para sus fans, sino que para el público en general. Usualmente Behaviour aparece en las listas de los mejores álbumes de los 90’s e incluso es frecuente encontrarlo en distintas encuestas de Internet. Lo presentan en 1991 en una gira mundial que les lleva a Japón, Estados Unidos y Europa. Ofrecen conciertos en Barcelona, Madrid y Vigo que causan un gran impacto por su sofisticada puesta en escena teatral, apoyada en un amplio equipo de actores y bailarines. Esta gira llevaría el nombre de Perfomance, que sería reconocida y alabada por la prensa de aquel entonces por la temática teatral que combinaba el sexo, la religión, los vicios y una autocrítica descarnada a sus propias vidas, obviamente ambientadas en el transcurso de las canciones que interpretaba el dúo. La puesta en escena, no solo combinaba a artistas venidos desde el ballet clásico, sino que a cantantes de gran nivel, conociéndose así a Sylvia Mason-James, la más grande colaboradora en la historia del dúo a nivel vocal. En paralelo, Tennant y Lowe se enrolan en el grupo Electronic, junto a Bernard Sumner (New Order) y Johnny Marr (The Smiths), aunque tantos egos juntos solo dieron para tres singles y ya para la edición del primer álbum, el grupo ya era dúo, solo con Sumner y Marr. Tennant colaboró de manera solitaria en Getting away With it y Dissappointed, canciones que a la larga, son las más recordadas de este provisorio dúo que luego editó dos álbumes más. En esta época fue la primera vez que se rumoreaba acerca de la separación de los Pet Shop Boys debido a una supuesta depresión que tendría Chris Lowe por a la muerte de un amigo, producto del SIDA, enfermedad que se estaba propagando a gran escala entonces, pero la rápida vinculación de Lowe a Electronic para colaborar en conjunto con su compañero Neil Tennant en la canción The Patience of a Saint, sirvió para despejar las dudas de ese momento.

Tras haber editado ‘Discography’, su primer grandes éxitos, que incluyó sus primeros quince sencillos más tres nuevas canciones, también disponibles como singles: Dj Culture, Where the streets have no name/I can’t take my eyes off you (que ya había sido single unos meses antes) y Was it worth it?; Pet Shop Boys lanza Very, un regreso al pop electrónico más eufórico y fastuoso, que es considerado por la gran mayoría de los fans como el mejor álbum del dúo ya que no solo contenía ritmos totalmente bailables y enérgicos, sino que cualquiera de sus temas podría haber sido single. Very se convirtió en una máquina de fabricar sencillos y de escalar rápidamente a los primeros lugares de los charts. Los niveles de venta se dispararon y por primera vez, el dúo consigue llegar al #1 en la venta de discos en el Reino Unido. La promoción del disco no solo contaba con el especial diseño de la caja (muy parecido a los esbozos de Lego), sino que también contenía carátulas alternativas y con distintos colores. La imagen del dúo también cambió, ya no eran el dúo correcto y parco que apenas se movían en sus videos, sino que adoptaron trajes coloridos, sombreros con forma de conos, como si hubiesen sido extraídos de dibujos animados, con los que se disfrazaban en las presentaciones en vivo y en sus propios clips.

En 1995 lanzan Alternative, un doble disco vinillo que contiene todas las caras B de singles publicados hasta ese momento. Verdaderas piezas de colección para los fans son los llamados Lados B, debido a la gran calidad de sus canciones, ya que muchas veces son de mejor calidad de los lados A, pero por decisión propia, los relegan muchas veces a permanecer casi en el anonimato. Ejemplos de ello son Paninaro, Was that what it was?, In The Night, Shameless, Miserablism y We All Feel Better in the Dark entre otros; temas que hubiesen servido para que cualquier artista se hubiese consagrado. Para promocionar este compilado, lanzan una nueva versión de su cara B, Paninaro ’95, decisión que les costó precisar porque estaban en la disyuntiva de promocionar el compilado con Shameless.

Un año después, en 1996, Bilingual experimenta con ritmos brasileños y consigue otros tres temas en el Top 10 británico: Before, A Red Letter Day y Se a vida é (That’s The Way Life Is), una atrevida fusión de samba y pop electrónico. Al contrario de lo esperado no realizan ninguna gira de este álbum, sino una serie de conciertos en un mismo lugar (como si de una obra de teatro se tratase) el Savoy Theatre de Londres. De ello saldrá a la venta el VHS-DVD Somewhere. La génesis de Bilingual se generó tras la gira Discovery, en la cual recorrieron por primera vez, países de sudamérica, con los que se empaparon de sus ritmos latinos, en especial, de Brasil, en la cual, Bilingual demuestra claros signos de ritmos provenientes del pueblo carioca, como el bossa nova y batucadas. Pese a esto último el tema -que luego fue editado como sencillo-, “Single Bilingual” fue influenciado por la banda argentina Los Fabulosos Cadillacs, con su hit “Matador”. Bilingual, en el Reino Unido y países europeos, recibió fuertes críticas y no tuvo la buena aceptación que habían tenido sus discos anteriores, debido a la repentina experimentación con ritmos más bien desconocidos en ese lado del planeta.

Tras la publicación de este álbum (Bilingual) se meten de lleno en la producción de un musical, Closer to Heaven, de lo que se resentirá su próximo álbum Nightlife(publicado en 1999) un paseo musical por los distintos ámbitos de la vida nocturna y sus historias, editado tanto en CD como en Minidisc. Tras la publicación del álbum una nueva gira mundial entre 1999 y el 2000 que incluye un escenario diseñado por la prestigiosa arquitecta angloiraquí Zaha Hadid y nuevas remezclas de sus canciones más conocidas. Más tarde, la gira sería grabada para ser comercializada como “Montaje, The Nightlife Tour”, que reunía las visitas que se hicieron a los países, más un material adicional que adjuntaba los tres respectivos clips de los singles del último álbum y el vídeo de For Your Own Good que aparece al ver el concierto de forma completa. Para la confección de este nuevo álbum de estudio, los Pet Shop Boys contaron con la ayuda y colaboración de diversos artistas reconocidos en el ámbito musical como el productor escocés Craig Armstrong (The Only One, Closer to Heaven), el DJ David Morales (New York City Boy, I Don’t know what you want but I can’t give it anymore), la cantante Kylie Minogue (interpretando In Denial) y Rollo, sí el hermano de Dido, (For your Own Good).

En el mes de mayo de 2001 (concretamente el día 31) y tras varios años de trabajo, se estrena en el Arts Theatre de Londres el musical Closer to Heaven (popularizado también como el primer musical del siglo XXI) co-escrito con Jonathan Harvey, autor teatral de gran prestigio. Inicialmente no es el éxito esperado más que nada por las terribles críticas que recibe el musical, aun así las representaciones se realizaron a lo largo de nueve meses con un resultado de público más que notable. Para ello, el dúo también grabó un CD con cada uno de los temas que presentaron en su show. En este disco, el dúo solo se aprecia instrumentalmente ya que los temas son interpretados por otros artistas como Francis Barber, Billie Trix o Shell, entre otros. El disco tuvo buena acogida por la crítica musical y se puede escuchar a los Pet Shop Boys recorrer sonidos que se pasean por el Trip-Hop (K-Hole), Hip-Hop (Out of my system), el pop (Nine out of Ten), el dance (It’s just my little tribute to Caligula, Darling) entre variados estilos.

En 2002, el dúo lanza su álbum Release, considerado por los fans como un impasse en la carrera musical del grupo debido a que en este álbum experimentan con composiciones que no son puramente electrónicas, sino que asistimos a la presencia de otros instrumentos electro-acústicos como guitarras y percusiones. Pese a las críticas de sus fans más acérrimos por la nueva declaración de principios de Pet Shop Boys: “Estamos totalmente distanciados de las canciones bailables porque, en su mayoría perdieron el apego a crear una serie de emociones adultas en el oyente. Ya no nos interesa ese estilo”, la crítica elogiaba al nuevo trabajo del dúo londinense, a tal punto que fueron nominados a un premio Grammy.

En 2004 trabajan en la banda sonora del filme ruso El Acorazado Potemkin de Eisenstein (1925), puesto en escena por primera vez en un concierto multitudinario en la plaza de Trafalgar, de Londres, el 12 de septiembre de 2004, en colaboración con la Orquesta Sinfónica de Dresde a cargo del director Torsten Rach. La realización del evento se debió a las conversaciones que tuvieron encargados del gobierno británico con el dúo, ya que necesitaban buscar imperiosamente un grupo pop capaz de realizar un evento de tales magnitudes. Un motivo de trasfondo en este show según la dupla, fue una manera de protestar contra la invasión de Iraq de 2003 ya que la cinta contiene tintes bélicos que fueron bastante impactantes para su época (1923). El disco consiguiente sale a la venta en septiembre de 2005, bajo la autoría de “Tennant – Lowe” ya que comercialmente no pudieron utilizar el nombre de “Pet Shop Boys” en el mercado de música clásica.

Yes es el décimo álbum de estudio, cuya grabación se llevó a cabo durante el 2008 bajo la producción de los propios Pet Shop Boys en conjunto con Brian Higgins y el equipo de producción Xenomania. El dúo británico escogió a este equipo en las grabaciones del tema “The Loving Kind” de Girls Aloud en donde comenzaron las primeras conversaciones para delimitar lo que sería el nuevo álbum de estudio. Xenomanía es coautor de tres de las canciones de esta nueva grabación (“Love etc”, “The Way it used to be” y “More than a dream”), mientras que el resto es composición absoluta de Pet Shop Boys. El tema “All over the world” posee un sampler de Cascanueces del compositor ruso Piotr I. Tchaikowsky.

Para celebrar los 25 años del primer éxito del grupo, el 01 de noviembre de 2010, se lanzó bajo el sello EMI un recopilatorio denominado Ultimate, en el cual recoge los 18 éxitos mas representativos del dúo desde West end Girls lanzado a fines de 1985 cuando el grupo la incluyo en su primer álbum “Please” bajo el sello EMI, hasta Love etc. incluida en el álbum “Yes” y lanzada en la primavera de 2009. Esta recopilación incluyen un sencillo inedito, “Together”.

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Sublime fue una banda de ska punk y reggae originaria de Long Beach (California). La música de la banda combinaba, además de los anteriormente citados, dub, punk rock, funk, ska, y hip hop. Sublime estaba formada por tres integrantes: Brad Nowell (voz y guitarra), Bud Gaugh (batería), and Eric Wilson (bajo). Alcanzó su mayor éxito popular con su tercer álbum auto-titulado.

Sublime comenzó en 1988 en Long Beach, California como una banda que combinaba reggae, ska, rap y punk rock.

La banda lanzó solo dos álbumes durante los primeros siete años, 40 Oz. to Freedom, en 1992 y Robbin’ the Hood en 1994. Alcanzaron la fama, tras la salida de su disco en una multinacional, Sublime, en 1996.

Éste, fue publicado después de la trágica muerte de su líder, Brad Nowell, a los 28 años, por una sobredosis de heroína el 25 de mayo de 1996 en la habitación de su hotel, a solo dos meses del lanzamiento de éste, el cual se convertiría en un lanzamiento extremadamente exitoso basado en el single What I Got. Este suceso ocurrió siete días después de su boda con Troy Dendekker. La banda decidió separarse poco después, pero el álbum continuaría siendo criticado por su lanzamiento en Julio, entonces el obviamente inapropiado nombre del disco “Killin’ It” sería descartado y entonces se lanzaría como un álbum autotitulado.

Una cantidad de lanzamientos póstumos vendrían luego, entre ellos Second-Hand Smoke en 1997, Stand by Your Van en 1998, y Sublime Acoustic: Bradley Nowell & Friends. Un recopilatorio de 3 CDs y un DVD de demos, rarezas, y grabaciones en vivo llamado Everything Under the Sun, fue lanzado el 14 de noviembrede 2006. Se convirtieron en la inspiración para muchas bandas y cantantes, por ejemplo, el cantante Jack Johnson. La música de Sublime continúa difundiéndose por bandas tributo tales como “Wrong Way”, “Sublemon” y “Badfish”.

Tras la separación de la banda, hasta el año 2009, los miembros restantes, Eric Wilson y Bud Gaugh, comenzaron otra vez con la banda teniendo un nuevo integrante Rome Ramirez.

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Dead Kennedys fue una controvertida banda estadounidense de hardcore punk, surgida en la década del 80.En 1978 en San Francisco. East Bay Ray (Raymond Pepperell Jr.) un joven enamorado del Rock and Roll y la música surf pone un anuncio buscando gente para formar un grupo. A éste responde un Eric Boucher, conocido como Jello Biafra. Biafra que al volver de Londres estaba impresionado por el punk, decidió formar un grupo cuando vio un concierto de los Ramones en Denver. Ambos contactan con Klaus Flouride (Geoffrey Lyall), y 6025 (Carlos Cadona). En junio nacen los Dead Kennedys. Graban su primera maqueta con East Bay Ray a la guitarra, Biafra como cantante, Klaus como bajista y 6025 a la batería. Buscando un batería con más experiencia contactan con Ted (Bruce Slesinger), pasando 6025 a la segunda guitarra. Dan su primer concierto en un restaurante filipino Fab Mab, en el norte de San Francisco. A partir de enctonces comienzan a tocar regularmente, aunque, debido a lo provocativo de sus nombre (Los Kennedys Muertos), lo hacen muchas veces con otros nombres como The Sharks, The Creamsicles o The Pink Twinkies.

En 1979 6025 abandona el barco, debido a diferencias musicales con Biafra. Graban California Über Alles, su primer single para Alternative Tentacles Records, la propia discográfica de Biafra. La canción es una feroz crítica al entonces gobernador ultra conservador de California Jerry Brown. El título de la canción hace referencia a la canción patriótica alemana «Das Lied der Deutschen», que fue adoptada como expresión de superioridad racial durante la Alemania Nazi.

Durante el año, Biafra presenta su candidatura a la alcaldía de San Francisco con el objetivo de ridiculizar el proceso electoral. Su eslogan es “There’s always a room for Jello” (“Siempre hay una habitación para Jello”), y presenta entre otras propuestas que los ejecutivos y los banqueros vistiesen con trajes de payaso o que a los policías los eligiesen los vecinos de los barrios en los que patrullen. En el proceso recibe más de 6000 votos, quedando el cuarto de diez candidatos.

Son invitados a una ceremonia de entrega de Bay Area Music Awards. Aparecen vestidos con camisas blancas con una “S” pintada con spray y corbatas negras (quedando así el símbolo del dólar: $) e interpretan una canción compuesta expresamente para esa ocasión: “Pull my strings”, en la que atacan a los empresarios de la música y a los artistas mainstream. No volvieron a ser invitados a la ceremonia, ni grabaron la canción en ningún álbum, pero incluyeron el tema en directo en el recopilatorio Give Me Convenience or Give Me Death (Alternative Tentacles, 1987).

En 1980 Publican su segundo single, el antimilitarista Holiday in Cambodia, en el que cargan contra los Marines estadounidenses. Ese mismo año publican su primer LP, Fresh Fruits for Rottin’ Vegetables. El LP incluye “California Über Alles” y “Holiday in Cambodia”, y le precede el single Kill the Poor, en el que Biafra ironiza con acabar con todos los pobres para conseguir una sociedad limpia. La canción es entendida por muchos de manera literal, así como “California Über Alles” (que se convirtió en una expresión muy usada por los jóvenes californianos de extrema derecha), lo que les empieza a acarrear sus primeros problemas y el ser tildados de fascistas. Sus conciertos son vigilados por fuerzas policiales y, a pesar de sus problemas, su popularidad se dispara dentro y fuera de Estados Unidos de América, llegando a ser disco de oro en el Reino Unido (llegó al número 33 de las listas de este país).

En 1981 Ted abandona y es substituido por D. H. Peligro (Darren Henley). Con la nueva formación publican los singles Too Drunk to Fuck y Nazi Punks Fuck Off’, donde arremeten contra el uso de iconografía nazi por parte de los punks (hay muchas fotografías en las que se ve a Sid Vicious luciendo una camiseta con una esvástica). Parece ser que la canción lleva alguna alusión velada al grupo de punk escocés The Exploited. En una gira por el Reino Unido, Jello Biafra protagoniza una pelea con Wattie Buchan, líder de The Exploited. Biafra realizó unas declaraciones en las que dijo que “The Exploited y la Policía son lo mismo”, debido a los supuestos contactos y connivencia de The Exploited con el partido ultraderechista inglés Nacional Front. La banda escocesa responde con dos temas: “I Hate You” (dedicada a Biafra) y “Fuck The U.S.A” (dedicada a Dead Kennedys).

A finales del año publican el EP In God we trust, Inc (en el que incluyen el tema “Nazi Punks Fuck Off”). El disco contiene numerosos temas en los que se ataca a la derecha religiosa estadounidense. La canción “We’ve Got a Bigger Problem Now” es una versión de “California Über Alles” dedicada esta vez a Ronald Reagan. En esta época comienzan los roces entre Biafra y East Bay Ray cuando, según el primero, East presiona al resto del grupo para firmar un contrato con Polydor Records, una multinacional, a lo que Biafra se opone frontalmente, amenazando con dejar el grupo si sucede así.

Durante la campaña electoral de 1981, Dead Kennedys organizan conciertos de protesta frente a actos tanto del Partido Republicano como del Demócrata. Los conciertos se realizaban bajo férreas medidas de seguridad, llegando a realizarse cargas policiales en muchos de ellos.

En 1982 aparece Plastic Surgery Disasters, su segundo LP de estudio. El disco es una feroz crítica al “American way of life”, cargando contra la familia patriarcal, la televisión como forma de control social, la destrucción del medio ambiente, el imperialismo estadounidense y la derecha religiosa. Realizarán una gira de casi dos años por Estados Unidos de América, Canadá, Australia y diferentes países europeos.

Hasta 1985 no aparece su siguiente álbum, Frankenchrist, que les enfrenta con el Parents Music Resource Center (PMRC), una organización para la defensa de la moral y las buenas costumbres y que contaba con estrechos vínculos con líderes diferentes organizaciones religiosas (como Jerry Falwell y Pat Robertson). El motivo fue la inclusión en el disco de un póster con la ilustración “Penis Landscape” (“El paisaje del pene”), obra del dibujante suizo H. R. Giger. Musicalemnte es su disco más ecléctico y experimental, las canciones se ralentizan (incluyen menos cortes de lo habitual) y se introducen efectos electrónicos e instrumentos como trompetas, sintetizadores o un Bellzouki eléctrico. Lo que no cambia es la lengua afilada de Biafra, criticando abiertamente el establishment socio-político con temas como “Hellnation”, “Stars and Stripes of Corruption” o “MTV – Get Offf the Air”.

1986 es el año de su disolución, debida, fundamentalmente, a enfrentamientos entre Biafra y el resto de la banda (particularmente virulentos con East Bay Ray y Klaus Flouride). En febrero dan su último concierto.

El PMRC contrata a un prestigioso bufete de abogados para demandar al grupo por de «distribución de material obscena para menores». La campaña contra los Dead Kennedys la lideran Tiper Gore y Susan Baker, junto a sus maridos Al Gore y James Baker, respectivamente, entonces miembros del Senado estadounidense. En junio de 1986 se celebra el juicio, y son condenados, cada uno, a un año de prisión y 2000 dólares de multa. Numerosas tiendas retiran Frankenchrist de sus estantes y la continuidad de Alternative Tentacles se ve seriamente amenazada.

Durante el juicio aparece su último disco, Bedtime for Democracy, en el que dejan de lado los experimentos de Frankenchrist y vuelven a la velocidad que caracterizaba a sus primeros trabajos. El disco lo lanzan a modo de obtención de fondos para costear el juicio, y se pone en marcha una campaña en defensa de la libertad de expresión en la que reciben el apoyo de músicos como Frank Zappa, Crass y las bandas de Alternative Tentacles.

En 1987 aparece la recopilación Give Me Convenience or Give Me Death, que contenía los temas inéditos “Pull my Strings” y una versión de “I Fought the Law”. Este año termina el proceso y son absueltos de todos los cargos.

En 2001 la banda volvio a los escenarios, pero esta vez sin Jello Biafra.

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Es un grupo de hip hop latino proveniente de South Gate, California. Fue formado en 1986 y a lo largo de su amplia y exitosa carrera han vendido más de 18 millones de álbumes en todo el mundo.

El grupo está formado por DJ Muggs (Lawrence Muggerud, DJ y productor, 28 de enero de 1968), B-Real (Louis Freese, Mc, 2 de junio de 1970), Sen Dog (Senen Reyes, Mc, 20 de noviembre de 1965) y Eric Bobo (Eric Correa, percusionista, 27 de agosto de 1968, que se integró en 1994). Uno de los aspectos de su popularidad es su compromiso con la legalización del consumo de marihuana o cannabis. Cypress Hill es el primer grupo latino en obtener un disco platino, oro y multi-platino
El primer álbum, titulado igual que ellos, fue lanzado en noviembre de 1991. El primer single fue “Phuncky Feel One”, pero fue la Cara-B “How I Could Just Kill A Man” (primeramente llamado “Trigga Happy Nigga”) el que más éxito tuvo en las radios urbanas. Gracias al éxito del single “Hand On The Pump” y a otras canciones como la bilingüe canción “Latin Lingo” y la española “Tres Equis”, el álbum vendió dos millones de copias solamente en Estados Unidos. Posteriormente, DJ Muggs produjo el primer álbum de House of Pain, y trabajó con Beastie Boys y Funkdoobiest. La banda hizo su primera aparición en el festival musical Lollapalooza en 1992.

Black Sunday, el segundo álbum del grupo, debutó #1 en la lista Billboard 200 en 1993. Todavía con su álbum debut en las listas, se convirtieron en los primeros artistas de rap en colocar dos álbumes en el Top 10 de Billboard 200 al mismo tiempo. Con el éxitazo “Insane in the Brain”, el álbum fue doble-platino en Estados Unidos y vendió 3.25 millones de copias.

Como uno de los primeros grupos de rap que luchan por la legalización de la marihuana, Cypress Hill fue prohibido en Saturday Night Live después de que DJ Muggs se fumara un porro de marihuana y la banda destrozara sus instrumentos musicales mientras interpretaban su segundo single “I Ain’t Goin’ Out Like That”. El grupo tituló su gira con el nombre “Soul Assassins”, en acompañamiento de House of Pain y Funkdoobiest, y más adelante hicieron lo propio con Rage Against the Machine y Seven Year Bitch. En 1993, Cypress Hill grabó dos temas para la banda sonora de la película Judgment Night, “Real Thing” con Pearl Jam y “I Love You Mary Jane” con Sonic Youth.

La banda tocó en 1994 en el Festival de Woodstock introduciendo a su nuevo miembro Eric Bobo, antiguo percusionista de Beastie Boys. Bobo es el hijo del famoso cantante de salsa Willie Bobo. La revista Rolling Stone nombró a Cypress Hill como el mejor grupo de hip hop en sus premios de música votados por críticos y lectores. Cypress tocó por segundo año consecutivo en Lollapalooza encabezando el cartel en 1995. También aparecen en el capítulo de Los Simpson llamado Homerpalooza, en el que Homer, Bart y Lisa asisten al Festival Hullabalooza (inspirado en el Lollapalooza). El tercer álbum, Cypress Hill III: Temples of Boom, fue lanzado en 1995, vendiendo 1.5 millones de copias y alcanzando la tercera posición de Billboard 200 a pesar de no incluir ningún single de éxito.

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Roland Orzabal y Curt Smith, fundadores de esta banda inglesa se conocieron en su ciudad natal Bath, Inglaterra a principios de la década de los años setenta cuando estudiaban en el mismo colegio. Desde que descubrieron el uno al otro su afinidad por la música y las propuestas similares en conceptos y proyecciones decidieron formar un grupo llamado Tears for Fears en 1981, aunque como antecedente Roland Orzabal y Curt Smith ya habían formado una banda a finales de los años setenta, “Graduate”, que tras la estela del primer sonido “ska” de “The Specials”, “The Selecter”, “Madness”, “The Akrylykz” o “Bad Manners” no tuvo mayor consideración, si exceptuamos el tema “Elvis should play Ska”. Anteriormente, formaron parte de la banda Neon, compuesta también por Pete Byrne y Rob Fisher, quienes luego formaron Naked Eyes.

Tears for Fears es una banda Adult oriented rock y New wave fundada por Curt Smith y Roland Orzabal en 1981. Su estilo es muy variado y evidente en cada una de sus producciones musicales que se han mantenido vigentes. Sus principales influencias musicales han sido The Beatles, Human League y Duran Duran, aunque también han llegado a sonar con similitud con Supertramp y Spandau Ballet. Canciones como “Everybody Wants to Rule the World”, “Shout” y “Sowing the Seeds of Love” convirtieron a Tears for Fears en uno de los grupos más importantes de los años ’80, y en uno de los grupos más reconocidos a nivel mundial.

Tears for Fears ha sido un grupo con ideas concretas que han ido plasmando a lo largo de su historia en letras que tienen que ver con la humanidad y sus problemáticas, los trastornos psicosociales, el amor por la vida entre otros incluyendo tendencias políticas propias de momentos específicos. Tienden al uso de instrumentos electrónicos, en un estilo Synth Pop. Han incurrido también en el estilo de rock progresivo y jazz, logrando grandes baladas como “Woman in Chains”.

Sus estilos van del Soft-Rock, al New Wave hasta un ligero toque de Jazz en su producción “The Seeds of Love” de 1989, producciones “Elemental” (1993) y “Raoul and The Kings of Spain” (1995).

Siempre fueron uno de los grupos más ambiciosos y destacados de la oleada de bandas que surgieron a finales de la década de los 70´s y principios de los 80’s así como Duran Duran, Depeche Mode o Spandau Ballet entre otros. Las ventas de sus primeras 3 producciones (1983-1989) han superado las 20 millones de copias alrededor del mundo y fueron considerados el mejor grupo musical de 1985 gracias a temas como “Everybody Wants to Rule the World” y “Shout”, ganándose un puesto entre las bandas más destacadas de la música de los 80s y 90s. Precisamente es el disco “Songs from the Big Chair” el éxito más grande que tuvieron en su carrera, y que los consagraría a mediados de la década de los 80s.

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Prince nació el 7 de junio de 1958 en el hospital Monte Sinaí en Minneapolis, Minnesota. Su padre, llamado John L. Nelson, músico aficionado, formaba parte de un grupo de Jazz llamado Prince Rogers Trio, del cual tomó el nombre para su hijo. En él conoció a Mattie Shaw, cantante del grupo con la que se casó y que se convirtió en la madre de Prince.

Cuando tenía seis años sus padres se divorciaron. El padre se fue de la casa familiar pero no se llevó el piano que tenía, lo cual fue aprovechado por Prince para aprender a tocarlo él solo, aprendiendo de oído sintonías de series de televisión como ‘Batman’. Más tarde aprendió a tocar otros instrumentos: a los 13 años su padre le regaló una guitarra eléctrica, que Prince aprendió a tocar rápidamente. En sus años de instituto formó con su amigo André Cymone varios grupos, entre ellos dos llamados Champagne y Grand Central. Tocaban en fiestas de instituto y similares pero Prince no cantaba, pues consideraba que su voz no era apta para ser presentada en público. Tiempo más adelante, demostraría que su talento como cantante es tan amplio como el de instrumentista o compositor. Cuando tenía 17 años conoció a un músico llamado Pepe Willie, marido de una prima suya, que le introdujo en el mundo profesional y con el que hizo sus primeras grabaciones en estudio. Poco después un ingeniero llamadoChris Moon le convenció para que presentara sus maquetas a alguna compañía. La que se llevó el gato al agua fueWarner Bros, que le dio completa libertad artística y creativa.

En 1978 grabó su primer disco, For You, en el que todas las canciones están compuestas por él y toca todos los instrumentos que se escuchan en el disco (según sus propias palabras sabe tocar más de treinta instrumentos). Amante de los cócteles musicales más variopintos, se convirtió en la gran esperanza de la música negra tras su disco Prince (1979), en el que se incluía I Wanna Be Your Lover, primer tema de Prince en alcanzar las listas de éxitos, el clásico “I Feel For You”, que en 1984 supondría la consagración mundial de Chaka Khan al hacer una versión, o la guitarrera y provocativa “Bambi”, historia de un ligue femenino con tendencias lésbicas. En este año hace su primera gira por Estados Unidos, tanto en solitario como telonero de Rick James. Su primera banda fija estaba compuesta por: André Cymone (bajo), Gayle Chapman (teclados), Dez Dickerson (Guitarra) y Matt Fink, alias Dr. Fink (teclados)

Su siguiente disco, Dirty Mind (1980) supuso un radical cambio de estilo. Un disco de poco más de media hora, con un sonido más crudo (el disco es prácticamente una maqueta) y una imagen absolutamente provocativa, apareciendo en escena en slip y con medias de mujer debajo de una raída gabardina. Además las letras iban más allá de los límites establecidos en el tema sexual; temas como Head y Sister se convirtieron en pesadilla de censores. Su siguiente álbum, Controversy (1981) supuso una nueva vuelta de tuerca; esta vez los temas sexuales dejan paso a temática social en canciones como Ronnie, Talk To Russia o Annie Christian. Debido a lo provocativo del nuevo estilo de Prince, la teclista Gayle Chapman abandona la banda de directo y es sustituida por Lisa Coleman, joven teclista hija de músicos que no tuvo ninguna objeción a la música. Por esta época empieza a dar rienda suelta a su creatividad con grupos paralelos como The Time, a mayor gloria de su amigo Morris Day (antiguo batería de Champagne) y que sería semillero de valiosos músicos y productores como Jimmy Jam, Terry Lewis, oPaul ‘St. Paul’ Peterson.

El disco que hizo a continuación, 1999 (1982) supuso su primer gran éxito popular, y probablemente su primera gran obra maestra. La canción que dio título al disco (plagiada por Phil Collins algunos años después) se convirtió en un clásico, aunque la canción que le aupó a las listas de éxitos fue el segundo sencillo, Little Red Corvette, tema dirigido básicamente al público blanco. Antes de la gira de promoción del disco, André Cymone dejó la banda, frustrado por el egocentrismo de Prince para empezar una carrera en solitario como solista y productor. Fue sustituido al bajo por Mark Brown, rebautizado como Brownmark. En esta gira la banda tuvo por primera vez el nombre The Revolution.

Por esta época Prince empieza a pensar en hacer una película. Durante la gira de apoyo al disco 1999 empezó a anotar ideas en una libreta de color púrpura[cita requerida]. Sus representantes Cavallo, Ruffalo y Fargnoli consiguen interesar a su compañía en el proyecto. Durante el verano y otoño de 1983 se rueda la película en Minneapolis y Los Ángeles. El 8 de agosto de 1983 dio un concierto benéfico en la sala de su ciudad natal 1st Avenue. Este concierto es reseñable por dos hechos destacados; supuso el debut a la guitarra de la joven de 19 años Wendy Melvoin en la banda sustituyendo a Dez Dickerson. Wendy había sido traída a la banda por su amiga Lisa Coleman. Ambas serían la mano derecha de Prince, musicalmente hablando, durante los siguientes tres años. El otro hecho destacado fue que varios de los temas tocados serían grabados e incluidos, con pequeños retoques de estudio, en el disco que acompañó a la película.

Cuando empezó a continuar con su carrera, en el 1999 contrato a su nueva representante Ruth Arzate, en Los Ángeles California. Ayudándole a supervisar, hasta la fecha.

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En el recorrido sonoro por los discos de esta banda liderada por el frontman Scott Weiland se aprecia tanto la deuda hacia los sonidos grunge de Pearl Jam o Alice in Chains como su ascendencia hard rock de Led Zeppelin, a quienes versionaron con “Dancing Days”, o su tendencia hacia la música más psicodélica de los Beatles, a quienes rindieron pleitesía grabando “Revolution”.
Quizá pudiesen resultar derivativos, que lo eran, pero escribían piezas llenas de fuerza al mismo tiempo que no eran desmañados en la creación melódica, sino más bien todo lo contrario, hechos que ya significan una escritura no original pero sí lo suficientemente respetable.

El grupo californiano, derivado de otro denominado Mighty Joe Young (no sabemos si puesto en honor del bluesman del mismo nombre), se creó en el año 1992. Estaba formado por el citado cantado Scott Weiland (nacido el 28 de octubre de 1967 en Santa Cruz, California), los hermanos Dean DeLeo, guitarrista, y Robert DeLeo, bajista, y el batería Eric Kretz. Scott y Robert se habían conocido cuando ambos asistían a un concierto de Black Flag.

Su primer LP, aparecido en el sello Atlantic, sería “Core” (1992), un disco producido por Brendan O’Brien que les trajo comparaciones con incisivas bandas grunge como Pearl Jam o Alice in Chains y que les valió para conquistar desde los comienzos de su carrera las listas de ventas, alcanzando el puesto número 3 en el Billboard. Entre sus mejores temas destacan la vibrante “Sex Type Thing”, “Plush” o la balada acústica “Creep”.

“Purple” (1994), un destacado álbum que llegaría el número 1 en los Estados Unidos, prorrogaba acerados y melódicos sonidos previos, apuntando también algunos rasgos psicodélicos, y confirmaba su estatus dentro del mainstream gracias a canciones como “Vasoline” o “Intersate Love Song”.
Después de este trabajo Weiland sufrió problemas graves con las drogas ya que se encontraba muy enganchado a la heroína. Entre ellos una detención en Pasadena que le llevó a cumplir un programa para rehabilitarse de sus adicciones, las cuales seguirían castigando profesionalmente al cantante y por extensión a todo el grupo.

Su vuelta al mundo de la música sería con “Tiny Music…Songs From The Vatican Gift Shop” (1996), un disco (número 4 en el Billboard) en el cual su querencia por la psicodelia se hacía más evidente y las disposiciones sónicas presenta mayor singularidad y personalidad propia, lo que pudo perjudicarlo ante los ojos de los fans más inmovilistas del grunge.
Las aristas hardrockeras se hacían menos tangibles y su aspecto más melódico en su faceta beatleiana aparecía de manera más preponderante sin perder vigor en instrumentación.
Es uno de sus mejores discos con cortes como la excelente “Trippin’ on a hole in a paper”, “Big Bang Baby”, tema muy similar a lo ofertado por los Redd Kross, grupo admirado por Scott Weiland, o “Lady Picture Show”, en donde se aprecia su afinidad por los Beatles.

Después de “Tiny Music…Songs From The Vatican Gift Shop” Scott Weiland debutaría como solista con “12 Bar Blues” (1998), un LP producido por Daniel Lanois. Al año siguiente los Stone Temple Pilots retornarían a grabar como grupo para editar “No. 4” (1999), disco que recuperaba sonidos hard rock con piezas como la agresiva “Down” sin perder el aspecto más pop de su escritura, ejemplificado en “Sour Girl”, tema con unas estupendas armonías vocales en su pegadizo estribillo.

Con el comienzo del siglo Weiland se limpió de sus adicciones y el grupo presentó “Shangri-La Dee Da” (2001), disco, como todos los de su carrera, producido por Brendan O’Brien, que incluía, mixturando hard rock y pop, canciones como “Days of the week”, “Hello It’s late”, “Too cool queenie” o “Hollywood Bitch”. Tras este álbum el grupo decidiría romper y despedirse con un disco recopilatorio titulado “Thank You” (2003).

Scott Weiland posteriormente formaría para del grupo Velvet Revoler, creado por varios ex miembros de Guns N’ Roses.

Stone Temple Pilots volverían al estudio en el año 2010 para grabar un álbum homónimo.

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Michael Joseph Jackson (Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 – Los Ángeles, 25 de junio de 2009), conocido en el mundo artístico como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música pop y sus variantes. Conocido como el «Rey del Pop», logró cerca de 80 récords por diferentes motivos y fue incluido en el Guinness World Records en numerosas ocasiones, por motivos entre los que destacan, entre otros, ser el artista musical más exitoso de todos los tiempos, con cerca de 750 millones de discos vendidos; el artista musical más premiado de la historia, con 405 galardones, entre ellos 18 premios Grammy; el vocalista más joven en liderar la lista de sencillos en los Estados Unidos, con 11 años de edad; el primer vocalista en entrar en la lista de sencillos directamente en el número 1, con «You are not alone»; mayor número de semanas en el número 1 de la lista deálbumes (no bandas sonoras) en Estados Unidos, con Thriller, durante 37 semanas; videoclip más exitoso, Michael Jackson’s Thriller, con alrededor de 1 millón de unidades vendidas; primer animador en ganar más de 100 millones de dólares en un año; animador mejor pagado de todos los tiempos (125 millones de dólares en la lista Forbes de1989); y animador más exitoso de todos los tiempos. Además ha sido el primer y único artista que ha logrado empezar y terminar el año con un álbum en el número 1 (Thriller) y el primer y único artista de la historia en lograr números 1 en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990. (Véase la sección «Premios y honores» para más información).

Su contribución a la música, al baile y a la moda, además de su publicitada vida personal le convirtieron en una figura de la cultura popular.

Comenzó su carrera artística con sus hermanos en la banda The Jackson 5 a mediados de los años 1960, en el cual publicó junto a ellos diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera en solitario, aunque siguió perteneciendo a la banda de sus hermanos. Debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música, se convirtió en la mayor estrella de la música pop en ese momento. Algunos de sus álbumes publicados, como Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) o HIStory: Past, Present and Future, Book I (1995), figuran entre los álbumes más vendidos de todos los tiempos, lo que le sirvió para entrar en el Rock and Roll Hall of Fame. Por otra parte, trece de los 98 sencillos de Jackson alcanzaron elprimer lugar de la lista Billboard 100 y vendió entre 300 y 350 millones e incluso se consideran las ventas de más de 750 millones de discos.

Fue reconocido durante su carrera con el apodo del «Rey del Pop», siendo la superestrella de la música pop más exitosa a nivel mundial, sin embargo también su música incluyó una amplia acepción de subgéneros como elrhythm & blues (soul y funk), disco y dance. También durante su vida sirvió de influencia musical para decenas de artistas. Michael Jackson a lo largo de su trayectoria ha cosechado múltiples premios, ha sido incluido dos vecesen el Salón de la Fama del Rock, ha batido múltiples récords en el Guinness World Records y ha recibido veintiséisAmerican Music Awards y quince premios Grammy, de los cuales dos son póstumos. Posee el récord de artista más galardonado de la historia de la música, con 386 premios. Además, ha sido reconocido por sus actos defilantropía, ostentando el récord al artista que más dinero ha donado a obras benéficas, con cientos de millones de dólares donados a 39 instituciones de este tipo.

Posteriormente, en los años 1990 se vio envuelto en dos capítulos polémicos: el primero en 1993 y más tarde en 2003. En ambos casos el cantante fue acusado de pederastia, a través de acusaciones de abuso sexual hacia dos niños de trece años en cada caso. Sin embargo, las acusaciones fueron revocadas tras abonar una suma de más de veinte millones de dólares a fin de evitar un juicio en el primer caso y, en el segundo, al ser absuelto en el juicio por falta de pruebas. Estos sucesos tuvieron repercusión mundial y afectaron sus últimos años de su vida y carrera artística.  Casi una década después, fue publicado Invincible (2001), cuyo lanzamiento fue reconocido como un total fracaso, puesto que las ventan fueron inferiores a los gastos y el artista se vio implicado en una disputa con su discográfica. Tras más de diez años desde su última gira, Michael Jackson anunció su regreso a los escenarios con una gira que se titularía This Is It, sin embargo, a casi veinte días del comienzo de la gira, el 25 de junio de 2009, el cantante falleció por un paro cardiorrespiratorio. El Departamento Forense del Condado de Los Ángelesdeclaró que su muerte había sido un homicidio, y su médico personal se declaró «no culpable» de los cargos de homicidio involuntario ante un tribunal y pagó una fianza para no ingresar a prisión, su juicio se pospuso para enero de 2011. La repentina muerte del artista dio lugar a una avalancha de pena, y hasta más de dos mil millones de personas vieron su funeral público en la televisión en vivo. En 2010, Sony Music Entertainment firmó un contrato con su familia por 250 millones de dólares para retener los derechos de distribución de sus discos y publicar hasta siete álbumes póstumos hasta 2017.

 

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Talking Heads fue una banda de rock formada por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. Después de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación.

Esta banda fue una de las más representativas bandas de rock new wave, con elementos de estilos como el punk rock y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, el cual influyó y sigue influyendo lamúsica popular.

Encabezado por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos. Puede resumirse su estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme”Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

Formada en 1974 en la ciudad de Nueva York, la banda se llamó inicialmente The Artistics, y está formada por tres miembros, David Byrne (voz principal y guitarra), Chris Frantz (batería, percusión), y Tina Weymouth (bajo y coros). Los tres fueron alumnos de la Escuela de Diseño de Rhode Island. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Se mudaron a Nueva York y fueron teloneros de The Ramones en el legendario club CBGB. En 1976, se unió Jerry Harrison (guitarra, teclados y voz), exmiembro de la banda de Jonathan Richman, The Modern Lovers. El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977. El grupo lanzó su primer single, “Love – Building On Fire” en febrero de ese año.

Su primer álbum, Talking Heads: 77 fue lanzado a continuación y no contenía el primer single.

Esto fue con su segundo álbum, en 1978 More Songs About Buildings and Food con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. De hecho la canción de Eno de 1977 “King’s Lead Hat” es un anagrama del nombre de la banda. El estilo típico de Eno congeniaba bien con las sensibilidades artísticas del grupo. Y se ganaron la confianza para explorar en una gran variedad de direcciones musicales. Sin embargo el primer “Psycho Killer” del álbum fue un éxito minoritario, fue la versión de Al Green’s de More Song’s “Take Me to the River” la que hizo a Talking Heads conocida por el público en general.

La experimentación continuó con Fear of Music en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. El single “Life During Wartime” creó el himno “This aint’s no party, this ain’t no disco”. Remain in Light, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda Nigeriana Fela Kuti de quienes Eno introdujo su música en la banda, explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial. Para interpretar todos esos complejos arreglos la banda fue de gira con más miembros en el grupo, primero en el Festival de Heatwave en agosto, y más tarde en sus famosos conciertos de la película Stop Making Sense.

El single del álbum Once in a Lifetime, fracasó una vez que se lanzó en el propio país de la banda (sin embargo llegó a estar en el top 20 en el Reino Unido), pero creció en popularidad durante los siguientes años tras su video musical, una de sus primeras canciones con el poder que tendrían los videos musicales durante los años 80.

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Lou Reed (nacido como Lewis Allen Reed el 2 de marzo de 1942 en Freeport, Long Island, Nueva York) es un cantante y escritor de rock, considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario. Enormemente influyente en el arte pop desde la década de los 60, sus principales discos son Rock’n Roll AnimalTransformer y, para un primer acercamiento, el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival: Perfect Night Live in London. Vive en Nueva York.

En su época de The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música: Heroin,Rock and Roll y Sweet Jane.

Reed era un fan del rock and roll y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas durante su época de estudiante y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran “traer la sensibilidad de la novela a la música rock” o escribir “la Gran Novela Americana” en un disco.

Se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records y cofundóThe Velvet Underground como guitarrista/vocalista/letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker. Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.

Después de dejar la The Velvet Underground en agosto de 1970, decidió pasar un año sabático, y lo empleó en descansar y dedicarse a una de sus grandes pasiones, la pintura. Posteriormente Reed tomó un trabajo en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, con un sueldo de 40 libras a la semana. Sin embargo, un año después, firmó un contrato discográfico con RCA y grabó su primer álbum solista en Inglaterra, con la colaboración con músicos de Yes como el tecladista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe. El álbum, simplemente titulado: Lou Reed, contenía versiones alternativas de canciones con la The Velvet Underground muchas de las cuales fueron descartadas y archivadas (las cuales se pueden encontrar en el box setPeel Slowly & See). Pese a su calidad musical este primer trabajo solista pasó desapercibido por los críticos y tuvo muy pocas ventas.

Tras el fracaso con su primer álbum, a finales de 1972, Lou Reed trató de re-orientar su carrera musical lanzando Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie. A continuación publicó Berlin, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says(violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song (“Canción triste”).

Reed se adelantó a su tiempo en la elección de estos temas. La música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los años 70 del siglo XX; pero incluso entonces sus canciones eran únicas: ya fuese entre guitarras distorsionadas o suavemente melódicas, Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, o incluso sórdidas, que otros letristas no trataban. “Walk on the Wild Side” es un saludo irónico y gráfico a los inadaptados, chaperos y travestis en la Factoría de Andy Warhol. “Perfect Day” es una elegía a la adicción de Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting. En el material que escogía, Reed seguía, y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. La personalidad de Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista incluso en la época hippie.

En 1975, produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music, lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Su discográfica lo estaba presionando para que grabara otro álbum comercial al estilo de Transformer, y Lou decidió cortar con ellos grabando intencionadamente uno de los discos más insoportables de la historia. El periodista de rock Lester Bangs lo declaró genial. Aunque admitiendo que las notas internas de los instrumentos usados es ficticia y paródica, Reed mantiene que MMM era y es un álbum serio. Sus discos de finales de los 70 son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte a las adicciones de Reed en aquellos años.

Al principio de los años 80, Reed dejó las drogas y comenzó, tanto en su trabajo como en su vida privada, a intentar asuntos más serios, notablemente en su aclamado disco de regreso The Blue Mask. Se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron). En su exitoso álbum New York lanzó una enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad, denunciando el crimen, los caros alquileres, a Jesse Jackson e incluso al Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de The Velvet Underground, John Cale, en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.

Reed continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss, un disco sobre la mortalidad. En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de Perfect Day para un especial de la BBC en favor de los niños. En 2001 fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína. En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe. En 2004, se publicó una remezcla de su canción “Satellite of Love” que alcanzó el número 8 en las listas inglesas.En 2007 lanzó su hasta ahora último album Hudson River Wind Meditations, influido por sus practicas de yoga y cantó en la canción Tranquilize de The Killers. El disco que Gorillaz editó en el año 2010 lo encuentra en el track número 9, una canción llamada “Some Kind Of Nature”, en la cual canta junto a Damon Albarn, líder de la mencionada banda.

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Bauhaus es un banda de rock británica (formada en Northampton en 1978) que fue popular en los 80. La banda tomó su nombre de la escuela de diseño alemana Bauhaus creada durante la segunda década del siglo XX, aunque en un principio se llamaron Bauhaus 1919, perdiendo la última parte antes del primer año.

A pesar de que había bandas precursoras del estilo gótico, muchos consideran a Bauhaus la primera banda gótica. Bauhaus combinaban un gran número de influencias punk y glam rock. Su sonido influyó, inspiró y llamó la atención sobre un conjunto de grupos post-punk generando el estilo intenso y triste que acabó siendo el rock gótico.

Su single de debut, “Bela Lugosi’s Dead”, se publicó en agosto de 1979. Es una canción de 9 minutos de duración y grabada en directo en el estudio de una sola toma, que no entró en las listas de éxitos británicas, pero se siguió vendiendo durante muchos años. Con diferencia su trabajo más famoso, es un trabajo minimalista, una mezcla libre de The Doors, los Pink Floyd del inicio y algunas bandas de Krautrock experimental como Can y Neu!. La canción fue la banda sonora de la película “The Hunger” de Tony Scott del año 1983.

En 1980 grabaron su primer L.P. “In The Flat Field”, un álbum claustrofóbico y denso, que seguía los derroteros marcados por su single de debut y que los situó entre los abanderados del movimiento gótico/siniestro junto a bandas como Siouxsie & The Banshees, The Cure o Joy Division. Con su segundo L.P. “Mask” editado en 1981 y una sucesión de singles de éxitos, la banda logró consolidarse en el mercado europeo y subir alto en las listas con una versión del tema “Ziggy Stardust” de David Bowie.

Su siguiente trabajo “The Sky´s Gone Out” mostraba una evolución del grupo hacia sonidos más experimentales, y fue editado en 1982 acompañado de un disco en directo llamado “Press The Eject And Give Me The Tape”. En esas fechas comenzaron los problemas internos de la banda debido al excesivo protagonismo de su vocalista Peter Murphy, que se volvió la cara principal de publicidad de las cintas de cassette Maxel y que realizó una aparición estelar en el prologo de la película “El Ansia” (The Hunger) de Tony Scott ahí donde se suponía debían aparecer todos los miembros de la banda.

Ya en 1983, Bauhaus presentó su último disco “Burning From The Inside” que fue su mayor éxito de ventas y que mostraba al grupo en su faceta más comercial con singles como “She´s In Parties”. El disco lo comenzaron a grabar los miembros de la banda mientras Peter Murphy se encontraba hospitalizado debido a una neumonía, este detalle y el hecho de que cuando Murphy se presentó a grabar las voces del disco Daniel Ash y David J habían grabado sus voces en algunos temas, fueron el detonante para la disolución de la banda.

Antes de que Bauhaus se separaran (1983), todos los miembros del grupo hicieron varios trabajos como solistas. El cantante Peter Murphy trabajó de forma temporal con el bajista Mick Karn de Japan en la bandaDali’s Car antes de tocar solo en discos como Deep y Love Hysteria. Daniel Ash también grabó y publicó discos en solitario bajo el nombre de Tones on Tail con Kevin Haskins y Glen Campling, roadie de Bauhaus. David J ha publicado múltiples discos en solitario y ha colaborado con varios músicos a lo largo de los años. Actualmente trabaja “en artes visuales”. Kevin Haskins ha estado creando música electrónica para videojuegos y también ha producido a artistas como Gary Numan.

En 1985, David, Daniel y Kevin formaron Love and Rockets que consiguieron entrar en la lista de éxitos de Estados Unidos en 1989 con “So Alive”. La banda se separó después de siete discos en 1998.

En 1998, Bauhaus se reunieron para el “Resurrection Tour” que incluía dos nuevas canciones (“Severance”, original de Dead Can Dance y “The Dog’s a Vapour” que también estaba publicada en la BSO de la película “Heavy Metal 2″). Un disco en directo grabado durante la gira, Gotham, fue publicado ese mismo año.

En 2005, Bauhaus tocaron en una actuación de reunión en el Festival de Música y Artes de Coachella Valley en Indio (California) el 30 de abril de 2005. No se esperaban canciones nuevas, pero Peter Murphy continuó tras la actuación de Coachella con su gira en solitario para promocionar su nuevo disco. Él no solía tocar canciones de Bauhaus en sus actuaciones en solitario.

Después de la gira en solitario de 2005 de Peter Murphy, Bauhaus empezó una gira completa entre el otoño de 2005 (Norteamérica, México) y primavera de 2006 (Europa).

En marzo de 2008 lanzó su último disco de estudio, luego de más de 20 años sin grabar. “Go Away White”, es el nombre del oscuro disco, el cual ha sido alabado hasta el momento por su contenido misceláneo y preciso, con temas que van desde sonidos de rock clásico (“Too much 21th century”, “Black Stone Heart”) hasta los temas más oscuros y profundos de su carrera discográfica (“Saved”, “The Dog’s a Vapour”)

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Sin Iggy Pop y los Stooges, sin Lou Reed y la Velvet o sin Dick Dale o Pere Ubu no hubiesen existido los Pixies. Pero sin los Pixies no hubiesen aparecido gran parte de los grupos alternativos surgidos a partir de los años 90, entre ellos Nirvana (Kurt Cobain era un confeso fan del grupo), Weezer, Radiohead, Pearl Jam o Pavement. Estamos ante una de las bandas más influyentes de la historia del rock.
La encarnizada, insana y fiera factura vocal del líder Black Francis (luego conocido como Frank Black), la sobria y mesmerizante ejecución de Kim Deal al bajo, las connotaciones surf de la característica, hiriente y poco convencional guitarra de Joey Santiago y la potente batería de David Lovering toman cuerpo y consistencia en lacerantes, psicóticos y atmosféricos temas que agrupan abrasivas y crudas texturas noise-rock y letras surrealistas y sinsentido en pegadizas melodías pop que han marcado un hito en la década de los 90, expandiendo su esencial referencia en multitud de bandas de similar sonido pero más previsibles, de menor talento y singularidad.

El grupo nace a mediados de la década de los 80, cuando el cantante, compositor y guitarra rítmico Charles Tompson (nacido en el año 1965 en Long Beach, California) y el guitarrista líder Joey Santiago, quien había nacido en Manila (Filipinas), pero desde muy niño residía en los Estados Unidos, deciden crear en Boston una formación de rock, cuando ambos comparten habitación en la Universidad de Massachussets.
Santiago es un admirador de los Beatles y de George Harrison, siendo “Savoy Truffle” su tema favorito de todos los tiempos. Thompson comparte su inclinación beatliana, escuchando también a bandas como The Stooges, Velvet Underground, David Bowie, Ramones o Hüsker Dü.
Ambos son apasionados de la música aunque no virtuosos instrumentistas. Esto no es un hándicap para iniciarse en el ámbito musical. Lo que sobra en la música son virtuosos, lo que falta es gente con creatividad y originalidad.

La búsqueda de nuevos componentes termina cuando la bajista Kim Deal (nacida el 10 de junio de 1961 en Dayton, Ohio) contesta al anuncio que la pareja había insertado en una publicación musical. “Queremos a un bajista cuyos gustos vayan de Hüsker Dü a Peter, Paul & Mary”.
Para la batería, Kim recomienda a su íntimo amigo David Lovering. En 1986 los Pixies ya estaban totalmente conformados. Poco antes Charles Thompson había adoptado el nombre artístico de Black Francis.

Comienzan a actuar por Boston, llamando la atención por sus enérgicas interpretaciones en vivo. Tras telonear a Throwing Muses se les acerca un famoso productor de la zona llamado Gary Smith, quien se interesa vivamente por la banda. El grupo, entusiasmado con la posibilidad de acceder al mercado del disco, graba una serie de demos que se conocerán como “The Purple Tape”.
Poco después, Ivo Watts-Russell, un inquieto empresario y productor, melómano de gusto exquisito, como se aprecia en su proyecto This Mortal Coil, en donde versiona a gente como Gene Clark, Tim Buckley, Alex Chilton o Chris Bell, se pone en contacto con la banda para firmarles un contrato con su compañía 4 AD Records.

En el sello británico aparece “Come on Pilgrim” (1987), un palpitante EP grabado en el estudio Fort Apache y producido por Gary Smith que contenía cortes como “Caribou”, “Levitate me” o “Isla de encanta”. En el disco, Francis utiliza palabras (más bien palabros) en español, no en vano estudió español durante un tiempo en Puerto Rico.
“Come on Pilgrim” sería el preludio de su primer Lp, “Surfer Rosa” (1988), un revolucionario, áspero y melódico disco producido por Steve Albini en el cual Los Pixies, bebiendo de fuentes de inspiración como Iggy Pop, Velvet Underground o B-52’S, pavimentaban el camino para posteriores formaciones hacedoras de noise-pop, punk-pop y rock alternativo.

Temas como “Bone Machine”, “Broken Face”, “Break my body”, “Gigantic” (compuesta y cantada por Kim Deal, acreditada como Mrs. John Murphy), “River Euphrates”, “Where is my mind?” o “Brick is red” son cortes de estructuras singulares, de auténtico exceso, caos y disonancia sónica, poco asequibles en una primera escucha pero de considerable acrecentamiento con posteriores audiciones, que convierten al album en una experiencia fascinante.
Este trabajo fue recibido en Europa y, especialmente en Inglaterra, con máximo fervor. Por el contrario en los Estados Unidos solamente se disfrutaba en las universidades, convirtiéndose en un éxito en el ambiente alternativo.

Esta repercusión llegó hasta los oídos de Elektra, compañía en la cual grabaron su obra maestra y uno de los Lps más importantes de todos los tiempos, “Doolittle” (1989). Pocos discos en la historia alcanza la perfección como éste, conservan la aridez, la catarsis y el nonsense de “Surfer Rosa” pero mejoran los temas en el trato melódico, conformando un trabajo mayúsculo, al alcance de muy pocos.
Producido por Gil Norton, el disco (número 8 en el Reino Unido y 98 en el Billboard) desarrolla quince piezas vociferadas con abrasiva y ansiosa factura por Black Francis, acompañado en ocasiones por la suave y sensual facultad vocal de la talentosa bajista Kim Deal y siempre escoltado por un sugerente, retumbante e intenso sonido, subyugado por la sinuosa guitarra del magnífico Joey Santiago, por posesos ritmos llenos de fascinación y por una atractiva e impactante capacidad creativa en sus estructuras melódicas.

Sus enormes piezas, desde las comerciales y asequibles “Monkey gone to heaven” (número 5 en los EEUU), “La la love you” (vitalizante pop-surf cantado por el batería/crooner David Lovering), “Gouge away” o “Here comes your man” (número 3 en el Billboard) hasta las ásperas “Debaser”, “Dead”, “Tame” o “Crackity Jones” (la frenética historia de un tal Jose Jones que tiene un amigo llamado Paco Picopiedra) merecen ser degustadas al completo, revelando sus sugestivos y eclécticos ángulos sónicos escucha tras escucha. Sensacional e imprescindible.
Este triunfo en estudio, corroborado por sus excitantes actuaciones en vivo se vio menoscabado por las tensiones crecientes entre Francis y Deal, ya que ésta deseaba mayor protagonismo compositivo en las grabaciones del grupo.

Kim retomó una banda que había formado con su hermana gemela Kelley, The Breeders, junto a la componente de Throwing Muses, Tanya Donnely. Publicarían en 1990 “Pod” (1990).
El mismo año, los Pixies retornarían al mundo del disco con “Bossanova” (1990), un álbum (número 3 en el Reino Unido y 70 en los Estados Unidos), infravalorado, sensacional, más pop-surf y con una lírica enfocada hacia la ciencia-ficción, uno de los temas favoritos de Francis, que se inicia con el instrumental “Cecilia Anne”, una versión del grupo surf 60’s The Surftones.
Los demás cortes fueron todos escritos por Black, aunando piezas de bravío punk-rock como “Rock Music” y excelentes canciones pop-rock de elevado sentido melódico como “Velouria”, “All over the world”, “Allison” o “Is She Weird”.

“Trompe Le Monde” (1991) fue el tercer disco de los Pixies producido por Norton. Aquí tienden hacia posturas más rockeras con satisfactorios resultados, aunque las guitarras de Santiago y Francis, sin decaer en su pujante empuje, pierden la singularidad de sus inicios para ofertar sonidos más convencionales, dentro de su original concepción compositiva, tomando en esta ocasión como principales referencias los Ramones y la Velvet Underground.
Los mejores temas del disco, en el cual incluyen una versión del “Head on” de Jesús & Mary Chain, son “Planet of Sound”, “Motorway to Roswell” (en donde en algunos pasajes parece cantar el mismísimo Lou Reed), “Alec Eiffel”, “The Navajo Know” o “U-Mass”, tema con un memorable riff que rememora sus tiempos universitarios.

Las malas relaciones entre Kim Deal y Black Francis terminaron rompiendo el grupo. Francis se rebautizaría como Frank Black y daría inicio a su carrera en solitario, comenzada con su disco homónimo, “Frank Black” (1993), en donde versionaba a los Beach Boys con “Hang on to your ego”. Posteriormente llegarían trabajos como “Teenage of the year” (1994), “The Cult of Ray” (1996), y sus diversas publicaciones con The Catholics.
Por su parte, Kim Deal proseguiría su trayectoria con The Breeders, y Joey Santiago y David Lovering formaron The Martinis, banda en la cual también se encontraba la futura esposa de Santiago, Linda Mallari.
Tras más de diez años de ruptura, la legendaria y esencial formación Pixies, se volvería a reunir en el año 2004 para actuar en directo.

Frank Black editó un nuevo disco en solitario, grabado antes de la reunión de los Pixies, el 18 de julio del año 2005.
Su título es “Honeycomb” (2005) y en él han colaborado gente como Steve Cropper, Buddy Miller, David Hood o Spooner Oldham.
Los Pixies, por otra parte, volvieron a reunirse para girar en el 2005 por los Estados Unidos.

En el año 2007, acreditado ahora como Black Francis, Frank Black publicó “Bluefinger” (2007), un disco en el que homenajeaba la figura de Herman Brood, el miembro de la banda de los 60 Cuby & The Blizzards.

En el año 2009 apareció “Petits Fours”, el primer disco de Grand Duchy, dúo formado por Frank Black con su mujer Violet Clark.

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Linkin Park se inicio en la Ciudad de los Ángeles, al sur de California (EEUU).
La banda se formó en 1996 por Mike Shinoda, Brad Delson, Rob Bourdon, Joe Hann y Phoenix, al principio con el nombre de Hybrid Theory. Mas tarde Phoenix abandonó la banda y se fue de gira con otro grupo llamado Snax, y con su salida se unió el vocalista Chester Bennington.
Después de un tiempo cambiaron el nombre de la banda por el de Linkin Park. Este nuevo nombre se debía a una variación de Lincoln Park, que fue cambiado por problemas legales.
Así todo estaba preparado para empezar, y en su primera actuación en un club de los Ángeles impactaron al público. Y rápidamente obtuvieron un contrato discográfico con el sello de Warner Brothers Records, en la que Don Gilmore produjo su primer álbum.
Linkin Park edita su álbum presentación Hybrid Theory a finales de 2000, realizando sus primeras actuaciones como teloneros en los conciertos de grupos como Deftones, Roots, Aphex Twin y Nine Inch Nails. Para la grabación del disco contaron con la colaboración de los Dust Brothers y del productor Don Gilmore (Pearl Jam, Eve 6, Tracy Bonham). El grupo con este primer disco ha conseguido sentarse a la derecha de Deftones y a la izquierda de KoRn, ganando el aprecio de los críticos y vendiendo un millón de copias en pocos meses.
A fines de marzo apareció su nuevo disco, Meteora. Somewhere I Belong es el primer tema que se lanza al mercado de Meteora, un álbum muy esperado que es la continuación del multi-platino Hybrid Theory. La salida del disco coincidirá con una breve gira por Europa, luego de la cual Linkin Park regresará a Estados Unidos para iniciar el Projeckt Revolution Tour 2003.
En la producción de Meteora estuvieron el rapero de la banda, Mike Shinoda, y el ingeniero Don Gilmore, quien ya trabajó en el multimillonario Hybrid Theory. Ambos han adelantado que la dirección musical de este álbum es más pesada, sin que esto haya significado sacrificar el filo melódico de Linkin Park cuyo nombre proviene a honor del parke Linkom.
El 30 de noviembre de 2004 editan “Collision Course”, un CD + DVD en el que se mezcla la música de Linkin Park con las letras de una de las mayores estrellas del hip-hop, Jay-Z. El disco incluye los mayores éxitos de ambos artistas, que han sido grabados de nuevo combinando música y letras en 7 canciones “nuevas”.
En mayo de 2007 lanzan su siguiente disco con el titulo “Minutes to Midnight”, mientras que tres años más tarde sale a la venta “A thousand suns”, con 15 nuevas canciones. El disco contiene sonidos sonidos evolucionados y experimentales, acercándose más a lo electro, con mucho uso de sintetizadores, y que dio opiniones divididas entre sus fans.
“No importa cómo sonemos; si está hecho por nosotros es puro Linkin Park”, dijo la banda a propósito de este CD.

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Una de las formaciones mas enérgicas dentro del subgénero que se ha creado al fusionar el metal con el hip hop, subgénero llamado rapcore. Limp Bizkit se formó en Florida en 1994 de la mano del vocalista y lider de la banda Fred Durst y su amigo y bajista Sam Rivers. El primo de Rivers, John Otto, pronto se une llevando el peso de las baquetas, y el guitarrista Wes Borland completó la formación original de cuatro personas (luego fue aumentada con la entrada de DJ Lethal).
Tras tocar Korn en Jacksonville en 1995, el bajista, Fieldy, se hace unos tatuajes en la tienda de Durst, dando comienzo suamistad. La siguiente vez que Korn pasa por Jacksonville, recogen la maqueta de Limp Bizkit y fue tal la impresión que les causó que deciden dejársela a su productor, Ross Robinson.
Gracias en gran parte a la publicidad viral, de boca en boca, la banda fue escogida para girar con House of Pain y Deftones. Los contratos con discográficas llegaron al poco, y después de firmar con Flip/Interscope, Limp Bizkit edita su álbum de presentación “Three Dollar Bill Y’All”.
A mediados de 1998, Limp Bizkit había llegado a ser uno del más importantes grupos del rapcore underground, ayudado también por los diferentes tours al lado de Faith No More y Primus, así como por una aparición en un show de la MTV.
El anticipo del segundo álbum de Limp Bizkit, “Significant Other”, salió a la luz en junio de 1999. Era un video titulado “Nookie” que les convirtió en superestrellas. “Significant Other” debutó en el número uno y había vendido alrededor de cuatro millones de copias para finales de ese año, lo que ayudó también a que “Three Dollar Bill Y’All” conquistara el platino. Fred Durst, mientras tanto, consigue el puesto de vicepresidente senior en Interscope Records a principios de julio.
Sin embargo, en medio de este éxito masivo, para aumentar la polémica ya existente respecto a las letras de los Bizkit, en su actuación en Woodstock ’99, se producen una serie de disturbios y asaltos sexuales que resultaron ser el legado desgraciado de la fiesta. Durst fue duramente criticado por incitar este tipo de actos por medio de su música.
Aunque la actuación de Limp Bizkit aconteció un día antes de los disturbios, la mala fama con la que acabo la fiesta, les colgó el San Benito de culpables, “ya que habían hecho saltar la chispa que inflamó una atmósfera potencialmente volátil”.
Impávidos ante tales declaraciones, Limp Bizkit continua con su Family Values Tour, en el que Durst vuelve a ser el centro de la polémica y sale en los titulares de cientos de revistas y periódicos, debido a desplantes. Durante el polémico caso Napster del 2000, Durst se posiciona como uno de los artistas más abiertos ante el programa de intercambio de ficheros, defendiendo la legitimidad de este tipo de software; ese mismo verano, embarca a todo Limp Bizkit en un viaje patrocinado por Napster y en donde actúan junto a Cipréss Hill. Todo este prepara el camino para la edición en octubre del tercer disco de la banda , “Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water”.
¿Porque un título tan raro? Smashing Pumpkins inventó una fórmula cuando les tacharon de trágicos románticos, y Limp Bizkit repite esa fórmula cuando les llamaron jóvenes vulgares. ¿Que cual es esa fórmula? Lanzar un disco con un título desafiantemente vulgar. El significado escatológico de “Chocolate Starfish & the Hot Dog Flavored Water” (La Estrella de Mar de Chocolate & el Perrito Caliente Condimentado con Agua) salta a la vista de cualquiera que es totalmente infantil, pero tiene una finalidad más cercana a desorientar que a hacer chistes.
Para cierta parte de la población la música de Limp Bizkit era machista, incitaba a la violencia y les resultaba estúpida. Pero los ocho millones de discos de su segundo trabajo decían lo contrario. Con su tercer Lp los de Fred Durst mejoran su sonido metal, sus ritmos hip hop y los arreglos de los temas más tranquilos. Una colección de canciones que se convierten en los himnos del año 2001, en donde la palabra más repetida es “fuck”, donde se burlan del mismísimo Trent Reznor, el gurú del neometal y que contó con la colaboración de Scott Weiland y Eminem. Se mezclaron todos los ingredientes para convertir a Limp Bizkit en uno de los grupos más importantes del próximo milenio.
Pero su exito tuvo muchos altibajos y de los logros obtenidos con estos 3 primeros discos, se le sumaron varias decepciones como sus 2 discos siguientes:
En el 2003 lanzan “Results May Vary”, luego de unos años movidos en el seno de la banda donde ocurrieron hechos como la salida del guitarrista Wes Borland, eterna búsqueda de un sustituto, salidas de tono del cantante Fred Durst con vídeo porno incluido y otras cuestiones dignas de una novela, dieron como resultado un decepcionante álbum.
Lo mismo ocurrió con el siguiente “The Unquestionable Truth Part 1″, con apenas media de hora de música. Esta vez el nuevo trabajo de Limp Bizkit coincide con la vuelta a su seno del guitarrista Wes Borland, verdadero motor creativo del quinteto. Este disco salió al mercado sin que nadie se enterara, dando muy bajas ventas desde el comienzo producto de la ideología de Fred y su banda de ganarse a la gente con su musica y no con las promociones y el marketing.
En el 2005 editan Greatest Hitz, un compilado con sus mayores éxitos y 3 canciones inéditas: Lean on me, Why y un tema que mezcla Home Sweet Home de Motley Crue, y Bittersweet Symphony de The Verve.

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The Offspring dió sus primeros pasos cuando en 1984 unos amigos llamados Dexter Holland y Greg Kiegel, que tocaban en un pequeño grupo llamado ‘Manic Subcidal’, unieron sus carreras a la de un tal Noedles y un batería llamado Ron Welty. Entonces decidieron cambiar el nombre del grupo por el definitivo: The Offspring.
Los comienzos fueron difíciles. Como no tenían una discográfica que les respaldase, en 1987, para su primer sencillo, tuvieron que pagar de su bolsillo los gastos de la publicación y apenas llegaron a las mil copias.
Pero en 1989 la suerte cambió para ellos. Tras varios rechazos, la firma Nemesis, una pequeña discográfica especializada en grupos punk les aceptó la publicación de su primer álbum: ‘The Offspring’. Aunque no ganaron dinero, la publicación del disco les ayudó a darse a conocer e introducirse en la movida punk de California.
En 1992, a bordo de la Epitaph Records, editan su segundo disco, ‘Ignition’, con doce temas al más puro estilo punk.
En 1994 publican ‘Smash’, el disco independiente más vendido de todos los tiempos y el que les dio a conocer en todo el mundo. Junto a este éxito, vino también el de su video promocional del tema ‘Come out and Play’, que estuvo muchas semanas en las pantallas de la MTV. Del disco ‘Smash’ llegaron a venderse más de 8 millones de copias sólo en Estados Unidos.
En 1997 firmaron contrato con la Columbia Records que enfureció a sus fans, que consideraban que la banda se había vendido a una gran discográfica. Fruto de ese contrato fueron dos trabajos titulados ‘Ixnay on the Hombre’ y ‘Americana’, con el que renovaron éxitos en todo el mundo y que les valió una gira mundial que les llevó incluso a tocar en el concierto Woostock’99.
En noviembre del 2000 salió su disco ‘Conspiracy Of One’, y en el 2003 editan “Splitter”.
Dos años después elaboran una nueva produccion que incluye susgrandes éxitos y un tema inédito “Can’t repeat”. El lanzamiento de este álbum estuvo acompañado con un dvd titulado como: Complete music video collection, que incluye como novedad una versión acústica de dirty magic, además de entrevistas exclusivas de la banda.
Para el siguiente trabajo se tomaron varios años de silencio. Recien en 2008 editan “Rise and fall, Rage and grace”, con la producción del legendario Bob Rock (Metallica, The Cult). El resultado: 12 nuevas canciones creadas en el momento más creativo de la banda y que logran bordear un nuevo territorio manteniendo el espíritu de The Offspring.

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El grupo ‘The Cranberries’ nació en 1989, con la unión de cuatro jóvenes amigos: Noel Hogan, Mike Hoganm Fergal Lawler y Niall Quinn como cantante.
Un año después Dolores O’Riordan se covierte en la nueva cantante del grupo, Ese mismo año editan una maqueta con sus primeros temas, Sunday, Lingerm Chrome Paint y A Fast One. Ofrecen conciertos en pequeños locales y empiezan a ser escuchados.
En 1991 realizan varias giras por el Reino Unido y en 1992, después de cambiar de manager, editan su primer álbum, ‘ Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?’, que tiene poca acogida entre el público.
Al año siguiente el disco es publicado e Estados Unidos, donde es bien recibido. Ese mismo añ inician una gira por el Reino Unido como teloneros de Mike Oldfield. También realizan una gira por Estados Unidos, donde obtienen más éxito que los grupos a los que telonean.
A raiz de su éxito americano, el primer disco de ‘The Cranberries’ comienza a triunfar en el Reino Unido, llegando al primer puesto.
En octubre de 1994 se edita el segundo álbum del grupo, ‘No need to Argue’, que incluye grandes temas como ‘Zombie’ y ‘Ode to my Family’. El disco se convierte en un auténtico superventas.
Al año siguiente graban en Nueva York un disco acústico, ‘MTV Unplugged’. Realizan varias giras por Europa y América.
En 1996 editan el tercer disco, producido por ellos mismos: ‘ To The Faithful Departed’. Dolores se produce una grave lesión en una rodilla mientras esquía. Los médicos le aconsejan reposo. En ese período graba el tema principal de la película ‘La Sombra del Diablo’, mientras el grupo se toma un respiro.
En 1997 nace el primer hijo de Dolores y un año después editan un nuevo disco, ‘Bury The Hatchet’, que se convierte en un notable éxito de ventas, con temas como ‘Promises’ y ‘Animal Instinct’.

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En el año 1994, nace el sexteto alemán Rammstein, formado por 6 músicos de la zona de Berlín y Schwerin, procedentes de distintas bandas de música.
Richard, Paul, Christoph, Oliver y Till ya se conocían antes de crear Rammstein, ya que algunos eran de Schwerin y hacían música allí, y otros en Berlín al mismo tiempo. Till estaba en el rollo del punk, Paul también, Oli tocaba en un grupo folklórico de violines y Richard viene de Crossover. Eran 5y solo faltaba Flake, al cual le tuvieron que insistir porque no quería tocar en la banda debido a que no le gustaban mucho sus ideas, como grupo los veía un poco aburrido, pero ellos sabían que necesitaban un teclista. Así que al final le convencieron.
Tomaron su nombre de la ciudad de Ramstein, en cuya base aérea estadounidense sucedió un accidente durante un espectáculo aéreo. 3 Jets Italianos chocaron y uno de ellos cayo sobre la multitud, matando a 80 personas y quemando a otros cientos. Ese accidente recobró gran importancia debido que luego se establecio un nuevo reglamento para espectaculos aereos, en la cual se prohibe que los aviones se acerquen demasiado a la multitud para evitar accidentes. La cancion “Rammstein” del album “Herzeleid” fue dedicada a ese suceso y desde entonces la banda se volvio mas conocida.
Para transformar el nombre añadieron una “m”; de este modo surgió “Rammstein”; esta palabra puede verse como la composición de dos: “Ramm” y “Stein”. En Alemán “rammen” es un verbo que significa “golpear” (un golpeo estridente, metálico) y “Ramm” podría ser su sustantivación. Mientras, “Stein” significa “piedra”. Así pues, “Rammstein” se podría traducir al Castellano como “el golpeo estridente sobre una piedra”.
Los espectáculos de Rammstein se caracterizan por el frecuente uso que hacen de los efectos pirotécnicos, lo que los convierte en una experiencia audiovisual de gran impacto. Ellos mismos dicen: “Mientras otros grupos cantan, Rammstein arde”. Tal es así que Till Lindemann ha cantado canciones completamente cubierto en llamas. Aunque puedan parecer brutales, incluyen dosis de sentido del humor en sus letras. Rein, raus (Entrando, saliendo), es un ejemplo de la frivolidad predominante, al igual que Mein Teil (Mi Parte, Teil tambien puede significar pene en jergaalemana) lo es del humor negro y la psicosis humana, basada en la historia de Armin Meiwes, el caníbal de Roteburgo.
El 17 de agosto de 1995 lanzan su primer sencillo: Du Riechst so gut , una pequeña muestra de lo que sería “Herzeleid”, álbum debut que se grabó en los estudios Polaroid de Estocolmo en marzo del 95 y que contó con el productor sueco Jacob Hellner (también productor de Clawfinger) y Carl Michael Herlöffson, Herzeleid salió a la venta el 24 de septiembre del mismo año. Como segundo single sonaba Seemann, que duró en las listas alemanas nada más y nada menos que 24 semanas. En Mayo del 97 reciben el primer premio de Oro, por la venta de 250.000 copias de Herzeleid en Alemania y en agosto otro por superar las 450.000.
Su segunda placa “Sehnsucht” se estrena con el sencillo “Engel” y entra a las listas de popularidad directamente en el numero 12, llegando hasta el 3, más tarde sacarían Engel (Fan-edition) incluyendo temas inéditos (como Feuerränder y Wilder Wein, que son demos de un concierto en vivo del 94). Gracias a Engel, también recibieron un disco de oro al haber pasado las 250.000 copias en Alemania, meses más tarde, llegarían a las 450.000, recibiendo doble Oro y ganando también el Echo Award por el mejor vídeo.
En julio del 97, lanzan otro sencillo, Du Hast, que fue traducido al inglés, junto a Engel, por el éxito que tuvo Rammstein en los EEUU y ante la petición de su discográfica, pero esta experiencia no resultó nada positiva para el grupo, ya que no les gustó el resultado de las traducciones al afirmar que la letra perdía mucha fuerza al ser cantada en inglés, así que deciden no traducir más canciones, defendiendo así su lengua materna.
En agosto de 1998 dieron un concierto en el Festival Wülheide, en Berlín, ante más de 30.000 espectadores, que fue grabado para sacarlo a la venta en formato CD, VHS, KCT y DVD un año más tarde, bajo el título de Live Us Berlín.
En el 2001 vino “Mutter” su tercer disco que tuvo buena acogida por parte de sus fans. Su tour por América comenzó junto con Slipknot y Staind. Sus últimos conciertos de América fueron en México, aunque en el 2005 la banda tenía programada una gira por Latinoamérica, pero fue cancelada debido a que Till Lindemann se lesionó la rodilla y Christian “Flake” Lorenz contrajo paperas.
Despues de 3 años el 27 de septiembre del 2004 sale el 5º disco llamado Reise Reise este fue grabado entre España y Estocolmo con el equipo habitual de producción de Rammstein. Las sesiones españolas tuvieron lugar a comienzos de 2004 en el Estudio El Cortijo (Málaga). Los arreglos orquestales fueron registrados en Berlín.
En Mein Teil, el primer single que fue editado el 24 de Julio del 2004, el grupo describe a su peculiar manera un reciente episodio que conmocionó a toda Europa. La historia del caníbal de Rotemburgo que localizo a su víctima a través de la red y se la comió después con su consentimiento. En este cd, Rammstein ve su tema remezclado por artistas de la talla de Pet Shop Boys y Arthur Baker. Una nueva vuelta de tuerca a la retorcida maquinaria de Rammstein.
Si siguiente producción es lanzada en el 2005, “Rosenrot”. La banda ahonda en temas de amor con bastante éxito como “Rosenrot” y “Wo Bist Du”, ambas muy melódicas y pegadizas y con cierto aire melancólico y neoromántico, y aunque no dejan de lado su estilo arrollador en temas como Mann Gegen Mann y Zerstören, sorprenden con la descacharrante “Te Quiero Puta”, indecente incursión de Rammstein en el castellano con trompetas, sonido mariachi y coros casi reggaetonianos.
A fines de 2006 editan Voelkerball: Bildband, un pack 5.1 audiovisual de múltiple formato que incluye sus presentaciones en vivo, documentales, fotos, audios, etc.
Su sexto disco de estudio se titula “Liebe ist fur alle da” (algo así como “El amor es para todos”), cuenta con Pussy como primer sencillo, y un videoclip totalmente censurable ya que contiene imágenes de sexo explícito.
Este CD cuenta con 11 canciones mucho más duras en comparación con los últimos álbumes publicados por la banda, con una menor presencia de elementos electrónicos y mayor cabida a riffs duros, rápidos y uso de la batería.

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Nació el 30 de enero de 1951 en Chiswick, Londres. Cursó estudios de arte y formó parte de varios grupos tocando la batería, su primer grupo serio fue “Flaming Youth”, hasta que entró en Genesis, que puso un anuncio donde contactaron con el jóven de 20 años que se convertiría en su nuevo batería. Más tarde, cuando Peter Gabriel se retira del grupo, pasa a ser también vocalista. El primer trabajo de Genesis con Phil Collins fue ‘A Trick Of The Tail’.Sucarrera en solitario comienza con el álbum ‘Face Value’, que contenía
su primer gran hit In the air tonight, en el que mezcla temas de rock sinfónico. En sus discos posteriores se acerca a un rock mucho más comercial logrando varios superventas, entre ellos ‘But Seriously…’. También colabora en varias películas, como ‘Buster’ y en la película de Disney ‘Tarzán’, en el que interpreta el tema principal en varios idiomas.

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Peter Brian Gabriel nació el 13 de febrero de 1950 en Chobman, Surrey, Inglaterra. Es músico y productor discográfico.
Se hizo famoso como integrante de la banda de rock progresivo “Genesis” que fundo cuando era estudiante de la escuela secundaria Charterhouse, con sus compañeros Tony Banks, Anthony Phillips y Mike Rutherford.
Luego de lanzar el séptimo disco de esta banda llamado “The Lamb Lies Down on Broadway”, Peter Gabriel decidió abandonar el grupo por diferencias artísticas y personales, siendo el único miembro de la banda con familia; no hubo ruptura personal y las buenas relaciones con sus antiguos compañeros permitieron la colaboración de varios de ellos a lo largo de su exitosa carrera solista.
Su primer éxito luego de “Genesis” fue el sencillo “Solsbury Hill” (1977), una canción autobiográfica en la que expresa sus sentimientos al dejar la agrupación.
A fines del ’77 sale a la venta el segundo disco, que era más enérgico y denso que el anterior, fue grabado en Nueva York y en holanda, mientras que en 1980 apareció su tercer álbum que estuvo en el top 20 y contiene temas como “Games Without Frontiers o Biko”.
Desde un comienzo, Peter se había negado a ponerle nombre a sus discos, Los tres primeros se llamaron “Peter Gabriel I; II, III”, respectivamente, y recién en el cuarto, por presión del sello distribuidor, el artista se ve obligado a titular sus obras.
Sus fans se han puesto de acuerdo para llamar a sus primeros tres discos como “Car”, “Scratch” y “Melt” respectivamente.
Su cuarto álbum lleva el título de “Security”, y aparece en el mercado en 1982. Supone un cambio de rumbo para Gabriel. Si desde que dejó Genesis, su dirección era la de acercarse al sonido pop y sencillo, en este cuarto trabajo rompe con todos los esquemas. Se trata de un disco experimental: el uso de sintetizadores estuvo en la vanguardia del pop y el juego de voces entre él y Peter Hammill es fantástico.
En 1983 aparece su directo “Peter Gabriel Plays Live”, y dos años mas tarde compuso la banda sonora de “Birdy”, película de Alan Parker. Poco a poco se fue aproximando a la música más comercial, lo que quedó rubricado con la entrada en un sello multinacional como es Virgin.
Si bien logro un aceptable éxito desde los comienzos de su carrera como solista, recién logro su gran despegue hacia la popularidad con el disco lanzado en 1986: “So”, que incluía temas como “Sledgehammer”, “Red rain” y “Big time” entre otros.
En 1989 compuso e interpreto su segunda banda sonora para cine, “Passion”, para La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese, una obra de altísimo nivel.
En la década de los 80, Peter Gabriel fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana, y también guiños a otras culturas. Sobresaliente en ello resulta su álbum “Passion”. De hecho, la figura de Peter Gabriel se encuentra estrechamente ligada a los festivales WOMAD, y su éxito con el álbum “So” le sirvió para fundar la discográfica “Real World” que ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares de la tierra.
En 1994 el doble CD en directo “Secret World Live” bajo su sello Real World es una muestra de cómo hacer pop de calidad. También participa en una de las mejores bandas sonoras de la historia, la de la película “Philadelphia”, aportando el tema “Lovetown”.
En 1999, Gabriel fue invitado a componer y ser el director musical para el espectáculo de la Cúpula del Milenio en Londres. Su obra fue editada en un álbum en 2000 con el nombre “Ovo”.
“Us”, su siguiente disco, que fue editado en 2002, fue un reflejo de la situación personal del cantante (divorcio, relaciones fallidas) y obtuvo éxito con “Steam”.
Peter Gabriel es uno de los fundadores de “On Demand Distribution” (OD2) y co-fundador con Brian Eno de MUDDA (Magnificent Union Of Digitally Downloading Artists).
Más allá de tener la mera condición de músico, Peter Gabriel ha estado comprometido a lo largo de casi toda su carrera con los problemas sociales más variados, tales como la discriminación en Sudáfrica, haciendo oír su voz a menudo en los foros internacionales. También colabora con elmovimiento que pretende el reconocimiento de los derechos a los simios.
En 2003, es el momento para un álbum recopilatorio, “Hit”, un disco doble donde repasa algunos de los mejores temas de su discografía. El recopilatorio contiene el inédito “Burn you up, burn yo down”.
Colaboró en el año 2004 con el tema central del juego Myst IV: Revelation, con “Curtains”, cara B del single “Big Time” procedente del álbum “So”.
En el año 2008 participa con la canción “Down to Earth” de la banda sonora de la película Wall-E, y en ese mismo año participó en la grabación del disco “Big Blue Ball” en donde también estuvieron otros interpretes como Sinead O’Connor, Karl Wallinger (de World Party), Natacha Atlas y Papa Wemba. Gabriel es la voz principal en varias pistas del disco. Una mezcla de músicos occidentales, africanos y asiáticos están también incluidos.
Peter Gabriel tiene tres hijos Melanie, Anna, y Ralph Isaac. Melanie fue cantante de apoyo en el tour Growing Up, e inició una carrera solista. Anna realizó la película “Growing up on tour: a family portrait”.
Su siguiente proyecto se lanza al mercado en febrero de 2010 bajo el título de “Scratch my back”. Se trata de un disco de covers integrado por temas como Spirit de Radiohead, Apres Moi de Regina Spektor, Heroes de David Bowie y Flume de Bon Iver, entre otros. Los temas son interpretados sin batería, guitarras eléctricas o sintetizadores. Se utilizan solamente instrumentos acústicos.

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Madonna, cuyo nombre completo es Madonna Louis Veronica Fortin, nació en 1958 en Bay City Michigan, Detroit, en Estados Unidos, de padre italiano y madre canadiense.
Cuando contaba seis años, su madre murió de cáncer, a los treinta, y este hecho marcó su vida.
Siendo aún niña, comenzó a dar clases de baile, gracias a las cuales obtuvo una beca para la Universidad de Michigan. Posteriormente se fue a Nueva York a ampliar sus estudios de arte, a la vez que trabajaba en lo que salía.
Trabajó como modelo fotográfica y poco después crea un grupo con un amigo: ‘The Breakfast Club’, en el que Madonna toca la guitarra y la batería.
Tras tocar en varios grupos y cambiar continuamente de representante, edita su primer sencillo, ‘Everybody’ en 1983, con el que inicia su camino a la fama.
Su primer álbum, ‘Madonna’, fue compuesto en su mayoría por la propia Madonna.
Un año después publicó el segundo disco, ‘Like a virgin’, con el que consigue auparse en los primeros lugares de las listas de éxitos. También realiza su primera gira.
En 1985 protagoniza la película ‘Buscando a Susan desesperadamente’. En 1985 se casa con Sean Penn, un joven actor de la nueva generación.
Su tercer disco, ‘True Blue’ se publica en 1986 y provoca muchas discusiones, aunque es un auténtico éxito de ventas.
Junto a Sean Penn protagoniza una nueva película, ‘Shangai Surprise’, que resultó ser un sonado fracaso.
En 1988 edita ‘Who’s that girl’ y a continuación ‘You can dance’. Inicia una nueva gira con gran éxito.
En 1989 se separa de Sean Penn y publica ‘Like a prayer’, el mejor de su carrera, con el que batió todos los records de ventas. Debido a los temas del disco y los videos tuvo varias discusiones con la iglesia.
También trabajó en Broadway con una obra de teatro titulada ‘Speed the Plow’, con notable éxito.
En 1990 protagoniza la película ‘Dick Tracy’, junto a Warren Beatty, con quien tuvo un romance. También publica la banda sonora de ‘Dick Tracy’.
En 1992 publica ‘Erotica’ y en 1994 ‘Bedtime Stories’, con el que da un giro a su carrera, además de lograr un gran éxito de ventas.
En 1996 protagoniza ‘Evita’, junto a Antonio Banderas, con la que logra el Globo de Oro a la mejor actriz. Edita el disco con la banda sonora de la película y en octubre del mismo año nace su hija Lourdes María Ciccone, fruto de su relación con el cubano Carlos Leon.
En 1998 publica un nuevo trabajo, ‘Ray of Light’ y en el 2000 ‘Music’, un disco lleno de sonidos electrónicos. Tras el nacimiento de su segundo hijo, a finales del 2001 publica ‘GHV2′, lo que configura su segundo recopilatorio, con 15 de sus mejores temas entre 1991 y 2001, entre lo que destaca ‘Erotica’, ‘Secret’, ‘Ray Of Light’ o ‘Music’.
Su noveno disco de estudio “American Life”, salió al mercado en abril del 2003 con canciones como “Die another day”, de la película James Bond, “Love Profusión”, y “Hollywood”. En esta producción critica fuertemente a la sociedad norteamericana, al consumismo, la guerra y la superficialidad.
En el año 2005 mientras celebraba su cumpleaños numero 47, sufrió un accidente mientras montaba a caballo, fracturandose 3 costillas, un hueso de la mano y la clavícula. Pero eso no evito que lanzara una nueva producción titulada “Confessions on a dance floor”, un álbum compuesto por doce temas de musica dance.
El 16 de octubre de 2007, Madonna y la compañía productora y promotora de conciertos “Live Nation Inc.” anunciaron un acuerdo que suponía el final para la larga colaboración entre ella y Warner Bros. La nueva empresa promotora de conciertos le pagaría 86 millones de euros por 10 años de contrato.
Su siguiente disco se lanzo en abril de 2008 y fue producido entre Pharrell Williams, Timbaland y Justin Timberlake. “Hard Candy” es el título, un disco que es una mezcla habitual de Pop, Dance, R&B Electrónica y algunas baladas.
El 11 de marzo de 2008, Madonna ingresa en el Museo del Rock de EUA por su carrera de 25 años (condición marcada para acceder al mismo).
En noviembre de 2008, la cantante y el director de cine británico Guy Ritchie se divorciaron, después de casi ocho años de matrimonio.
En septiembre de 2009 edita “Celebration”, un lanzamiento que sirve para cumplir contrato con Warner y desvincularse de esa discográfica.
El disco es un nuevo grandes éxitos mas dos nuevas canciones: “Revolver”, una colaboración con Lil Wayne, y “Celebration”, primer sencillo del proyecto Co-producido junto a Paul Oakenfold.

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La formación de INXS inicio con los hermanos Farriss. Michael Hutchence (vocalista) y Andrew Farris (teclados) se conocieron en la escuela secundaria cuando Andrew separó a Michael de una pelea en la que estaba involucrado. Inmediatamente se hicieron amigos y se dieron cuenta de que estaban interesado en una sóla cosa, la música.
Por esos años decidieron formar una banda junto al bajista Garry Gary Brees, “The Farris Brothers”. Paralelo a la formación de la banda, el hermano de Andrew, el guitarrista Tim Farriss, tocaba en distintas bandas junto a Kirk Pengilly. Fue en 1977 que por cosas de la vida, los dos grupos se unieron. Un par de años después, cuando el baterista concluyó el colegio secundario, la banda se trasladó a Sydney donde se cambiaron el nombre a INXS. Y en el año 1979, empezaron a tocar en pubs. En menos de un año, el grupo obtuvo su primer contrato de grabación en Australia, y después de un duro trabajo de más de 250 conciertos por toda la geografía australiana, en 1980 consiguieron un éxito en listas australianas con la canción “Just Keep Walking”, de su primer album “INXS”.
Su segundo álbum “Underneath The Colours” sirvió a la banda para que pudieran firmar contrato con la compañía discográfica WEA, de esta manera pudieron salir del circuito australiano y neozelandés donde hasta entonces se movían gracias a su nutrida legión de fans.
Sus grandes logros en Europa no llegaron hasta finales de ése mismo año, fue con la publicación de “Shabooh Shoobah”.
Con el sencillo “Original Sin” de principios de 1985 y el subsiguiente álbum, The Swing, la banda al fin tocó techo en las listas australianas.
El álbum y el sencillo generaron curiosidad por el grupo en los EE.UU, Europa y América del Sur, con lo que el siguiente álbum, Listen Like Thieves, consolidó su éxito en todo el mundo, excepto en el Reino Unido donde tuvo muchas críticas, aunque no pasó mucho tiempo hasta que las ventas les hiciesen despegar allí también.
En 1986, Hutchence hizo su primera aparición en el cine con Dogs in Space. La canción de la película, “Rooms For The Memory”, le hizo conquistar el Top 10 en Australia con un sencillo en solitario.
En 1987 les llegó un éxito inesperado. El álbum “Kick” contenía canciones como “New sensation” y “Need you tonight”, temas que no tardaron en arrasar las emisoras de radio y, por consiguiente, llegar a lo más alto de las listas de todo el mundo. Precisamente “Need You Tonight” fue la canción que erigió a los australianos hasta el primer número uno que consiguieron en Estados Unidos. Esa composición fue la gran culpable, entre otros temas (“Devil Inside”, “Mistify”, “Never Tear Us Apart”), de que “Kick” vendiera más de 8 millones de discos en todo el mundo. En Gran Bretaña, por ejemplo, ese álbum, permaneció 103 semanas consecutivas dentro delTop 100.
El éxito del grupo pudo ser debido a diversos factores, como una formación inalterada desde los comienzos, el seducción y el atractivo del vocalista Hutchence, la abundante agenda de giras, ser varios compositores en el grupo y al hecho de realizar una nueva producción con diferentes productores en cada álbum.
Hacia finales de la década de los 80, el grupo había evolucionado hacia un estilo groove más fino y sofisticado, transformando sus influencias de dance, hard-rock y new wave. Esta evolución fue muy acertada, ya que esto convirtió a la banda en superestrellas internacionales que ganaban cifras multimillonarias.
Pero como cada década trae sus propias tendencias, INXS vio cómo a principios de los 90 su carrera decaia musicalmente, puesto que siendo una banda de pop-funk, tenían a una generación que era cautivada por el rock alternativo que imperaba en aquel entonces. Entre Kick y la publicación de X, los miembros al completo se tomaron un año sabático y se implicaron en otros proyectos: Hutchence con Max Q, Andrew Farriss en la producción junto a Jenny Morris, y Garry Beers se unió a un grupo circunstancial de amigos en una gira y grabaron bajo el nombre de Absent Friends.
El álbum que le siguió a Kick fue lanzado en el año de 1990, con el nombre de “X, a pesar de las críticas negativas y de que el álbum no vendió tantas placas como lo había hecho su predecesor, tuvo varios hits, como Bitter Tears y Disappear; incluso el primer corte, Suicide Blonde, llegó al Top Ten de los Estados Unidos. Por ese año, la carrera de INXS se vio considerablemente perjudicada por el bajo rating que tuvo X. Pero a pesar de que el grupo todavía tenía una imagen bastante popular en la gira de presentación del disco, durante el tour de 1991 se grabó en vivo su próximo album, el cual llegó titularse Live Baby Live. El disco es resultado del concierto que los INXS ofrecieron en el estadio de Wembley en julio de 1991. El fugaz y más que publicado romance entre Hutchence y Kylie Minogue atrajo la atención sobre el nombre del grupo a toda una nueva generación de seguidores potenciales, pero igualmente INXS ya no recibía el mismo reconocimiento que bandas como U2 y R.E.M., pero eso no era de mucha importancia para Michael Hutchence, puesto que él seguía con su extravagante estilo de vida de estrella de rock.
En 1992 apareció “Welcome to Wherever you are”, un trabajo en el que se notaba que su sonido se iba endureciendo, las influencias del grunge de Seattle se notaron “Heaven Sent” que fue la carta de presentación de ese álbum. También fueron single: “Taste It” y “Baby don’t Cry”. Ese disco se convirtió en uno de los más vendidos del año.
Su entrega de 1993, Full Moon, Dirty Hearts, incluía el dueto Hutchence/Chrissie Hynde ( Pretenders ) en “Kill The Pain”, y el sencillo “The Gift”. El video de este último fue prohibido por quien fuera su mayor aliado, la MTV, por causa del uso de secuencias de la guerra del Golfo y del Holocausto judío.
A finales de 1994 sacaron su primer recopilatorio “The Greatest Hits” que incluía 17 temas, dos de ellos inéditos: “The Strangest Party (These Are the Times) “, que fue el primer sencillo, y “Deliver Me”, además de las grandes canciones de su carrera como “Need You Tonight”, “New Sensation”, “Original Sin”, “Suicide Blonde” y “What You Need”, entre otras. Además, el disco tuvo también una edión limitada en la que incluyó un CD2 con rarezas y remezclas de algunos temas.
En 1995 Hutchence compuso una canción en solitario para la banda sonora de “Batman Forever”, un tema que quedó eclipsado por el espectacular éxito del sencillo de U2, también incluido dentro de la película. En 1997 volvieron a estar de actualidad y editaron “Elegantly Wasted”, el que desgraciadamente se convirtió en el último trabajo de Hutchence. La presentación mundial de dicho álbum tuvo lugar en el mes de abril en Bruselas (Bélgica), donde ofrecieron una rueda de prensa y posteriormente un concierto exclusivo para los medios de comunicación que se desplazaron a la capital europea.
Hutchence emprendió una relación ampliamente publicada con Paula Yates, siendo citado en el divorcio de ella y Bob Geldof. En los siguiente años, hasta su muerte en 1997, Hutchence y Geldof se estuvieron disputando la custodia de los hijos que éste tenía con Yates.
El 22 de noviembre de 1997, Michael Hutchence fue hallado muerto en la habitación de su hotel, días antes de la celebración del concierto que iba a conmemorar su veinte aniversario en la música. Desde entonces la banda se quedó sin uno de sus pilares más importantes.
A finaales de 1999 vio la luz el álbum póstumo y en solitario de Michael Hutchence en el que había estado trabajando tiempo antes de morir. En dicho disco participó su gran amigo Bono (U2), en uno de los temas (“Slide Away”).
A pesar de la muerte de Hutchence, INXS continuó como grupo reclutando a vocalistas temporales, entre ellos Terence Trent D’Arby, Suze DeMarchi y Jimmy Barnes, pero fue en el 2002 cuando Jon Stevens fue nombrado el vocalista oficial de INXS al estar con la banda desde 2000. Sin embargo, dejó el grupo en el 2003, llegando a grabar una sola canción llamada I Get Up.
INXS volvió a ser noticia en el 2004 cuando anunciaron que realizarían un reality show titulado Rock Star: INXS. El show se estrenó en la cadena de televisión CBS el 11 de julio de 2005. El 20 de septiembre J.D. Fortune (su nombre verdadero es Jason Dean Bennison) de Ontario, Canadá, ganó la competencia, convirtiéndose así en el nuevo vocalista de la banda. De esta manera INXS con su nuevo vocalista graba su nueva placa titulada “Switch”.
Fue disco de oro en 2005 en los charts australianos con más de 35.000 copias vendidas, llegando al puesto 18 en su semana de estreno. Las ventas totales del disco fueron en torno al millón de copias en todo el mundo.
La gira de presentación de esta placa aparentemente no terminó del todo bien. Según dijo Fortune, a él lo echaron de la banda un tiempo antes de terminarla, la cual se había cancelado antes de lo previsto. Eso declaro años después, pero en los Juegos Olímpicos de invierno en Vancouver, en 2009, se presentaron todos juntos. Lo cierto era que Fortune había caído fuertemente en las adicciones, y el resto de la banda le puso el ultimátum: hasta que no se recupere no volvería a formar parte de INXS.
Así fue que en 2010, superada su rehabilitación, la banda regresó con un nuevo CD en memoria de Michael Hutchence, en el cual reinterpretan sus clásicos con participaciones especiales.

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El grupo Duran Duran se formó en 1978, en la ciudad inglesa de Birmingham. Sus fundadores fueron Nick Rhodes (tecladista), John Taylor, Simon Colley (clarinetista) y Stephen Duffy (cantante y guitarrista). El nombre fue tomado de una película de ciencia ficción “Barbarella”, dirigida por Rogem Vadim y protagonizada por Jane Fonda.
En 1979, Colley y Duffy son sustituídos por el cantante Andy Wicket y el batería Roger Taylor. Además, gracias a un anuncio aparecido en prensa, eligen a Andy Taylor como nuevo guitarrista de la banda. Poco tiempo después, Wickett es sustituído por Simon Le Bon, con lo que completaba la formación definitiva de Duran Duran.
Su primer éxito fue “Planet Herat”, sencillo del álbum “Duran Duran”. Se ubico en los primeros lugares de Inglaterra durante varias semanas y se dice que vendió mas de 2.5 millones de discos. El grupo aparecía englobado en los nuevos románticos.
Durante el año 1981, realizan una gira por Estados Unidos y producen el video de la canción “Girls On Films”.
En 1982 editan su segundo álbum llamado “Río”. Las canciones “Hungry Like the Wolf”, “Save a Prayer” y “Rio” se encuentran entre las favoritas del público y logran altos indices de venta.
Al año siguiente, el tema “The Union Of The Snake” aparece como adelanto de lo que sería su tercer álbum “Seven and the raged tiger”, que se editaría en 1984. Con este disco, Duran Duran comenzó una gira mundial que le sirvió al grupo para editar un álbum en vivo llamado “Arena”.
En 1984, aparece en el mercado The Reflex. Al estar consolidados en los mercados de los cinco continentes la revista Rolling Stone los elige para su portada. Además, ganan dos premios Grammy.
Durante el año 1985 realiza el tema de la película de James Bond “Panorama para matar” llamado “A wiew to a kill”.
Un año más tarde Roger y Andy abandonan el grupo con lo que la banda queda conformada como un trío. Y así lanzan al mercado un nuevo disco “Notorius”, cuyo sencillo del mismo nombre fue una de las composiciones mas importantes.
En el año 1988 se unen el guitarrista Warren Cuccurullo y el baterista Sterling Campbell. Ese mismo año publican “Big Thing” que logra el disco de oro. Se destacan los temas “I don’t want your love” y “All she wants is”.
Un año después, en 1989, editan un recopilatorio titulado “Decada” y aparecen en la banda sonora de la cinta Tequila Sunrise.
Tras varios años alejados del panorama musical, en 1993 publican el sencillo “Ordinary world” con él que vuelven a lo alto de las listas de éxitos y los prepara para lanzar “The Wedding Album”, disco que tiene la colaboración del brasileño Milton Nacimiento.
En 1994 graban un álbum totalmente acústico que presentan en la cadena MTV, y al año siguiente publican un álbum de covers titulado “Thank You”, donde reflejan sus mayores influencias musicales y se incluyen temas de Bob Dylan y The Doors entre otros.
En 1997 aparece el tema “Out of my mind”, que sería el tema principal de la banda sonora de la película “El Santo”, con Val Kilmer como protagonista.
Los integrantes de este grupo siempre han tenido la oportunidad de alejarse un tiempo para realizar sus producciones en solitario o para colaborar con otros artistas. Entre las colaboraciones más conocidas se encuentra el dúo que hizo Simon LeBon con Luciano Pavarotti en el disco Pavarotti and Friends, y el tema que compuso John Taylor para la película Nueve semanas y media.
En 1997 publican “Medazzaland”, y con el nombre de “Greatest Hits”, aparece un recoplitario de sus grandes éxitos en el año 1998.
Al año siguiente, una cadena de televisión le organiza un homenaje en el que participan grandes estrellas del rock and roll a nivel mundial.
En el 2000 aparece “Pop Trash”, en el que se adentran en nuevos sonidos. En ese mismo año se comprueba quien la banda Duran Duran ha vendido a lo largo de su historia 60 millones de discos.
En 2004, la NASA anuncia que la canción “Is There Something I Should Know?” se utiliza como banda sonora de la misión de la sonda espacial Oportunidad, que explora la superficie de Marte.
En el año 2004 los cinco integrantes originales se unieron para celebrar el aniversario de la banda publicando un nuevo álbum bautizado “Astronaut”. Ese mismo año recibieron un premio Brit, que otorga la industria inglesa, por su contribución al mundo de la música. Y por si fuera poco la FIFA los invita para amenizar un evento de caridad, en el que se recordaría a las 100 figuras más importantes del fútbol.
“Red Carpet Massacre” es el siguiente álbum de Duran Duran, grabado a finales de 2006 y lanzado un año después. El álbum cuenta con colaboraciones del cantante estadounidense Justin Timberlake y de los productores Timbaland y Danjahandz.
En 2011 regresan con “All You Need is Now”, lanzado primeramente vía digital el 21 de diciembre, con 9 canciones, mientras que en marzo de 2011 se publicó en formato físico, con 3 canciones más.
El álbum fue producido por el reconocido Mark Ronson, con la participación especial de la cantante Ana Matronic, de Scissor Sisters, y los arreglos de cuerdas de Owen Pallett (Arcade Fire).

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Alanis Morissette nació el 1 de junio de 1974 en Ottawa, Canadá. De pequeña ya le gustaba el ballet y la música. A los once años lanzó su primer tema, ‘Fate Stay With Me’, y a los trece publicó su primer álbum, ‘Alanis’, en 1990, con una mezcla de sonido pop y dance, con el que tuvo un cierto éxito en su país y que le valió ser nominada como joven promesa del año.
En 1992 publicó su segundo disco, ‘Now Is The Time’, que no tuvo tanta acogida como el primero, aunque supuso un gran paso en su evolución artística, con temas más trabajados.
Hubo que esperar hasta 1995 para que se diera a conocer muldialmente con su tercer y exitoso álbum ‘Jagged Little Pill’, con el que consiguió varios discos de platino y algunos premios Grammy. En este disco se nota una gran madurez en sus composiciones, con letras más inteligentes y agresivas. Consiguió vender más de 30 millones de copias en todo el mundo.
En 1998 publicó su cuardo disco, ‘Supposed Former Infatuation Junkie’, en el que seguimos viendo evolucionar a Alanis, desde aquella niña que le gustaba cantar hasta esta de ahora a la que le gusta contar cosas.
En 1999 produce ella misma su disco ‘Unplugged’ realizado para la cadena televisiva de música MTV, lanzado mientras aún duraba su gira con el disco anterior. Ese mismo año participa en un disco a beneficio de los refugiados de la guerra de Kosovo que se llamaba ‘No boundaries’. También realiza una colaboración para el disco de música clásica ‘The prayer cycle’ y actúa en el mítico festival Woodstock. En el 2000 se vuelca más en su faceta de actriz y participa en los ‘Monólogos de la vagina’ y en un capítulo de la exitosa serie de televisión ‘Sexo en Nueva York’. Y al año siguiente recibe uno de los premios que más han ilusionado a la cantante: el Premio de las Naciones Unidas a la tolerancia por sus múltiples acciones a favor de la paz y por el entendimiento entre los pueblos.
En 2002 sale por fin su siguiente álbum con 11 canciones nuevas, ‘Underrug swept’, en el que Alanis decidió probar a realizar ella todo el trabajo sin ayuda de nadie para ver cómo sonaría. Y a finales del mismo año sacó ‘Feast on scraps’, edición especial con 9 temas nuevos (algunos de los que no se incluyeron en el anterior) y un DVD con 22 temas en directo de su gira europea.
En el 2002 “So-called chaos”, una suerte de manifiesto personal sobre su constitución síquica y espiritual, sin interés ya por analizar las relaciones con sus compañeros de turno. Sólo en apariencia, éste es un disco de amor.
Después de vender más de 40 millones de discos en todo el mundo, Alanis Morissette decide echar la vista atrás y recuperar todos sus grandes éxitos en ‘The Collection’, un álbum que incluye 18 temas, además de una versión de “Crazy” de Seal.
En el año 2002 Morissette comenzó su noviazgo más duradero con el actor Ryan Reynolds. En junio de 2004, Morissette y Reynolds anunciaron su compromiso, pero en febrero de 2007, luego de idas y venidas, la pareja rompió dicho compromiso. Esto implico un duro golpe para Alanis, pero le sirvió de inspiración para la grabación de su siguiente disco: Flavors of entanglement”.
Este álbum esta lejos de ser contestatario y rebelde como aquel debut de 1995. La artista demuestra una maduración lógica y a su vez pareciera encontrar en sus letras cierta catarsis ante un momento especial de su vida. El álbum explora sus luchas personales y las luchas más políticas del resto del mundo; las canciones son marcadamente mas serenas, íntimas, mezclando el rock y el pop.

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Joss Stone nació el 11 de abril de 1987 en Dover, Inglaterra. A la edad de ocho, se mudó a la villa de Ashill, en el condado de Devon; es la penúltima de cuatro hermanos. La primera canción que le hizo sentir algo fue “I Will Always Love You” deWhitney Houston, pero el primer disco que compró fue uno de éxitos de Aretha.
Su interés por el soul surgió en su casa, donde tuvo la oportunidad de acercarse desde pequeña a todo tipo de música. Sus padres escuchaban soul, rock, pop, por lo que esa variedad le permitió conocer los diferentes tipos de música e inclinarse hacia la que mas le gustaba, el soul.
En el 2002, Stone dejó su casa en Devon, Inglaterra para asistir a una audición en la ciudad de Nueva York. Stone impresionó al CEO Steve Greenberg de S-Curve con su interpretación del tema ´On the radio´ de Donna Summer, y consiguió su contrato. Betty Wright, pionera delR&B/soul, se unió a Stone para realizar su primera grabación, convirtiéndose instantáneamente en su mentor y amiga
A si corta edad, Joss Stone ya se ha convertido en toda una revelación de la música soul. Dueña de una voz que a nadie deja indiferente -siendo comparada incluso con la mítica Aretha Franklin-, esta joven inglesa ha sorprendido al mundo con su primer disco, llamado “The Soul Sessions”. En él, revive clásicas canciones soul de los años 70, junto con algunos temas más contemporáneos, como el primer single “Fell in love with a boy”, su versión para una composición original de The White Stripes.
Joss canta con una pasión única, además de un estilo personal. Es cuidadosa de no caer en lo aburrido y repetitivo, no trata de imitar a nadie, y explota al máximo sus herramientas musicales. Cuando Joss Stone canta, en verdad se escucha su voz, y no solamente sonidos trabajados.
Su segundo disco, “Mind, Body and Soul” marca ya, una nueva etapa en la carrera de Joss, es un disco con una mezcla más rica en cuanto a ritmos se refiere; “You Had Me”, “Don’t Cha Wanna Ride” son ejemplos de lo antes mencionado. “Killing Time” es una potente balada con la que Joss reafirma la importancia de este tipo de temas en su trabajo.
“Right to Be Wrong”, el tema que abre el disco y “Jet Lag”, fueron grabados en una sola toma, en tiempo real por Joss y su banda, cosa que a Joss le hubiera gustado hacer con todos los temas del disco, pero su apretada agenda de presentaciones no se lo permitió. Esto no impide que cuando se escucha el disco se perciba la honestidad de las grabaciones. No es un disco sobreproducido y las programaciones se trabajaron de manera discreta e inteligente.
En esta placa, Joss Stone no solo sorprende con su calidad interpretativa, sino que también despliega sus capacidades como compositora.
Su tercera placa se titula “Introducing Joss Stone”, y cuenta con la participación de la ex cantante de Fugees Lauryn Hill y del rapero Common.
Joss grabó el álbum en los estudios Compass Point de Bahamas, donde aprovechó para pasear por las paradisiacas playas del lugar con un cambio radical en su look, ahora luce morena.
Para su siguiente disco, tuvo muchos inconvenientes antes de su lanzamiento. “Colour me free” es el título de la placa que sufrió varios retrasos y demandas entre la artista y EMI.
Joss quiso liberarse por completo de las presiones de su disquera, por lo que grabó esta producción en secreto y por su cuenta, en el estudio que tiene a cargo su madre en Wellington, Inglaterra. Para eso se unió a los productores y compositores Jonathan Shorten y Conner Reeves.
El problema vino después, cuando aparecieron desacuerdos para editarlo; Joss pensó en romper el contrato que la une con la multinacional y hasta se mostró dispuesta a pagar para hacerlo. Por su parte, EMI la acusó de incumplimiento.
Finalmente hubo acuerdo y “Colour me free” salió a inicios de noviembre de 2009 por el mismo sello, pero EMI decidió que no invertirá ni un solo centavo para promocionarlo, por lo que todo el trabajo lo tuvo que hacer la artista por su cuenta.
El disco cuenta con 12 nuevas canciones de rock, soul, R&B, funky y otros géneros musicales. En la placa puede notarse la calidad vocal de Stone, trabajada con total libertad y acompañada de artistas como Jamie Hartman, Nas y David Sanborn.
En mayo de 2011, el líder de los Rolling Stones, Mick Jagger, anunciaba la creación de un nuevo grupo llamado Super Heavy, y cuya formación tenia en sus filas a Joss Stone, junto con Dave Stewart de Eurythmics, el hijo del rey de reggae, Damian Marley, y el compositor indio A. R. Rahman, de la banda sonora de Slumdog Millionaire.
Pocos días más tarde, Joss informa que en julio edita su nueva placa titulada “LP1″, la cual lanza de manera independiente a través de su propio sello, Stone’d Records. El disco fue coproducido y coescrito con Dave Stewart, compañero de banda en Super Heavy, y grabada en sólo 6 días en Nashville, Estados Unidos.

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Formados en plena era punk tras ver un concierto de los Sex Pistols (de los que eran grandes fans), Siouxsie & The Banshees estaban integrados por su líder y cantante Susan Dallion, alias Siouxsie Sioux (nacida el 27 de mayo de 1957 en Londres), el guitarrista Marco Perroni, el bajista Steve Severin y el batería John Simon Ritchie, alias Sid Vicious.

Poco después Vicious se unió a los Sex Pistols y Perroni a Adan & The Ants. Llegarían para sustituirles el guitarra John MacKay y el batería Kenny Morris.

Esta nueva formación (la cual iba casi siempre en sus comienzos vestidos de ropajes negras y con simbología nazi) inició su carrera en el sello Polydor con el sencillo exitoso “Honk Kong Garden” y su primer disco grande, “The Scream” (1978) producido por Steve Lillywhite.

Tras el segundo disco “Join Hands” (1979) que fue peor recibido se produjeron nuevas salidas e incorporaciones, los últimos en llegar se marcharon y entraron a la guitarra Robert Smith (The Cure) y el batería Budgie (posteriormente marido de Siuoxsie). Smith poco estaría en el grupo, ya que regresaría con éxito a su formación The Cure. Su reemplazo sería John McGeoch (ex- Magazine).

A partir de los 80 su música se inclinaría más hacia el pop redomado. “Kaleidoscope” (1980) sería el album que presentaría después de este vaivén de personajes.
Este disco fue un triunfo comercial moderado gracias al sencillo “Happy House”.

“Juju” (1981) y “Once upon a time/The Singles” (1981) fueron sus nuevas propuestas también bien recibidas por el público.
Por ese tiempo, Siouxie y Budgie iniciaron una carrera en paralelo con un nuevo proyecto, The Creatures y Robert Smith (siguiendo con The Cure) y Steve Severin formarían The Glove.

“A kiss in the Dreamhouse” (1982) fue el último trabajo en el que apareció McGeogh (volvió Smith brevemente). Tras la grabación de “A kiss in the dreamhouse” (1982), “Nocturne” (1983) y “Hyaena” (1984) entró en la formación un nuevo guitarra, John Carruthers, el cual participó en “Tinderbox” (1986) -con el 45 rpm “Cities in dust”.

“Through the looking glass” (1987) supuso el último disco en el que apareció Carruthers, sustituido por Jon Klein en “Peep Show” (1988) – con “Peek-a-Boo”- un disco muy de la época en el que aparecía también el teclista Martin McCarrick.

En los años 90 conseguirían sus mejores ventas con “Superstition” (1991). A continuación presentarían “The Rapture” (1995) peor recibido que el anterior. Siouxsie & The Banshees supone una de las primeras incursiones importantes de un personaje femenino dentro del movimiento punk aunque su desarrollo distó bastante de sus fieros comienzos.

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Banda estadounidense de pop y folk-rock, que establecían un sonido muy parecido al ofertado por los Lovin’ Spoonful.

Surgidos en la ciudad de Boston a mediados de los años 60, los Youngbloods estaban liderados por el bajista y cantante Jesse Colin Young, quien junto al guitarrista Jerry Corbit, el teclista Lowell Levinger (más conocido por Banana) y el batería Joey Bauer comenzaron su andadura por los clubes de la citada localidad de Massachussets y por el circuito folkie de Nueva York.

Anteriormente Jesse Colin Young (cuyo nombre real era el de Perry Miller) ya había probado fortuna en solitario grabando dos Lps, el segundo titulado precisamente “Youngbloods”, nombre que le valdría para bautiza a su nuevo proyecto.
El primer trabajo como grupo fue el sencillo “My Babe”, tema que pasaría totalmente desapercibido en las tiendas de discos. Con posterioridad dos estimables Lps producidos por Felix Pappalardi titulados “The Youngbloods” (1967) y “Earth Music” (1967) que contenían dos de sus temas más populares, el sencillo “Grizzly Bear” (número 52) y la canción compuesta por Dino Valenti “Get together”, anteriormente interpretada por Jefferson Airplane.

La adopción por parte de la comunidad hippie como himno de este último tema supuso que los Youngbloods cambiasen de residencia, trasladandose de costa a costa e instalandose en California, lugar en el cual publicarían “Elephant Mountain” (1968), su Lp más recordado junto a “The Youngbloods”.
Antes de cambiar Nueva York por San Francisco, el guitarrista Jerry Corbitt había abandonado la formación en plenas sesiones de grabación para iniciar una carrera en solitario. Aunque no tuvo tampoco demasiada aceptación comercial (número 118), el disco repleto de pop, folk y psicodelia se convirtió en uno de los más interesantes de su época, con grandes canciones como “Darkness, darkness”, “Smug”, “Beautiful” o “Sunlight”.
Aquí terminaría la mejor etapa de los Youngbloods, pues poco después con la incorporación del guitarrista Michael Kane y ya grabando en su propio sello discográfico llamado Raccoon no lograrían acercarse a su sonido más inspirado.

Varios de esos trabajos fueron mediocres discos en directo como “Rock Festival” (1970) o “Ride the wind” (1971).
En 1972 se separaron, prosiguiendo Young su andadura en solitario que le reportaria un notable respeto entre los aficionados al folk. Los tres restantes crearían la nueva formación Banana & The Bunch, que pasaría sin pena ni gloria tanto a nivel comercial como artístico.

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Yes fue una de la bandas más importantes de rock progresivo surgido en la Gran Bretaña de finales de los años 60. Su capacidad virtuosa y su temática con trazos mítico-místicos ayudaron a fundamentar varias de las bases del mejor sonido progresivo.
Estaban formados por el cantante y principal compositor Jon Anderson (ex-The Warriors) (nacido el 25 de octubre de 1944 en Lancashire) , el bajista y vocalista Chris Squire (ex- The Syn) (nacido el 4 de marzo de 1948 en Londres) -miembros fundadores-, el guitarrista Peter Banks (ex- The Syn) (nacido el 7 de julio de 1947 en Barnet), el batería Bill Bruford(ex-Savoy Brown) (nacido el 17 de 1948 en Londres) y el teclista Tony Kaye (ex- The Federals) (nacido el 11 de enero de 1946 en Leicester).

Comenzaron su andadura en 1968, año en el que actuaron de teloneros en la gira de despedida del mítico trío Cream. Sucesivas actuaciones en diferentes clubs británicos lograron que Atlantic se fijara en ellos para editarles sus primeras grabaciones.

Su primer trabajo para el sello fueron el sencillo “Sweetness” y el notable LP debut “Yes” (1969), disco homónimo en el que aparecía dos versiones, una de los Beatles (“Every little thing”) y otra de los Byrds (“I see you”).

Tras su primera piedra de toque, Yes sacó al mercado “Time and a Word” (1970), otro álbum meritorio que contenía de nuevo varias versiones, entre ellas una de Buffalo Springfield (“Everydays”).
Lo negativo de este trabajo es que su guitarrista Banks abandonó el conjunto siendo sustituido por Steve Howe (nacido el 8 de abril de 1947 en Londres).
Los primeros discos publicados en Atlantic fueron dos estupendos trabajos, al igual que “The Yes Album” (1971), un álbum con el que consiguieron gran resonancia comercial en el quelos músicos daban rienda suelta a sus exploraciones y virtuosismos instrumentales ofreciendo un conjunto prog-rock de muy diversas sonoridades.

Tras este soberbio trabajo, Tony Kaye siguió los pasos de Banks y se introdujo en el grupo que había formado el anterior guitarrista de Yes, un proyecto denominado Flash.
El reemplazo para Kaye fue el espectacular teclista Rick Wakeman (nacido el 18 de mayo de 1949 en Middlesex). “Fragile” (1972) con la portada de Roger Dean – y con el sencillo “Roundabout”- fue el extraordinario primer álbum en el que colaboró Wakeman, un disco asimismo con ventas millonarias.
Parecidos resultados comerciales consiguieron con “Close to the edge” (1972). Tras esta obra el que se largó fue el batería Bruford, quien fue sustituido por el ex-Plastic Ono Band, Alan White. Bruford por su parte se fue a los “rivales” King Crimson.

El sobresaliente y exitoso directo “Yessongs” (1973), fue el prólogo de su nuevo disco de estudio, “Tales from Topographic Oceans” (1974), otro mítico LP con enorme triunfo comercial que fue recibido con opiniones muy dispares entre su audiencia.
Después de este polémico disco y la gira consiguiente, Wakeman (la gran estrella de Yes por esa época) abandonó la banda para retornar tiempo después. Parecía difícil reemplazar a Wakeman pero el que lo intentó fue Patrick Moraz (ex- Refugee), teclista que aparece en “Relayer” (1975), un disco que siguió manteniéndose en altos puestos de ventas.

Recopilatorio, película y varios proyectos en solitario anticiparon la vuelta de Rick Wakeman para grabar “Going for the one” (1977), un gran trabajo menos progresivo que los anteriores que llegó al número 1 en Gran Bretaña.
“Tormato” (1978) descendió un poco el nivel en grado compositivo aunque continuó cosechando triunfos en el mercado mundial.

En los 80 de nuevo aventuras en solitario y de vuelta al disco con “Drama” (1980), un título en el que no estaban dos de sus grandes cabecillas, Jon Anderson y Rick Wakeman. Sus reemplazos respectivos fueron Trevor Horn y Geoff Downes. Los Yes de ahora poco tenían que ver con los Yes de su mejor etapa. Aunque el album funcionó bien en listas se echaba en falta a sus dos líderes. Otro directo titulado “Yesshows” (1981) supuso el punto final de la historia de Yes en una primera etapa.

Varios de sus miembros (incluido el primer teclista Tony Kaye) formaron Cinema junto a Trevor Rabin y al hijo pródigo Jon Anderson. Cinema se rebautizó de nuevo en Yes, nueva encarnación con la producción del ex-miembro oficial Trevor Horn. “90125” (1983) supuso el renacer del grupo practicando un rock comercial que les supuso un número uno en formato single, “Owner of a lonely heart”.

Disputas entre los componentes provocó una demora en su siguiente entrega, “Big Generator” (1987), seguida por “Anderson Bruford Wakeman y Howe” (un disco presentado con sus apellidos por problemas legales con otros miembros de Yes) y varios discos –como “Union” (1991)- recopilatorios y giras que siguen manteniendo a Yes como uno de los más valiosos ejemplos de un fenómeno musical iniciado en la parte final de los años 60 y conocido como rock progresivo.

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Grupo de sunshine pop con algún trazo surf surgido en la segunda mitad de la década de los años 60.

Su música, con estupendas melodías, inmaculadas armonías vocales y cuidadoso tacto en la producción y arreglos, es todo un regalo para amantes de los refinados sonidos 60’s provenientes de la Costa Oeste, estilo The Turtles, The Association o The Beach Boys.

El grupo nace cuando el compositor y productor Gary Zekley grabó en single su composición “Yellow Balloon”, pieza que había entregado anteriormente al dúo de surf Jan & Dean.
Este sensacional éxtasis vocal alcanzó el puesto número 25 en las listas estadounidenses, lo que provocó la urgencia de formar de un grupo que sustentara el tema en directo.

El primero en ser incorporado a la nueva banda, denominada con el mismo nombre del sencillo, The Yellow Balloon, fue la estrella de la serie de televisión “My three son”, Don Grady, un multiinstrumentista que tocaba la batería en un grupo de folk-rock denominado The Palace Guard.

Con posterioridad se reclutó al personal para terminar de configurar la formación. El cantante Alex Valdez y el guitarrista Paul Canella, provenientes ambos de la banda de pop Five of Us, junto al bajista Don Braught, componente de los Breakaways, y el teclista Frosty Green, ex miembro del grupo Rising Sons, fueron los elegidos para acompañar a Don Grady. También colaboraría en la grabación del disco el batería Daryl Dragon.

El segundo single de la banda, “Good Feelin’ Time” y el tercero, el espléndido “Stained Glass Window”, no lograron las excelencias comerciales de su debut, al igual que su estupendo LP, “Yellow Balloon” (1967), una maravillosa colección de canciones de luminosas píldoras pop.

Tras esta decepción en ventas, el grupo se separó, iniciando Don Grady con su nombre real, Don Agrati, una carrera en solitario en la que publicó un único disco, el estimable “Homegrown” (1973).
Sus compañeros de grupo continuarían sin Don, haciéndose llamar The Popcorn Explotion, aunque no obtuvieron demasiada repercusión.
El productor y compositor Gary Zekley, el auténtico artífice de la banda, falleció en el año 1996.

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Garage-punk desde Nueva York con una frontman femenina es lo ofertado por este trío compuesto por la cantante Karen O, el guitarrista Nicolas Zinner y el batería Brian Chase que, al igual que los White Stripes, no cuentan, en principio, con el sonido del bajo en sus composiciones.
Como gran parte de sus coetáneos, los Yeah Yeah Yeahs tanto se inspiran en la Velvet Underground, como en el punk neoyorquino 70’s, en el sonido Detroit, proto-punk 60’s, la new wave o el noise-pop de los Pixies, sin olvidar en este caso puntual las trazas y actitudes de Riot Grrls, como Bikini Kill, Bratmobile o su predecesora, Joan Jett y las Runaways, y el garage de base blues de los citados White Stripes.
Así en sus urgentes y anárquicos sonidos tanto advertimos huellas de la Velvet, como de Patti Smith, Stooges, Television, Siouxsie & The Banshees, Sonic Youth, Pretenders, New York Dolls, Jon Spencer, Wire o los Cramps.

Tras conocerse en la Universidad Oberlin de Ohio el grupo comenzó a actuar en la Gran Manzana a comienzos del año 2000. Telonearon a los Strokes y White Stripes en los Estados Unidos, mientras que en Europa giraron junto a la Jon Spencer Blues Explosion. Más tarde actuarían con los Girls Againts Boys.
Su debut en disco se produjo con el EP “Yeah Yeah Yeahs” (2001), disco de visceral art-punk garajero con semblante riott grll publicado en el sello Shifty de Jerry Teel, miembro de Honeymoon Killers, Chrome Cranks, Boss Hog y Knoxville Girls.
El disco les proporcionó una ingente publicidad mediática, en especial por el liderazgo de su vocalista Karen O. Al año siguiente, como preludio de su LP y ahora en Touch and Go, vuelven a grabar otro EP, “Machine” (2002), que retoma el crudo sonido de “Yeah Yeah Yeahs”, significado en su primer LP, “Fever to tell” (2003).

El segundo disco grande del grupo es “Show Your Bones” (2006), álbum con un sonido más acústico.
“It’s Blitz””(2009) fue su tercer álbum, un trabajo presentado con el single “Zero”.

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Uno de los grupos más importantes de la Gran Bretaña de los años 60, los Yardbirds germinaron en la explosión R&B de comienzos de década. Sus excelentes musicos, además de ahondar en sus claras influencias negras, superaron la etiqueta del estilo para cimentar sonoridades pop de carácter experimental y naturaleza psicodélica, hasta ese momento poco exploradas en su país natal (los Byrds son uno de los impulsores máximos de la guitarra lisérgica).
Clave en esta expansión sonora fue la aportación instrumental de tres de los más destacados guitarristas británicos de todos los tiempos: Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, que con sus penetratentes sonidos amplificados, distorsiones y feedback, ayudaron a reinventar el sonido guitarrero, en especial, y dentro del grupo, el influyente trabajo de Beck.

El grupo se creó en el año 1963. Su primer nombre fue el de Metropolis Blues Quartet, y su primera formación estaba integrada por el cantante Keith Relf (nacido el 22 de marzo de 1944 en Surrey), el guitarra líder Anthony “Top” Topham, el guitarra rítmica Chris Dreja (nacido el 11 de noviembre de 1944 en Surrey), el bajista Paul Samwell-Smith (nacido el 8 de mayo de 1943 en Surrey) y el batería Jim McCarty (nacido el 25 de julio de 1944 en Liverpool).
Topham, quien grabaría posteriormente en solitario, decidió dejar el grupo para hincar los codos en los estudios. Su sustituto sería “un tal” Eric Clapton (nacido el 30 de marzo de 1945 en Surrey), quien había pasado por los Roosters.

La banda, y en especial las maneras guitarreras de Clapton, comenzaron a llamar la atención de los aficionados al blues y el R&B. Con el patronazgo de Giorgio Gomelsky los Yardbirds pronto comenzaron a destacar en famosos locales de Londres, como el Crawdaddy o el Marquee, en donde Eric, ante un público entregado, demostraba su habilidad en las seis cuerdas, siendo conocido como “Mano Lenta” (Slowhand).
Sus vibrantes actuaciones pudieron apreciarse en su primer LP, el directo “Five live Yardbirds” (1964), un álbum producido por Gomelsky y editado en Columbia, en donde versioneaban a maestros como Chuck Berry, Bo Diddley, John Lee Hooker o Howlin’ Wolf. El mismo año apareció el EP “Five Yardbirds” (1964) y singles como “I wish you would”, versión de Billy Boy Arnold, y “Good morning, little schoolgirl” (número 44), tema de Sonny Boy Williamson, con quien el grupo grabaría un disco grande.

La disensión dentro del grupo surgió con su tercer single, editado en 1965. El conocido compositor Graham Gouldman les cedió “For your love”, un tema pop que les alejaba un tanto de sus raíces blues. Clapton no se sentía a gusto interpretando el nuevo sonido experimental y a pesar de que el disco llegó al número 3 en Gran Bretaña y al número 6 en los Estados Unidos, concedió gran popularidad a la banda, el bueno de Eric, alegando que no deseaba sonar tan comercial, decidió dejar a los Yardbirds para seguir tocando blues con John Mayall.

El recambio esta dispuesto. Clapton recomendó en principio a Jimmy Page, pero éste, bastante ocupado como músico de sesión, cedió su puesto a Jeff Beck (nacido el 24 de junio de 1944 en Surrey). Con él llegaría el período más creativo del grupo. El nuevo guitarra líder fue pieza fundamental para la evolución de los Yardbirds del R&B a la experimentación y la psicodelia, cuando todavía ésta se encontraba en pañales en Inglaterra.

El primer single con Beck fue otro tema de Gouldman, “Heart full of soul” (número 2 en Inglaterra y 9 en los Estados Unidos). También el siguiente, ambos también editados en 1965, fue escrito por Graham Gouldman, “Evil hearted you” (número 3).

Los singles de los Yardbirds no lograron pegar tan fuerte en los Estados Unidos como “For your love” o “Heart full of soul”, pero su impronta en el garage-rock estadounidense, con la de otros grupos como los Rolling Stones, Troggs, Kinks o los primeros Zombies, es bastante importante.
La primera cara a en single escrita por los propios Yardbirds, concretamente por McCarty, Relf y Samwell-Smith, fue una de sus composiciones clave, “Shapes of thing” (número 3 en la Gran Bretaña de 1966), en donde el trabajo de Jeff Beck en las seis cuerdas abría nuevos caminos en la lisergia.

Dirigidos por Simon Napier-Bell los Yardbirds grabarían el LP “Roger the engineer” (1966), un importante disco producido por el bajista Samwell-Smith, quien más tarde produciría a gente como Cat Stevens o Carly Simon. El LP tenía un famoso dibujo realizado por Chris Dreja, quien realizó una caricatura del ingeniero de sonido Roger Cameron.
Después de este álbum, que incluía el single “Over, under, sideways, down” (número 10) y la curiosa “Turn into earth”, pieza en la cual empleaban cantos gregorianos, dejaría el grupo siendo sustituido, ahora sí, por Jimmy Page (nacido el 9 de enero de 1944 en Londres).

Al poco de llegar y como le quedaba pequeño el bajo, Page pasó a tocar la guitarra y Dreja se pasó a las cuatro cuerdas.

El single “Happenings Ten Years Time Ago” (número 43) mostraba algo realmente histórico: Page y Beck a la guitarra. Ambos también aparecieron actuando en una escena, ya mítica, de la película “Blow up” de Antonioni.

Tras este single Jeff Beck abandonaría el grupo y tomaría las riendas el productor Mickey Most, quien les condujo hacia temas pop más domesticados que en la innovadora era de Beck.
Después de “Little games” y “Goodnight Sweet Josephine” el grupo, sin éxitos comerciales y confusos en su orientación musical, decidieron seguir diferentes rumbos.

Keith Relf y Jim McCarty formarían Together y la banda progresiva Reinassance, proyecto que vería truncado cuando Relf falleció en 1976 electrocutado en su bañera cuando estaba tocando la guitarra.
Dreja dejó la música para dedicarse a la fotografía y Jimmy Page seguiría la aventura con los New Yardbirds, que terminarían convirtiéndose en el germen de Led Zeppelin.

A mediados de los años 80 Chris Dreja, Paul Samwell-Smith y Jim McCarty lo intentaría con el grupo de blues-rock Box of Frogs. A mediados de los 90 McCarty debutaría en solitario con “Out of the dark” (1994).

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Luminosa y fenomenal banda de pop californiana tan influenciada por Curt Boettcher como por los Beach Boys de Brian Wilson, Left Banke, los Beatles, los Hollies, Association o los Zombies.

Está formada por el cantante y guitarrista Nick Walusko, el bajista Brian Kassan, el batería Mike D’Amico y el teclista y vocalista Darian Sahanaja.

Los japoneses, siempre atentos a todo tipo de músicas, editaron su disco debut en Toy’s Factory. Su título fue simplemente “Wondermints” (1995), una delicia de LP con dominio compositivo de Walusko y Sahanaja, melodías refulgentes y espléndidos juegos vocales en piezas como “Proto-Pretty”, “Fleur-de-Lys” o “Tracy Hide”, que suena como una especie de homenaje a los Beach Boys del “Pet Sounds”.

El mismo año de “Wondermints”, el grupo aparecía cantando el “You Need Love” de los Hollies en el disco tributo a la fenomenal banda de Manchester “Sing Hollies in Reverse”, disco en el cual también sonaban los Posies, Mitch Easter o Steve Wynn.

Sin Kassan y con Probyn Gregory el grupo editó su segundo disco grande, “The Wonderful World of the Wondermits” (1996), el cual, al contrario que el primero, compuesto por sus propias composiciones, estaba repleto de versiones, entre ellas “Guess I’m Dumb” de los Beach Boys, el “Love in the City” de los Turtles, el “Arnold Layne” de los Pink Floyd de Syd Barrett, o una power-popera adaptación del “Knowing Me, Knowing You” de ABBA.

Su tercer disco fue “Bali” (1998), otra magistral colección de canciones influenciadas por el pop psicodélico y vocal de los años 60. Cuatro años seguirían deparando maravillas con “Mind If We Make Love to You” (2002).
Su talento para la composición de gran pop no pasó desapercibida para los nombres míticos del estilo, incluido uno de sus ídolos, Brian Wilson (quien colabora metiendo coros en “Mind If…”), con quien actuaron como banda de acompañamiento en directo.

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Después de liderar en Birmingham el grupo The Move e institurse junto a Jeff Lynne (también componente de los Move) como cabeza visible del proyecto Electric Light Orchestra, Roy Wood (nacido el 8 de noviembre de 1946) decidió abandonar, tras un primer y valioso LP, a la E.L.O. para crear en 1972 un nuevo y colorista combo glam-rock al que llamó Wizzard.

Con ropajes estrafalarios, el pelo pintarrajeado y la cara ornamentada con espeso maquillaje y una estrella en la frente, Wood, como cantante y multi-instrumentista, estaba acompañado en el grupo por el bajista y vocalista Rick Price, los baterías Keith Smart y Charlie Grima, el teclista Bill Hunt, los saxofonistas Mike Burney y Nick Pentelow, y el violoncelista Hugh McDowell.

Tras actuar en Wembley, Roy sus chicos grabaron en el sello Harvest Roy su primer single, “Ball park incident”, un tema que llegó al número 6 en Gran Bretaña y que ejemplificaba su nuevo sonido: una mezcla festiva entre el clásico rock’n’roll 50’s y el muro de sonido de Phil Spector.

En 1973, año en el que editó su LP “Wizzard Brew” (1973), consiguió sus mayores logros comerciales en su país (fuera de él y, especialmente, en los Estados Unidos, la música de Wizzard pasó bastante desapercibida) con dos números 1 consecutivos: “See my baby jive” y “Angel fingers”.

Otro single del período fue “I wish it could be Christmas” (número 4), en donde se apreciaba su amor por Spector y los Beach Boys, su grupo favorito.

Al margen de su trabajo con Wizzard, Roy Wood también sacó al mercado su primer y excelente disco en solitario que llevó por título “Boulders” (1973). En el trabajo técnico Roy, como productor y arreglista, fue ayudado por Alan Parsons como ingeniero de sonido.

Un año más tarde volvió a maquillarse para publicar con Wizzard “Introducing Eddy & The Falcons” (1974), un álbum en el que establecía un homenaje a pioneros nombres del rock, como Elvis Presley, Del Shannon, Gene Vincent o el referido Phil Spector.

En 1974 también aparecieron los singles “Rock’n’roll winter” (número 6), “This is the story of my love” (número 34), “You’ve got me running” y “Are you ready to rock?” (número 4).

Tras este LP y problemas con Don Arden, representante de la banda, Roy Wood aparcó el glam de Wizzard para dar inicio a otro proyecto bautizado como The Wizzo Band, en el cual se escuchaban sonoridades jazz y funk.

“Mustard” (1975) fue su segundo e imprescindible disco grande en solitario en los años 70.

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Banda post-punk británica compuesta por el cantante y guitarra Colin Newman (nacido el 16 de septiembre de 1954 en Salisbury), el guitarrista Bruce Gilbert (nacido el 18 de mayo de 1946 en Watford), el bajista y vocalista Graham Lewis (nacido el 22 de febrero de 1953 en Grantham) y el batería Robert Gotobed.

Formados en 1976 debutaron un año después en el sello Harvest con el magnífico “Pink Flag” (1977), album producido por Mike Thorne -con temas como “Field day for the sundays” o “Mannequin”- que brilló en pleno año de auge punk en Gran Bretaña.
Este abrumador primer disco fue continuado por los también estimables “Chairs Missing” (1978) y “154” (1979), otros trabajos que colocaron a Wire como una de las formaciones punk más influyentes del movimiento. A pesar del éxito, Wire decidió poner punto y final a la experiencia con la llegada de la nueva década para iniciar aventuras en solitario.

Volvieron a aglutinar fuerzas en 1986 para presentar nuevas obras pop como “The Ideal Copy” (1987) o “A bell is a cup (Untill it’s struck)” (1988) que fueron aclamadas por la crítica pero que tuvieron regulares ventas, cosa que provocó su ruptura a principios de los 90.

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Una de las grandes figuras del soul en toda su historia. De interpretación imperativa y pasional, Wilson Pickett es paradigma del Southern Soul y del mítico sello Stax, logrando un enorme éxito con sus fibrosas y carismáticas ejecuciones y éxitos-himnos inmortales como “In the midnight hour”, co-escrito junto a su amigo y excelente instrumentista, Steve Cropper, o “Land of 1000 Dances”, tema del gran Fats Domino.
Wilson Pickett nació el 18 de marzo de 1941 en Prattville, una localidad de Alabama (Estados Unidos). Desde su niñez aprovechaba para cantar en todo tipo de contexto, ya fuesen iglesias, reuniones familiares o en las propias calles de Detroit, ciudad a la que se había trasladado en su adolescencia.
Comenzó su carrera profesional a finales de los 50 con el grupo de gospel The Violinaires, pasando después, en 1959, a ejercer como vocalista en The Falcons, consiguiendo el éxito con “I found a love” (número 6 en 1962). En The Falcons también se encontraba otros de los nombres importantes del soul, Eddie Floyd y Sir Mack Rice, tíos pioneros con una actitud musical y personal que pateaba el culo a cualquier fantoche contemporáneo.

En 1962, y acompañado por las Supremes, Wilson Pickett también grabó algunas canciones en solitario, como “Let me be your boy”, aparecida en el sello Correct-Tone. También grabó con Lloyd Price varios temas, como “If you need me” o “It’s too late”.

Al año siguiente pasó por los Spirituals antes de que en 1964 logró fichar por Atlantic, grabando en Stax sus mejores temas. Debutó en Atlantic con “I’m gonna cry”, pero lograría el éxito con su tercer single, “In the midnight hour”, canción, conceptuada simplemente para el baile y compuesta por Wilson junto al guitarrista Cropper bajo producción de Jerry Wexler, se convirtió en un gigantesco triunfo comercial, en donde la fuerza vocal de Pickett e instrumental de los músicos participantes brillaban en su esplendor.
Posteriormente, durante toda la década de los 60, vendría más temas memorables y vibrantes como “634-5789”, compuesta entre Eddie Floyd y Steve Cropper, la citada “Land of 1000 Dances”, “Mustang Sally”, escrita por Sir Mack Rice, o “Funky Broadway”, estupenda revisitación del tema de los Dyke & The Blazers.
Incluso Pickett se marcó una espléndida y sudorosa versión del “Hey Jude” de los Beatles y logró un éxito con un cover del clásico de los Archies “Sugar Sugar”.

Al margen de ello, también grabó con Kenny Gamble y Leon Huff, en temas como “Engine number 9”, o Bobby Womack, con “I’m in love” o “I’m a midnight mover”.
A comienzos de los 70 su ristra de éxitos comerciales comenzó a disminuir, hecho que le confinó principalmente a sus enérgicas interpretaciones encima de los escenarios y a grabar en su propio sello, Wicked Label.
En el año 1991 ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame.

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Iniciados en el country-rock alternativo, el grupo Wilco, liderado por Jeff Tweedy, va mucho más allá de esa etiqueta, abrazando una diversidad de estilos poco común, desde el rock alternativo hasta el folk-rock, pasando por la vanguardia, el power pop, la psicodelia o la experimentación, con rastros de Neil Young, Beatles, Big Star, Byrds, Bob Dylan, The Band, Rolling Stones, Brian Wilson, Tom Petty o Gram Parsons.

Tras romperse la banda Uncle Tupelo, el cantante, guitarrista y compositor Tweedy formaría Wilco en 1994 con sus compañeros de banda, el bajista John Stirrat, el batería Ken Coomer y el multiinstrumentista Max Johnston, quien interpreta tanto el banjo o la guitarra como el fiddle, el dobro o la mandolina.
Al cuarteto se le uniría el guitarrista Jay Bennett para grabar su Lp debut, “A. M.” (1995), un disco co-producido por Brian Paulson que perpetuaba las características de Uncle Tupelo, es decir, temas blues-rock y country-rock a lo Byrds, Dylan, The Band, Stones o Neil Young, como “I must be high”, “Passenger Side” o “Casino Queen”.

Después de este primer disco el grupo sorprendería con “Being There” (1996), un álbum doble que los alejaba de formulismos y estilos, adoptando en cada tema texturas heterogéneas con una querencia por la experimentación en base a un apreciable talento melódico, mayor cuidado en la producción y una admirable erudición de la música popular previa, con trazas rock, country, psicodélicas, folk y pop en cortes tan diversos como “Misunderstood”, “Far, far away”, “Sunken Treasure”, “I got you (at the end of the century)”, “Someone else’s song” o “Outta Mind (Outta Sigh)”, canción que podría ir firmada por los mismísimos Beach Boys. Tras este trabajo Max Johnston dejaría Wilco para ser reemplazado por Bob Egan (ex Freakwater).
En 1998 el grupo colaboraría con Billy Bragg para recuperar viejos temas del pionero del folk Woody Guthrie en el Lp “Mermaid Avenue” (1998), disco que sería continuado años después con “Mermaid Avenue Vol. 2” (2000).

En 1999 la evolución de Wilco prosiguió con “Summerteeth” (1999), un magistral disco, uno de sus mejores obras, en donde se encontraban fuertemente influenciados por los Beatles y los Beach Boys, deparando un álbum repleto de refulgentes melodías power pop, luminosidad y variedad rítmica, con temas como “I’m always in love”, “She’s a jar” o “Nothing’severgonnastandinginmyway”, una auténtica gema de sencillo y maravilloso pop a lo Fab Four.
A pesar de la gran calidad del álbum, éste no consiguió vender en demasía, hecho que a su sello discográfico, Warner, no terminaba de agradarle del todo y más cuando presentaron su siguiente trabajo, “Yankee Hotel Foxtrot” (2002), un álbum en el cual aparecía el nuevo batería Glenn Kotche, quien sustituyó a Coomer.

A la Warner la experimentación de este album no le pareció suficiente comercial y tras varias tensiones, Jeff Tweedy decidió dejar la compañía discográfica para no sacrificar su visión artística en pos de intentar entrar en el mainstream y compró las grabaciones para publicarlas en un nuevo sello y darlas a conocer vía Internet.
Por esa época Bennett abandonaría el grupo, incorporándose Leroy Bach.

“Yankee Hotel Foxtrot” aparecería en Nonesuch Records con mezclas de Jim O’Rourke. En el álbum se apreciaba el gusto creciente por la experimentación de Tweedy, convertido casi en el nuevo Brian Wilson del rock alternativo, envolviendo sus melodías con arreglos arriesgados, sonidos muy atmosféricos y una perspectiva cada vez más personal.
Entre los mejores temas de un disco recibido con entusiasmo por la crítica americana se encuentran la magnífica “Kamera”, “I’m the man who loves you”, “Heavy metal drummer” o “War on war”.
En el año 2002 también Wilco grabarían la banda sonora de “Chelsea Walls” (2002), un film dirigido por Ethan Hawke.
Dos años más tarde editarían el disco “A ghost is born” (2004) y con posterioridad “Sky Blue Sky” (2007), álbum que contiene el single “White Light”.
“Wilco” (2009) es su último trabajo en estudio.

El 24 de mayo del año 2009 falleció Jay Bennett a los 45 años de edad.

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Histórica y esencial banda británica, de paradigmas mod a estrellas del hard rock, ubicados en la psicodelia o impulsores de la ópera-rock conceptual, los Who supieron desarrollar su capacidad e intensidad instrumental bajo el talento creativo de uno de los mejores compositores y guitarristas de todos los tiempos, Pete Townshend (nacido el 19 de mayo de 1945 en Chiswick). A su lado se hallaban excepcionales intérpretes, dotados de una personalidad escénica muy acusada, en especial su batería Keith Moon (nacido el 23 de agosto en 1947 en Wembley) y su cantante líder Roger Daltrey (nacido el 1 de marzo de 1944 en Hammersmith). El magnífico bajista John “The Ox” Entwistle (nacido el 9 de octubre de 1944 en Chiswick), de naturaleza más sosegada, contemplaba lo que sus salvajes compañeros destrozaban en los escenarios, conformando junto a Moon una de las secciones rítmicas más importantes que ha conocido la historia del rock.

Amantes del blues y el soul americano, el legendario cuarteto inició su carrera versionando temas populares de la música negra, de forma vibrante en la conjunción efervescente de sus instrumentos y la fenomenal voz de Daltrey, quien alternaba facetas como cantante con Pete Townshend. Las improvisaciones de Moon marcaron época y ejercieron una gran influencia en el mundo del rock, al igual que las cuatro cuerdas de Entwistle y el palpitante empuje sónico guitarrero de Townshend.

El embrión de los Who procede de las primeras incursiones musicales de Pete y John, amigos del colegio que decidieron probar fortuna en varias bandas londinenses amateur de skiffle, como los Confederates, grupo del que formaron parte a finales de los años 50. Unos años después estarían en los Aristocrats y los Scorpions (nada que ver con la banda posterior homónima), grupos principalmente de carácter instrumental.

A comienzos de la siguiente década, ambos se unieron a una banda llamada The Detours, un conjunto liderado por el cantante Colin Dawson en el que también se encontraba un muchacho llamado Roger Daltrey, quien tocaba la guitarra líder. Daltrey advirtió la capacidad de Entwistle en los Scorpios e invitó a John a unirse al grupo como bajista. John recomendaría a su amigo Pete como guitarrista rítmico. Poco después de incorporarse Townshend y Entwistle, Dawson dejaría el grupo, reemplazándolo en tareas de vocalista Daltrey. En ese momento, Pete pasaría a ocupar el puesto de guitarra líder. En febrero de 1964, los Detours, ante la presencia de otro conjunto con el mismo nombre, deciden llamarse de Who bajo la sugerencia de un compañero de la escuela de arte de Townshend llamado Richard Barnes. En marzo el batería Doug Sandom abandona su puesto incorporándose Keith Moon, un amante de la música surf y los Beach Boys, que estaba tocando su música favorita en un grupo llamado The Beachcombers.

Como The Who y con la representación de Helmut Gordon, comienzan a hacerse un hueco en los clubes londinenses tocando un enérgico R&B que es recibido con entusiasmo por su creciente número de seguidores, quienes admiran su enérgico proceder musical y la fuerza desprendida en sus conciertos. En uno de ellos, celebrado en el Marquee, Pete Townshend destrozó fortuitamente una guitarra, provocando entre la audiencia una explosión de euforia.

Este hecho sería convertido posteriormente en marca de la casa de los Who, con actuaciones violentas en las que el guitarrista rompía y golpeaba con saña su instrumento contra el suelo, interpretando la guitarra mientras saltaba sacudiendo las cuerdas con el brazo en remolino. Keith Moon destrozaba la batería a patadas y Roger Daltrey balanceaba su micrófono de manera espectacular. Un espectáculo que el bueno de Entwistle divisaba tocando de manera magistral su bajo prácticamente inmóvil. Una de estas actuaciones fue contemplada con entusiasmo por Pete Meaden, colaborador de Andrew L. Oldham a quien Gordon contrató como publicista, para convertirse con brevedad en su manager y en uno de los principales impulsores de la carrera del grupo de Londres.

Lo primero que hizo Meaden fue cambiarles el nombre. Se llamarían a partir de ahora The High Numbers. Meaden también les aseó la imagen para convertirlos en mods. En julio de 1964 aparece “I’m the face/Zoot Suit”, su primer sencillo con dos espléndidos temas mods escritos por el propio Meaden, quien pondría a la banda en manos del dúo Kit Lambert y Chris Stamp, verdaderos artífices del engrandecimiento popular de la banda, ofreciéndoles consejos sobre la estética y los sonidos que podían otorgarles la preeminencia comercial, consejos que ellos cumplirían obedientemente si se les permitía un solo deseo: volver a ser conocidos como The Who.

Otra vez con su previo nombre, los Who comenzaron a trabajar con el productor Shel Talmy y el ingeniero Glyn Johns en la Decca, grabando una composición de Townshend titulada “I Can’t Explain”, un single publicado el 15 de enero de 1965. Para la grabación Talmy trajo al músico de sesión Jimmy Page, pero tras escuchar a Pete tocar la guitarra, Page terminó tocando la rítmica y los miembros de Ivy League haciendo coros. Al principio el sencillo, el primero publicado como The Who, pasó sin pena ni gloria en las tiendas de discos pero tras la aparición del grupo en el popular programa de televisión “Ready Steady Go” todo cambió.

La audiencia millonaria de la emisión televisiva se quedaron con la boca abierta cuando en su demoledora actuación en directo, el grupo rompió sus instrumentos. Pocas veces se había visto en vivo y en televisión una demostración musical tan violenta. Este suceso les proporcionó amplia publicidad entre la gente más joven, que se lanzó a comprar el single, consiguiendo que “I can’t explain” alcanzara el puesto número 8 en las listas británicas.

Este éxito se repetiría el mismo año con temas como “Anyway, anyhow, anywhere” (número 10), compuesto por Pete y Roger, o el himno generacional “My Generation” (número 2). En el mes de diciembre de 1965 publicarían su primer Lp, “The Who sings my generation” (1965), un álbum en el cual ponían de manifiesto su tendencia por el R&B y las rítmicas píldoras mod-pop, estilos enfatizados por su virtuosismo y pujanza instrumental y vocal. El disco alcanzaría el top 5 en las listas de Lps más vendidos de Gran Bretaña.

En abril de 1966 apareció el single “Substitute” (número 5), un tema producido por los propios Who que fue continuado por “A legal matter”, sencillo producido de nuevo por Talmy, “The kids are alright” y “I’m a boy” (número 2), la primera producción para el grupo de Kit Lambert, quien impondría la obligación a cada miembro de componer por lo menos una canción, cosa que hicieron para el magistral “A quick one” (196&9, un Lp que llegó hasta el número 4 en el Reino Unido y en el cual Townshend mostraba su gran calidad como compositor en su primera mini-ópera rock titulada “A quick one while he’s away”.

Su primera obra maestra llegaría con el poppy “The Who Sell Out” (1967), un extraordinario disco conceptual con original portada en el que destacó el exitoso single psicodélico “I can see for miles” (número 19). Con anterioridad habían triunfado con “Happy Jack” (número 3) y “Pictures of Lily” (número 4). En 1967 y en plena etapa psicodélica y atracción por todo lo oriental, Pete Townshend se convirtió en seguidor del religioso hindú Meher Baba, hecho que condicionó su vida y en cierta parte, su faceta como compositor.

En julio del mismo año publicaron el single “The Last Time/Under my thumb”, versiones de los Rolling Stones que los Who hicieron en solidaridad con sus colegas londinenses como protesta por el proceso legal contra Mick Jagger y Keith Richards. También actuarían con éxito en el Festival de Monterrey. Tras singles como “Call me lightning”, “Dogs” y “Magic Bus”, el siguiente trabaj en estudio y uno de los más importantes y esenciales de toda su carrera fue “Tommy” (1969), una ópera-rock sobre un niño ciego, sordo y mudo experto en pinball que terminaría convirtiéndose en una especie de mesía. El disco, con “Pinball Wizzard” (número 4) como single estrella, sería un auténtico bombazo que les haría girar interminablemente exhibiendo sus canciones por casi todo el mundo. También se grabó una película dirigida por Ken Russell y se estrenó una obra musical en Broadway.

El fantástico directo “Live at Leeds” (1970) sería el preludio de un proyecto desechado con temática de ciencia-ficción titulado “Lifehouse” y de la grabación de otro enorme álbum, “Who’s next” (1971), un trabajo de sólido rock producido por Glyn Johns (ingeniero de sonido de Shel Talmy) que contenía temas como “Baba O’Riley”, “Won’t get fooled again” (número 9) o la bella balada “Behind blue eyes”.

El compromiso como compositor de primer nivel de Townshend tras el megaéxito de “Tommy” fue corroborado con este Lp, un trabajo menos pretencioso y más directo, en el cual los Who relegaban ambiciosas intenciones para escribir inmediatas canciones de rock’n’roll.

En 1971 también apareció el primer disco en solitario de John Entwistle, compositor y arreglista también para los Who, y brillante debutante con “Smash your head agains the wall” (1971), un Lp co-producido por Bob Irwin en el que también colaboró Keith Moon. Más tarde publicaría “Whistle Rymes” (1972). Pete Townshend en 1972 también iniciaría su trayectoria como solista con “Who came first” (1972), álbum en el que intervenían gente como Billy Nichols o Ronnie Lane. El mismo año los Who publicaron los singles “Join Together” y “Relay”. Para no ser menos, Roger Daltrey publicó “Daltrey” (1973), un disco producido nada más y nada menos que por Adam Faith.

Los Who retomarían su espíritu conceptual con “Quadrophenia” (1973), una ópera rock centrada en las vivencias y preocupaciones existenciales de un joven mod llamado Jimmy. El álbum supuso otro hito en su trayectoria, además de la filmación de otra popular película dirigida por Franc Roddan en el año 1979, etapa en la cual los Jam, que habían impulsado un revival mod, eran una de las bandas más populares del Reino Unido. Después de “Quadrophenia”, los Who se dispersarían a nivel artístico. Daltrey comenzaría una carrera como actor, prosiguiendo casi todos sus carreras sus carreras en solitario. Pete y Keith se introdujeron peligrosamente en el mundo de las drogas, en especial Moon, quien grabó un Lp como solista llamado “Two sides of Moon”, con versiones de los Beatles, John Lennon o Ricky Nelson, quien también colaboraba en un disco en el cual intervenían un sinfín de invitados. Desde Ringo Starr hasta John Sebastian, pasando por Steve Cropper o Harry Nilsson.

Después de “Odds & Sodds” (1974), un disco de rarezas, los Who publicaron “The Who by Numbers” (1975), un subestimado disco producido de nuevo por Glynn Johns que volvió a alcanzar una gran repercusión comercial gracias a sus excelentes composiciones como “However much I booze”, “How many friends” o “Success Story”, canción escrita por Entwistle. En el álbum, de naturaleza intimista, aparecía el admirable músico de sesión Nicky Hopkins. Tras varios años de sequía discográfica los Who sacaron al mercado “Who are you” (1978), un competente disco en el que colaboró Rod Argent, el ex componente de los Zombies y miembro de Argent.

El 7 de septiembre de 1978, el carismático batería Keith Moon fallecería a causa de una sobredosis de somníferos, dejando a los Who sin una pieza clave en su formación, ya que a pesar del reclutamiento de otro experto músico amigo de la banda, el ex Small Faces y Faces Kenny Jones, el grupo no volvería jamás a grabar discos comparables a sus pretéritas obras. “Face Dances” (1981), con “You better you bet”, “It’s hard” (1982) y el directo “Who’s Last” (1984), supusieron la despedida momentánea de la legendaria banda británica, que volvería a reunirse años más tarde para girar en directo. John Entwistle fallecería el 27 de junio del año 2002 tras un ataque al corazón. “Endless Wire” (2006) es su último trabajo en estudio. Un disco presentado con el single “It’s Not Enough”.

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Grupo de pop psicodélico y folk rock de los años 60, influenciados por los Byrds y Frank Zappa, y por bandas británicas como The Kinks, The Who o The Beatles. Telarañas de guitarras repicantes, armonías deleitables, melodías estupendas, refinados arreglos y textos embebidos en lisergia en piezas de dos minutos, algunas de ellas desarrolladas en las estructuras tradicionales y otras significadas por un alto grado de experimentación.
La banda, surgida en Los Angeles en la segunda mitad de los años 60, estaba compuesta por el cantante, guitarrista y teclista Michael Lloyd, el guitarra rítmica Dennis Lambert, el bajista y vocalista Shaun Harris (hijo del compositor Roy Harris) y el batería Daniel Belsky. Al margen de los músicos se encontraba Bob Markley, un adinerado personaje deseoso de formar parte de un grupo que firmaba la producción y gran parte de las composiciones originales. Markley había publicado a comienzos de los 60 un single titulado “Will we meet again”.

La génesis de la West Coast Pop Art Experimental Band se encuentra en The Laughing Wind, un combo formado a mediados de la década por los hermanos Harris (quienes previamente habían estado en The Snowmen) y Michael Lloyd (quien había tocado con el grupo surf The New Dimensions), al que se uniría el batería Daniel Belsky. El encuentro con Markley, hijo de un magnate petrolífero con ansias de ligar chicas formando parte de un conjunto de rock, les sirvió para financiar el equipo técnico. También asumió tareas compositivas y tocaba la pandereta.

Su primera grabación oficial, el Lp “West Coast Pop Art Experimental Band” (1966) se realizaría en el sello Fifo y solamente se publicarían cien copias. Incluía versiones como “You really got me” de los Kinks o varios covers de Bob Dylan, como “(It’s all over now) Baby Blue” o “She belongs to me”, y unos cuantos temas propios, escritos por Markley, como “Don’t break my balloon” o “Insanity”, canción co-escrita por su buen amigo, Kim Fowley.
Para la grabación de su segundo disco, el grupo consiguió un contrato con una compañía más poderosa, Reprise Records. “Part One” (1967) presentaba una nueva formación. Se marcharon de la banda Dennis Lambert y Daniel Belsky y se incorporaron el hermano de Shaun, Danny Harris a la guitarra rítmica, el guitarra líder Ron Morgan y Hal Blaine a la batería, con participaciones en las baquetas también de Jimmy Gordon.

El disco es una de sus cumbres como autores, con pop psicodélico de gran calibre atmosférico, folk-rock y cortes experimentales. El single elegido, publicado en febrero del año 1967, sería “1906”, uno de los temás menos comerciales y más lisérgicos del álbum. La cara b era “Shifting Sands”, un espléndido tema psicodélico con un atractivo ritmo de vals. Entre las composiciones más melódicas destacan las byrdsianas “I won’t hurt you” y “Transparent day” o la acústica “Will you walk with me”.
Entre sus versiones destaca el cover de Frank Zappa “Help, I’m a rock”, tema que se convertiría en su segundo sencillo.

Su segundo trabajo en Reprise sería “Vol. 2” (1967), un disco en el cual los mandos fueron tomados definitivamente por Barkley. Michael Lloyd abandonó el grupo y los temas se centraban en la psicodelia experimental, hecho que agradaba en demasía a Bob, quien intentaba emular los discos de Zappa. El Lp está ya compuesto en su totalidad por los miembros de la banda. “Smell of Incense”, canción co-escrita entre Barkley y Ron Morgan sería el single elegido para presentar el álbum.
En “A child’s guide to the good and evil” (1968), la banda retornó a la escritura de piezas más comerciales, con la atractiva mezcolanza del “Part One”, con temas, siempre dentro de la psicodelia y el folk-rock, caracterizados por espléndidas melodías y armonías y cortes experimentales.

Tras este Lp el grupo dejó Reprise y publicó su siguiente disco en el sello Amos. El resultado fue caótico, “Where’s my daddy?” (1969), con el single “Free as a bird”, presentaba una colección de canciones fallidas y complacientes con pretensiones conceptuales.
Michael Lloyd retornaría al grupo, completado en esta ocasión por Markley y los hermanos Harris, para grabar “Markley, a Group” (1970), un apreciable Lp publicado en Forward que incluía competentes temas como “Booker T & His Electric Shock”, “Elegant Ellen” o “Next plane to the sun”.
La falta de éxito y las tensiones internas derivadas de la egolatría de Markley terminaría por romper la formación. Los hermanos Harris formarían The California Spectrum para posteriormente grabar discos en solitario.
Michael Lloyd, quien fundó el grupo The Smoke en 1968, se convertiría en un experto productor y arreglista.
Por su parte, Bob Markley, de quien siempre se ha dudado su real incidencia dentro de la banda como compositor y músico, produjo un disco en 1969 a J. J. Light, para después desaparecer de la industria musical.

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Liderados por el hábil compositor, cantante y guitarrista Rivers Cuomo, Weezer son una de las bandas más interesantes del panorama musical estadounidense. Estableciendo como cimiento una emocional simbiosis entre energía punk, espontaneidad y aspereza garajera y perfecta melodía pop, la banda angelina bebe de fuentes tan diversas como Pixies, Cheap Trick, Ramones, KISS, They Might Be Giants, Big Star, The Cars o Sonic Youth para escribir crujientes piezas de pop-rock alternativo, garage-rock, power-pop o punk-pop, con disparejas disposiciones líricas, que viajan desde la introspección sentimental de triste gradación hasta el cinismo vital o la exposición humorística con diversas referencias lúdicas, siempre bajo la perspectiva del inadaptado y perdedor, como así se define Rivers, uno de los nombres clave del geek rock.

El grupo Weezer se crea en la ciudad de Los Angeles. Rivers Cuomo (nacido el 13 de junio de 1970 en Yogaville, Connecticut) acudió a cursar sus estudios universitarios en la gran capital californiana abandonando su pequeña localidad natal, en donde acostumbraba a escuchar discos de bandas de heavy metal y grupos post-punk.
En L.A., Cuomo formaría en 1992 la banda Weezer junto al guitarra rítmico Brian Bell (quien había reemplazado a Jason Cropper), al bajista Matt Sharp y al batería Pat Wilson. Después de girar durante más de un año por la ciudad angelina y enviar demos a diferentes sellos discográficos, la banda sería contratada por Geffen Records para la grabación en Nueva York de su primer Lp bajo la batuta del productor Ric Ocasek, ex lider del grupo The Cars.

Ocasek compactó de manera magistral la distorsión garajera y la pujanza punk con la melodía pop en el disco homónimo “Weezer” (1994), conocido también como “The Blue Album” por su portada azulada. Impulsados por singles como el pixiano “Undone (The Sweater Song)” o “Buddy Holly” (un tributo a la mítica figura del rock) e inteligentes videos dirigidos por Spike Jonze, Weezer consiguieron ventas extraordinarias para un álbum debut compuesto de diez notables temas punk-pop y power-pop, entre ellos, los brillantes “No one else”, “In the garage” o las citadas “Buddy Holly” y “Undone (The Sweater Song)”, piezas repletas de potencia, espontaneidad, melodía, armonías, perspicacia lírica y estribillos contagiosos.

Después de este triunfal disco, Rivers Cuomo decidió retomar sus estudios universitarios y se desplazó a Boston para matricularse en la prestigiosa Universidad de Harvard. Al mismo tiempo los demás miembros iniciaron proyectos paralelos.
Matt Sharp y Pat Wilson crearon la banda alternativa The Rentals y Brian Bell crearía el grupo de pop independiente The Space Twins.

En 1996 Weezer grabaron su segundo y sensacional disco, “Pinkerton”, un álbum autoproducido de marcado carácter intimista y gradación pesarosa, mucho más experimental y áspero que su primer Lp, con guitarras de mayor estridencia, letras de mayor calado emocional e instrumentación más potente. Las melodías continuaban siendo de primer nivel, en base a la expresión máxima de las afligidas sensaciones de su líder compositor, Cuomo.

El álbum, uno de los mejores exponentes del denominado “Emo Rock”, es una de las cumbres de su carrera que sin embargo no consiguió los elevados resultados comerciales de su predecesor, debido a la menor comercialidad de sus espléndidos temas y a la elección de una de sus piezas menas atractivas (“El Scorcho”) como primer sencillo. “Tired of sex”, “Why bother?”, “Across the sea”, “The good life” o “Pink triangle” son algunos de sus cortes más destacados.

Después de este trabajo el bajista Matt Sharp, encargado de las armonías con Cuomo, dejó el grupo para centrarse con The Rentals. El encargado de sustituirlo en Weezer sería Mickey Welsh.

Cuando parecía que la banda había desaparecido del mapa musical y sus miembros se encontraban ocupados en diversos quehaceres al margen del grupo (Wilson creó Special Goodness), Weezer retornaron en el año 2001 con otro disco homónimo, “Weezer” (2001), llamado “The Green Album” a causa de su portada verde.

Producidos de nuevo por Ric Ocasek, el disco resultaba menos acerado que “Pinkerton” a pesar de conservar el vigoroso trabajo guitarrero en combinación con su habilidad melódica. “Hash Pipe”, uno de los cortes más potentes y rockeros del álbum, sería su primer y exitoso single. Fue continuado por “Island in the sun”, una de las piezas más genuinamente pop de toda su carrera y “Photograph”, corte punk-pop a lo Ramones.

El álbum, de nuevo solamente formado por diez canciones (y la mayoría de menos de 3 minutos), es una maravilla, con composiciones pegadizas y briosas. “Crab”, “Knock-Down Drag-Out”, “Smile”, “Simple pages”, “Glorious day” u “O Girlfriend” son excelentes temas de un álbum casi perfecto, que ponían de manifiesto la sobresaliente capacidad de su máximo adalid, Rivers Cuomo.

Su cuarto álbum fue “Maladroit” (2002), un Lp en el cual no contaron con el trabajo técnico de Ocasek, quien suele acentuar la faceta melódica del grupo, fue co-producido por Rod Cervera, miembro de los Rentals.
Con explosivos riffs de guitarras a lo Kiss, energía y crudeza instrumental, grandes melodías y líricas minimalistas, “Maladroit” resultó ser otro imprescindible larga duración con fantásticos temas como “American Gigolo”, “December”, “Take control”, “Dope Nose”, “Keep Fishin’”, “Slob”, “Space Rock”, “Slave” y gozosas travesías de rock alternativo, power-pop, emo rock, garaje y punk-pop.

Con producción de Rick Rubin Weezer editaron su disco “Make believe” (2005), álbum presentado con el single “Beverly Hills”.

Dos años después Rivers Cuomo debutó con una recopilación de demos en “Alone: The Home Recordings of Rivers Cuomo” (2007).

“Raditude” (2009) fue el séptimo trabajo en estudio del grupo, un disco que incluía el single “(If You’re Wondering If I Want You To) I Want You To”. Un año después publicaron “Hurley” (2010).

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Banda británica de beat, radicada en Manchester y liderada en principio por Glynn Ellis, que se rebautizó como Wayne Fontana (nacido el 28 de octubre de 1945) en homenaje al batería de Elvis Presley, D. J. Fontana.
Su grupo de acompañamiento, The Jets, estaba compuesto a comienzos de los 60 por el guitarrista Les Hilton, el bajista Bob Lang y el batería Ian Lucas. En 1962, Hilton y Lucas cederían sus puestos al guitarrista Eric Stewart y el batería Rick Rothwell.

Consiguieron hacerse un nombre en el Oasis Club de Manchester, en donde actuaban frecuentemente. Su oportunidad discográfica llegó cuando fueron contratados por el sello Fontana Records para publicar su primer single “Hello Josephine”, versión de Fats Domino que ya grabaron bajo el nombre de The Mindbenders, apelativo adoptado por una película de terror homónima, dirigida por Basil Dearden y protagonizada por Dirk Bogarde.

Después de publicar otros sencillos como el rítmico “For You, For You”, compuesta por Peter Lee Stirling (futuro líder de los Bruisers), “Little Darlin'”, una versión de los Diamonds o “Stop Look and Listen”, un cover de Ben E. King, Wayne Fontana & The Mindbenders conseguirían el éxito gracias al tema “Um, Um, Um, Um, Um”, canción que Curtis Mayfield había escrito para el soulman Major Lance que les llevó hasta el número 5 en las listas británicas en 1964, año en el cual también apareció su primer Lp, “Wayne Fontana and The Mindbenders” (1964).

En abril de 1965 lograron el número 1 en los Estados Unidos y el número 2 en Gran Bretaña con “The Game of Love”, pieza escrita por Clint Ballard Jr. Curiosamente, Ballard les ofreció el tema “I’m alive”, que terminaron rechazando. Sería grabado por los Hollies, quienes llevarían la canción al número 1.
El tema que prefirieron publicar los Mindbenders como siguiente single posterior a su mayor éxito, “The Game of Love”, sería “It’s just a bit too late”, otra gran canción de Ballard Jr. (escrita junto a Les Ledo), que aunque no logró los resultados de los Hollies, sí cosechó excelentes ventas, llegando al número 20 en Inglaterra.

En 1965 apareció su segundo Lp “Eric, Rick, Wayne, Bob. It’s Wayne Fontana and The Mindbenders” (1965).
Aunque eran músicos muy competentes y sus ejecuciones resultaban brillantes, su talento compositivo no destacó demasiado en este período, aunque siempre colaban algún tema propio en los Lps, siempre escritos por Stewart y Fontana.
Clint Ballard Jr. sería también el encargado de escribir “She needs love”, su último single como Wayne Fontana & The Mindbenders. La cara b, “Like I did”, fue compuesta por el propio Fontana (Ellis).

A finales de 1965 y tras sufrir una decepción comercial con este último sencillo, el grupo se separó, prosiguiendo Wayne Fontana y los Mindbenders caminos por separado, ambos continuando su trayectoria en el mismo sello, Fontana Records.
Wayne Fontana, apoyado en varias composiciones por Graham Gouldman, consiguió cierto éxito con temas como “Come on home” (número 16), escrito por el cantante de reggae Jackie Edwards o “Pamela, Pamela”, estupenda canción de Gouldman, quien también le compondría el tema “The Impossible Years”.

A partir de 1966, año en que grabó su único Lp, “Wayne One” (1966), la carrera de Fontana cayó en picado, desapareciendo a final de década del mainstream.
Por su parte, los Mindbenders, con Eric Stewart como cantante principal, consiguieron el número 2 con la balada “A groovy kind of love”, escrita por la pareja Toni Wine y Carole Bayer.

Otros sencillos importantes del grupo fueron “Can’t live with you, can’t live without you” (número 28) y “Ashes to Ashes” (número 14), temas también compuestos por Wine/Bayer.
Los Mindbenders grabarían singles estimables que obtuvieron menor fortuna, como “I want her, She wants me”, canción escrita por el teclista de los Zombies, Rod Argent, que incluiría posteriormente en su album “Odessey & Oracle”; la versión de “The Letter” (con la entrada en la batería de Paul Hancox), producida por Gouldman y arreglada por John Paul Jones o “Schoolgirl”, escrita y producida por Graham Gouldman, quien se incorporaría al grupo como bajista, junto al teclista Jimmy O’Neill, tras la marcha de Bob Lang, para grabar “Uncle Joe, The Icecream man”, el último sencillo, escrito por Gouldman, del grupo como Mindbenders.
Tras la disolución de la banda, Eric Stewart y Graham Gouldman formarían Hotlegs, formación que con el tiempo se convertiría en la exitosa formación 10 C. C.

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Al que disfrute con los sonidos psicodélicos 60’s de Deram o Immediate, seguro que le gustará descubrir la música, escasita, de Warm Sound, una pareja formada por el cantante y guitarrista Barry Husband (ex Thursday’s Children) y el cantante, guitarrista y bajista Denver Gerrard (ex Fifth Avenue), dúo que en ocasiones estaba acompañado en la batería por John Carr, llamado “Candy” por sus amigos.

En 1967 publicaron en Deram su primer single, “Birds and Bees”. Escrito por la pareja (con Barry firmando como Younghusband), era un tema de pop psicodélico que logró entrar en las listas inglesas con cierta resonancia (número 27).

Más tarde, el mismo año, editaron en el gran sello de Andrew L. Oldham, Immediate, “Sticks and Stones”, para retornar a Deram con “Nite is a comin”, un tema de pura lisérgia con encrespadas guitarrras, efectos y armonías psicodélicas.

Denver Gerrard comenzaría una carrera en solitario en los 70, grabando en Deram Nova el disco “Sinister Morning” (1971), acreditado a Denny Gerrard.

Si no se pueden encontrar los singles nada mejor que hacerse con esos recopilatorios fenomenales de gemas 60’s en donde, además de escuchar a los Warm Sounds se puede descubrir a un buen puñado de grupos de la gran época del rock, como “Psychedalia: Rare Blooms from the English Summer of Love”, en donde junto a Warm Sounds, aparecen, entre otros muchos, The Open Mind, Timebox o Felius Andromeda.

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Más parecido a Tom Petty y Bruce Springsteen que a su propio padre Bob Dylan (de quien por supuesto también toma inspiración), la música de Jakob Dylan y su banda, los Wallflowers, recoge como inspiración trazas del clásico rock’n’roll, el folk-rock y el country-rock, desarrollando una arquitectura compositiva de espíritu clásico y tradicional, honesta, poética, reflexiva, de fácil asimilación radiofónica.

Jakob Dylan nació el 9 de diciembre de 1969 en Nueva York (Estados Unidos). Fue criado por su madre, la modelo Sara Lowndes, después de que ésta y Bob Dylan se separaran a mediados de la década de los 70.
En 1990 decidió dedicarse a la música en compañía del guitarrista Tobi Miller, el bajista Barrie Maguire, el batería Peter Yanowitz y el teclista Rami Jaffee.
El mismo año en que Jakob se casaba con su novia Paige apareció editado su primer LP, “The Wallflowers” (1992), un disco editado en la Virgin. El álbum, con una orientación directa y clásica, ausente de modernidades, y compuesto por piezas largas, estaba producido por Paul Fox (ex miembro del grupo punk Ruts), Andrew Slater y el mismísimo Paul Weller. Contenía piezas como “Shy of the moon”, “Honeybee”, “Sidewalk Annie” o “Ashes to ashes”.

El álbum no encontró demasiado apoyo promocional y en la banda se produjo una estampida de varios de sus componentes, que mantuvo en zozobra al grupo durante unos años. Para el siguiente LP, Dylan y Jaffee se hicieron acompañar por el guitarrista Michael Ward, el bajista Greg Richling y el batería Mario Calire.
En Interscope Records lograron ser aceptados y allí T-Bone Burnett, afamado cantautor que había tocado en discos de Bob Dylan, como el “Hard rain”, y producido a Elvis Costello o Tommy Keene, se puso al frente del estudio para grabar con los Wallflowers su disco revelación, “Bringing down the horse” (1996).
Este trabajo, con una perspectiva más comercial y actual que su debut, y con colaboraciones de Gary Louris de los Jayhawks o Mike Campbell de Tom Petty & The Heartbreakers, sonó con profusión en las radios internacionales hecho que, con el plus de la parentela de su vocalista y compositor, les concedió la popularidad con singles de éxito como “One headlight” o la balada “6th Avenue Heartache”.

No demasiado prolíficos a nivel compositivo, los Wallflowers tardarían cuatro años en retornar a las tiendas de discos, hecho que difuminó la fama otorgada por “Bringing down the horse”. “Breach” (2000), con “Sleepwalker”, “Some flowers never bloom”, “I’ve been delivered” o “Witness”, seguramente es mejor trabajo que el anterior, más maduro, más cetrino, pero la falta de promoción, en comparación con el previo, conllevó una mengua en ventas.
Las colaboraciones de este LP, co-producido por Andrew Slater y Michael Penn, volvieron a ser lujosas, con Frank Black, Elvis Costello y de nuevo Gary Louris acompañando a Dylan y sus compañeros.

En “Red letter days” (2002) Jakob trató, con intenciones claras de recuperación comercial, su rock tradicional con revestimientos sónicos más modernos “gracias” al trabajo de Bill Appleberry y Tobias Miller, pero los resultados fueron medianamente pasaderos. p> Al margen de sus influencias diáfanas en su ssonidos en sus versiones se pueden apreciar algunas querencias del hijo de Dylan. Así, algunos grupos y solistas versionados por los Wallflowers, con canciones incluidas en bandas sonoras de películas, son los Beatles, a los que versionaron “I’m looking through you” para “Yo soy Sam”, David Bowie, al que revisitaron con “Heroes” en “Godzilla”, los Bee Gees, con la versión de “I started a joke” en “Zoolander” o Van Morrison con “Into the mystic” en “American Pie: Menuda boda”. También participaron en un tributo a Warren Zevon con “Lawyers, Guns and Money”.

Su último trabajo discográfico es “Rebel, Sweetheart” (2005), disco producido por Brendan O’Brien.

En el año 2008 se editó el primer disco de Jakob Dylan en solitario, “Seeing Things”, un álbum con produccion de Rick Rubin.

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Aunque americanos de nacimiento, The Walker Brothers desarrollaron su corta pero exitosa trayectoria musical en el Swinging londinense (siendo casi unos desconocidos en EEUU), significada por el sentido melodramático de sus grandiosas interpretaciones y la magnífica capacidad vocal de su principal cantante, el misterioso, respetado, depresivo y esquivo Scott Walker (nacido el 9 de enero de 1944 en Hamilton, Ohio).
El terceto estaba integrado por Scott “Walker” Engel, el guitarrista y vocalista John “Walker” Maus (nacido el 12 de noviembre de 1943 en Nueva York) y el batería, ex miembro de los Standells, Gary “Walker” Leeds (nacido el 3 de septiembre de 1944 en Glendale). A pesar de su gran parecido físico, los Walker Brothers solamente eran hermanos de nombre artístico.

Engel había sido actor en su niñez, un hecho que le proporcionó suficientes tablas para debutar como cantante encima de los escenarios.
En 1965, con John como guitarra y vocalista líder y Scott (ex miembro de The Routers) al bajo iniciaron su andadura en la ciudad de Los Angeles haciéndose llamar The Dalton Brothers, nombre que cambiaron al de Walker Brothers cuando Gary Leeds se unió a la batería. Gary había estado girando por Inglaterra con P.J. Proby y, tras comprobar con entusiasmo la efervescencia del panorama musical británico de la época, les propuso abandonar su país natal y partir hacia el Reino Unido.

Cuando llegaron a Europa, los Walker Brothers fueron representados por Maurice King, que lo primero que hizo fue aprovechar la excepcional vocalidad barítona de Scott, quien pasó a ocupar el puesto de cantante principal, esencial permuta para el futuro triunfo del trío americano. Sus primeros singles, “Pretty girls everywhere” y “Love her”, producidos por Jack Nitzsche, no cosecharon excesiva repercusión comercial.
La llegada a la producción de Johnny Franz y las sensacionales orquestaciones de Ivor Raymonde y Reg Guest cambiaron totalmente el sino de la banda. Aprovechando la magnética, profunda y entristecida vocalidad de Scott y siempre con Phil Spector como máxima referencia sonora, Franz, Raymonde y Guest dotaban a las narraciones y ejecuciones del terceto un enfático halo melodramático que cuajó con éxito en la audiencia británica.

“Make it easy on yourself”, una composición de la pareja Bacharach/David sacaría a la banda del anonimato alcanzando el número 1 en Gran Bretaña, estableciendo también un tipo de balada orquestal arrebatadoramente emocional, engrandecida por la incomparable voz crooner de Scott Walker.
John Walker, también con una estimable capacidad vocal, ejecutaba armonías e interpretaba como cantante principal algunos temas de la banda incluidos en los discos grandes.
Posteriormente, entre 1965 y 1966, llegarían hits como “The sun ain’t gonna shine anymore” (número 1), “My ship is coming in” (número 3), “(Baby) You don’t have to tell me” (número 13) o “Another tear falls” (número 12), verdaderas tragedias pop espectacularmente arregladas y producidas, que eran llevadas al escenario con el trío acompañado por Johnny B. Great & The Quotations.
Los estupendos Lps “Take it easy with The Walker Brothers” (1965), “Portrait” (1966) y “Images” (1967) rezuman una categoría, sensibilidad, pesarosas atmósferas y una clase irrecuperable, con versiones de Bob Dylan, Martha Reeves & The Vandellas o Impressions y piezas propias escritas por Scott Walker, como la memorable “You’re all around me” (cara b “de My ship is coming in”).

A la par que sus éxitos estrictamente musicales, su buena imagen convirtió a los Walker Brothers en uno de los conjuntos más populares entre la juventud británica de la época, al mismo nivel de fama de los Beatles o Rolling Stones. Este hecho no era compatible con la extraña personalidad de Scott, un muchacho reflexivo, muy tímido, nervioso y huidizo, quien pasaba largas temporadas encerrado en su hogar con las persianas completamente bajadas y con las gafas de sol puestas, sin querer hablar con nadie, leyendo al filósofo existencialista Jean-Paul Sartre, contemplando películas de Ingmar Bergman o Pasolini y buscando la soledad.

A partir de mediados de los 60 el mundo del pop comenzó a ser imbuido de nuevas corrientes más experimentales y psicodélicas, algo que no iba con la música de los Walker Brothers, lo que provocó su ruptura en 1967.
La personalidad introspectiva de Scott Walker marcaría profundamente su venidera existencia y obra en solitario, iniciada con “Scott” (1967), en donde revelaría un maduro talento como compositor, alejado de su previa imagen de teen idol, y su querencia por los trabajos del cantautor belga Jacques Brel, convirtiéndolo en una figura de culto y uno de los ídolos de muchos músicos, como David Bowie, quien siempre sintió fervor por la figura líder de los Walker Brothers y siguió su carrera como solista con gran admiración. El propio Bowie y Brian Eno estuvieron a punto de colaborar con Walker en el Lp “Heroes”, pero finalmente esta asociación, tan deseada por el camaleón del rock, no se produjo. En los años 90, incluiría el tema de Scott, “Nite Flights” en su Lp “Black Tie, White Noise”.
Gary prosiguió en el mundo de la música como Gary Walker & The Rain y John, quien grabó varios singles en solitario, se casó con la vocalista Kathy Young, alejándose durante un período de la industria del disco. En el año 2000 apareció su primer álbum en solitario, “You” (2000), producido y arreglado por el propio John Walker.
En la década de los 70, el trío volvería a juntarse grabando varios Lps de interés y nulo éxito comercial, alcanzando en 1975 la máxima repercusión de este reagrupamiento con el single “No regrets”.

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Cuarteto estadounidense de los años 60, The Vogues practicaban un pop vocal deudor tanto de los primeros grupos de la Invasión Británica como del Brill Building Pop, incidiendo también en sonidos folk-rock con ejecuciones siempre singularizadas por su distinción vocal.

El grupo, procedente de la localidad de Turtle Creek, en Pennsylvania, se formó en 1960, compuesto por Bill Burkette, Don Miller, Hugh Geyer y Chuck Blasco. En principio se hacían llamar The Val-Airs, pero tras grabar el single “Laurie, My Love” en el sello Coral Records, decidieron rebatutizarse como The Vogues cuando firmaron con la compañía Blue Star Records.

En 1965 y regrabado en Co & Ce Records, los Vogues publicaron “You’re the one”, un tema de Petula Clark, que la cantante inglesa co-escribió con Tony Hatch. El tema, realizado con huellas de los Searchers, Turtles o Fortunes que consiguió un excelente resultado comercial, consiguiendo llegar hasta el puesto 4 en las listas estadounidenses gracias a la calidad de la composición y a la experta combinación de voces barítonas (Burkette y Miller) y de tenor (Geller y Blasco) que caracterizaban al grupo.
La continuación sería el excelente “Five o’clock world”, un corte folk-rock escrito para el grupo por Allen Reynolds que volvería a ocupar el número 4 en el Billboard en el año 1966. La canción sería versionada posteriormente por gente como Julian Cope, Hal Ketchum o los Proclaimers.

En 1966 los Vogues sacarían al mercado temas como “Magic Town” (número 21), composición de Barry Mann y Cynthia Weil, “Please Mr. Sun” (número 48), cover the Johnny Ray, “That’s the tune” (número 99) y “The land of milk and honey” (número 29), tema escrito para los Vogues por la pareja de compositores de John Hurley y Ronnie Wilkins, los mismos que le compusieron a Dusty Springfield su famoso tema “Son Of A Preacher Man”.
La canción “That’s The Tune”, compuesta para el cuarteto americano por el miembro de las bandas bubblegum Ohio Express y 1910 Fruitgum Company, Joey Levine, y su compañero de fatigas en la escritura de canciones Artie Resnick, sería versionada por P. J. Proby.

Tras este descenso en ventas, los Vogues, después del single “Brighter Days”, no retornarían al mundo del disco hasta 1968, época en la que publicaron en Reprise el exitoso single “Turn around, look at me” (número 7), escrito a comienzos de los años 60 por Jerry Capehart y cantado por primera vez por Glen Campbell. Posteriormente, y antes de los Vogues, lo harían los Bee Gees.
En Reprise publicarían preferentemente versiones de antiguos éxitos.
En octubre de 1968, los Vogues publicaron “My special angel” (número 7), versión de Bobby Helms. “Till” (número 27), adaptación del girl group The Angels, y “Earth Angel” (número 42), una revisitación del tema de los Penguins, “No, not much”, de los Four Lads, “Hey, that’s no way to say goodbye” de Leonard Cohen o “Since I don’t have you” del grupo doo wop The Skyliners fueron algunos de sus sencillos antes de su salida del mainstream.

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Banda de Nueva York incluida dentro del revival garajero que en los años 80 recuperó los sonidos psicodélico-garajeros de los años 60, remedando a excelentes grupos como los Remains, Standells, Electric Prunes, Blues Magoos o Chocolate Watchband.
Los Vipers, compuestos por el cantante y saxofonista Jon Weiss, los guitarristas David Mann, también teclista, y Paul Martin, el bajista Graham May, y el batería Pat Brown, grabaron una serie de discos bastante valiosos, como “Outta The Nest” (1984) o “How About Somemore?” (1987), en donde con tremenda energía y sentido melódico incidían en las citadas músicas que moldean su excitante sonido, muyrecomendable para los amantes de grupos coetáneos como The Lyres, Cynics o Chesterfield Kings, gente que en los 80 nos retrotraían a mediados de los años 60.

Jon Weiss, al margen de los Vipers y otro grupo como Maryjane, creó el sello Cavestomp!, en donde impulsó los fantásticos sonidos garajeros también con festivales en donde aparecían los míticos grupos de los 60 junto a conjuntos inspirados por aquellos.

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Una banda australiana de pop-rock alternativo deudora del grunge de Nirvana, del brit pop de Oasis o The Verve, de sus compatriotas You Am I, y de la etapa psicodélica de los Beatles, con momentos para la explosión guitarrera y para la edificación de atmosféricos tempos lisérgicos con sesudas armonías vocales. Otros grupos que han influenciado su escritura son los Kinks del “Village Green Preservation Society” o los Beach Boys del “Pet Sounds”.
Los Vines, creados en la ciudad de Sidney en los últimos compases del siglo XX, están liderados por el cantante y guitarrista Craig Nicholls, hijo del principal componente de un grupo australiano de los años 60, The Vynes. Junto a Nicholls se encuentran el bajista Patrick Matthews, encargado también de las armonías, y el batería David Oliffe. Los tres se conocieron trabajando en un McDonalds.
Como homenaje a los Beatles, The Vines comenzaron su carrera haciéndose llamar Rishikesh, localidad hindú en la cual estuvieron los Fab Four en su viaje al subcontinente asiático.

Después de actuar en vivo los Vines consiguieron comenzaron a mandar demos a diferentes sellos, con temas como “Factory”, “Mary Jane” o “Country yard”. “Factory” aparecería en el año 2001 en Rex Rec, mientras que “Hot Leather” sería publicado en el 2002 en Illustrious Artists.

Sus siguientes singles ya aparecerían en el sello británico, Heavenly Records, publicando temas como “Highly evolved”, “Get Free” y “Outtathaway!”. Tras girar por Europa, David Oliffe dejaría el grupo antes de grabar su primer LP, con una portada pintada por el propio Nicholls y producción de Rob Schnapf, quien había trabajado con Beck, Fu Manchu o Foo Fighters, sería “Highly Evolved” (2002), un disco recibido con grandes alabanzas por la prensa británica, definido como una mixtura entre Beatles y Nirvana, sonidos post-grunge con incisión en la psicodelia de finales de los 60 y algún que otro trazo garajero.
Entre las colaboraciones destacaban las del teclista Roger Manning (ex Jellyfish) y la batería de Victor Indrizzo (Redd Kross, Circus of Power, Masters of Reality).

Con posterioridad al álbum ocuparía las baquetas Hamish Rosser. Junto a la incorporación de Rosser también se añadiría al grupo el guitarrista Ryan Griffiths, quienes tocan en “Winning days” (2004).

El mismo año de la aparición de “Winning days” se le diagnosticó a Craig Nicholls el síndrome de Asperger.
Wayne Colley produjo su siguiente LP, “Vision Valley” (2006). Más tarde aparecieron discos como “Melodia” (2008) y “Future Primitive” (2011).

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Liderados por Richard Ashcroft, The Verve fueron una de las bandas pioneras en el llamado brit-pop, grupos que recogían en su escritura los sonidos de bandas y solistas británicos de finales de la década de los 60, principios de los 70, en especial los Beatles, Rolling Stones, Pink Floyd o Kinks, y la psicodelia y el dream pop de los Stone Roses, quienes, a su vez, tomaban básicamente los postulados anteriorente citados.

Junto al vocalista Richard Ashcroft (nacido el 11 de septiembre de 1971), The Verve, estaban compuestos por el guitarrista Nick McCabe, el bajista Simon Jones y el batería Peter Salisbury.

En 1989 el grupo inglés dio sus primeros pasos en Wigan. En 1992 adelantaban con dos años el exitoso sonido de Oasis con su primer single, “All in the mind”, tema marcado por texturas lisérgicas, con excelentes guitarras de Nick McCabe, publicado en el sello independiente Hut. En la misma compañía, en el mismo año aparecieron y con un enfoque similar, aparecerían la atmosférica balada “She’s a superstar” y “Gravity Grave”, un mesmérico corte psicodélico con un hipnótico trabajo de Simon Jones acompañando la cautivadora voz de Ashcroft.
En este primer tramo de su carrera, la banda The Verve basaba sus composiciones principalmente en disposiciones psicodélicas, heredadas de la experimentación del pop de la segunda mitad de los 60.
En 1992, en Vernon Yard Records, el grupo también publicó su primer EP, llamado simplemente “The Verve” (1992).

Un año después, en 1993, aparecerían sus siguientes singles en Hut, dos nuevos cortes psicodélicos llamados “Blue”, caótiza pieza de mayor intensidad instrumental con un denso muro sónico, y “Slide away”, otro buen tema que proseguía con sus pautas conocidas con alguna resonancia de los Cure.
“A Storm in Heaven” (1993) fue su primer LP. Un disco publicado en Hut, con diseño de portada de Brian Cannon, el cual estaba producido por el veterano John Leckie, quien llegó a ser ingeniero de sonido de John Lennon, Soft Machine, Mott The Hoople o Pink Floyd.
“A Storm in Heaven” recogía parte de sus singles previos, como “Blue” o “Slide Away”, y temas como “Star Sail”, “Beautiful Mind” o “Make it till Monday”. Disco muy ácido, etéreo, sofisticado y espacial, un álbum de cimiento psicodélico bastante aprovechable.
En 1994 giraron en el Lollapalooza y publicaron en Vernon Yard el disco “No come down” (1994), compuestos por rarezas y tomas desechadas de sus canciones más conocidas hasta el momento.

“This is music” fue su primer single en el año 1995. Sin perder la lisergia primeriza, ésta era ornamentada por guitarras más sucias permaneciendo como fondo un cáotico espacio sónico. En “This is Music” no sabes si son The Verve u Oasis los que están interpretando el tema.
Con la acústica “On your own” tienden ya más hacia el pop bien construido y arreglado y el tono melancólico que les llevaría a la fama con posterioridad. Emplean en la pieza un falsete a lo Mick Jagger en “Emotional Rescue”.
En el tema “History” muestran su sapiencia para los arreglos de cuerda y la apariencia épica en un corte influenciado por John Lennon.
Estas tres canciones aparecieron en su disco grande “A Northern Soul” (1995), otro interesante disco que contaba con la producción de Owen Morris, ingeniero de los Stranglers y productor de Oasis.

Después de este LP el grupo sufrió diversos problemas, varios de ellos derivados del alto consumo de éxtasis durante el proceso de grabación de “A Northern Soul”, que estuvieron a punto de romper la formación.
Finalmente la banda consiguió reunirse, con la incorporación del guitarra y teclista Simon Tong, para grabar su nuevo disco, el estupendo “Urban Hymns” (1997). En este álbum se encontraba la revelación comercial de The Verve, el tema “Bittersweet Symphony”. El éxito principal de esta canción se encontraba en el empleo de unos fenomenales arreglos orquestales realizados en los años 60 por el productor y arreglista Andrew L. Olham sobre la canción de sus pupilos los Rolling Stones en “The Last Time”, tema que había sido la primera cara a en single firmada por Mick Jagger y Keith Richards. “Bittersweet Symphony”, después de su éxito y tras las pertinentes reclamaciones legales, terminaría siendo acreditado a Ashcroft/Jagger/Richards.
El segundo single del LP, producido por Christopher Marc Potter (ingeniero de los Stones y Duran Duran) tenía un título bien significativo, “The Drugs Don’t Work”. La canción, una balada melódica de corte acústico y exquisitos arreglos, alcanzaría el número 1 en el Reino Unido.

Posteriormente aparecerían “Lucky Man”, medio tiempo pop de apreciable estructura melódica y estupendos arreglos, y “Sonnet”, otro magnífico corte pop con características similares al previo en cuanto a riqueza melódica y sofisticado tratamiento instrumental y vocal.
Después de “Urban Hymns” las tensiones entre Nick McCabe y Richard Ashcroft terminaron rompiendo definitivamente The Verve, dando inicio Ashcroft una carrera en solitario con “Alone with everybody” (2000), disco en el cual tocaba la guitarra Peter Salisbury que fue continuado por “Human Conditions” (2002).
Por su parte Nick McCabe produjo y tocó con Neotropic y apareció en discos de Faultline, mientras que Simon Jones y Simon Tong se unieron a John Squire (ex The Stone Roses y Seahorses) para formar The Shining.

En el año 2004 apareció un recopilatorio de singles llamado “This is Music: The Singles 92-98” (2004).

“Forth”( 2008) es el cuarto álbum en estudio de la banda.

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Uno de los grandes grupos de todos los tiempos, poco valorado en su época, su roturación vanguardista, aridez y crudeza lírica y exploración sonora en territorios del pop y el rock influyó decisivamente en el desarrollo posterior de la música moderna, ya que sin su presencia artística, movimientos como el punk o grupos de diferentes sonidos alternativos jamás hubiesen surgido.

La Velvet Underground se crea en la ciudad de Nueva York a mediados de los años 60, liderados por su principal compositor, guitarrista y cantante Lou Reed y por el instrumentista John Cale (bajo, viola, teclados).
Reed, que nació en el seno de una familia judía de clase media alta, se convirtió desde niño en un gran seguidor de la música popular y del rock’n’roll, afición que pudo poner en práctica cuando formó en su adolescencia el grupo The Shades.

Más tarde y mientras cursaba estudios en la Universidad de Siracusa consiguió un contrato como compositor para Pickwick Records.
En Pickwick se encontraría con John Cale, un muchacho galés de formación clásica que se había trasladado a los Estados Unidos gracias una beca para intentar desarrollar su talento artístico en el Conservatorio Eastman, talento que volcaba por su pasión por John Cage y los movimientos vanguardistas.
Ambos se enriquecieron mutuamente, influyendose e interesándose en plasmar sus ideas en una formación conjunta. Para la creación de la misma, reclutaron a Walter DeMaria y Tony Conrand y se hicieron llamar The Primitives. Sin demasiada fortuna, Conrand y DeMaria abandonarían el proyecto, al que pronto se unirían el guitarrista Sterling Morrison, compañero de universidad de Lou Reed y la batería Maureen “Moe” Tucker, quien reemplazó a Angus MacLise, primer ocupante del puesto en las baquetas, que decidió abandonar a sus compañeros cuando éstos comenzaron a cobrar por las actuaciones.

Rebautizados como The Velvet Underground, nombre derivado del título de un libro de sadomasoquismo escrito por Michael Leigh, el cuarteto fue visto en un concierto realizado en un local llamado Café Bizarre por Andy Warhol, peculiar personaje interesado en todo tipo de vanguardia artística y creador del movimiento pop-art.
Warhol terminó por incorporarlos a su proyecto The Exploding Plastic Inevitable, convirtiéndose asimismo en su representante y productor.

“The Velvet Underground & Nico” (1966) sería el primer y esencial trabajo de la banda en formato Lp (con la famosa portada de la banana diseñada por el propio Warhol) marcado por las composiciones de Reed y sus textos narrativos sobre los ambientes urbanos más extremos (con propensión por el mundo de las drogas y el sexo) de la Gran Manzana.
Al grupo y bajo sugerencia de Warhol se incorporó la rubia cantante y actriz alemana Nico, cuyo nombre real era Christa Paffgen.

El material, totalmente fuera de los circuitos comerciales, establecía una sugerente, acérbica e intensa mezcolanza entre avant-garde y pop-rock, con momentos repletos de fiereza y desabrimiento y otros calmos y bellamente melódicos.
Los estupendos singles que se editaron de este disco fueron “All tomorrow’s parties” (cara b “I’ll be your mirror”) y “Femme Fatale” (cara b “Sunday Morning”).

Otros momentos indelebles de un álbum clave para entender la música actual son “Heroin”, “Venus in furs”, “I’m waiting for the man”, “There she goes again” o “Black Angel’s Death Song”.

El disco, que se publicó un año después de su grabación, pasó totalmente desapercibido para la gran masa, aunque rapidamente figuró como trabajo de culto entre fervientes seguidores de las exploraciones sónicas, como David Bowie o Brian Eno.

Tras el escaso eco popular del álbum, Nico abandonó a la Velvet y Andy Warhol perdio interés en el proyecto, prosiguiendo el grupo en solitario con los conciertos y la grabación de “White light, white heat” (1967), el documento más rugoso y disonante de la carrera del grupo, de feroz anticomercialidad y neurálgica ejecución, ilustrada en temas producidos por Tom Wilson (productor de Bob Dylan, Franz Zappa o Simon & Garfunkel ) como “The gift”, “I heard her call my name” o “Sister Ray”.

La repercusión en su tiempo fue nula y John Cale, decepcionado por ello y tras mantener unas fuertes disputas personales con Lou Reed, abandonó el grupo para comenzar su carrera en solitario (posteriormente limarían sus asperezas y colaborarían juntos de nuevo). Su sustituto sería Doug Yule, ex miembro de Grass Menagerie.
Sin el principal motor vanguardista de la banda y con el predominio casi total de Reed en el diseño sonoro, la Velvet Underground publicaría su tercer disco, el homónimo “The Velvet Underground” (1969), un Lp espléndido, mucho más asequible y relajado que sus anteriores propuestas y repleto de fenomenales canciones de cuidadas melodías como “Candy says”, “Pale blue eyes”, “Beginning to see the light” o “Jesus”.

El album tampoco logró vender demasiado, al igual que “Loaded” (1970), un trabajo también soberbio en el que no aparecía una embarazada Moe Tucker (sustituida por Billy Yule). El álbum proseguía con la presentación de piezas rock y pop de vena más comercial como “Sweet Jane”, “Who loves the sun” o “Rock’n’roll”, que con el tiempo se han convertido en grandes clásicos en la carrera del conjunto neoyorquino.

Reed fue alejandose de la Velvet, lo que aprovechó Doug Yule para hacerse con las riendas del grupo. En 1970 Lou renunció a proseguir con la banda y en breve iniciaría una importante carrera en solitario.
Sterling Morrison y Moe Tucker también seguirían los pasos de su compañero y abandonaron su puesto en la formación. Yule, por su parte, publicaría con el nombre de The Velvet Underground el disco “Squeeze” (1973), un flojo trabajo que nada tenía que ver con el sonido exhibido en anteriores entregas dirigidas por la batuta de Reed y Cale.
Previamente a la aparición de “Squeeze”, se había publicado el directo “Live at Max’s Kansas City” (1972), un disco bastante mediocre que fue complementado años después por “1969: Velvet Underground Alive” (1974), un trabajo en vivo mucho más completo y recomendado que el anteriormente citado.
Con el paso del tiempo, el fundamental legado de la Velvet fue reinvidicado y revalorizado fervorosamente por críticos y músicos, lo que sirvió para recuperar estas preciadas grabaciones, incomprendidas y arrinconadas en su tiempo.
La Velvet Underground ingresaría en el Rock and Roll Hall of Fame en el año 1996, pero tristemente dos de los participantes en el desarrollo artístico de esta mítica banda no pudieron asistir al evento, la bella germana Nico, fallecida en 1988 y el guitarrista Sterling Morrison, muerto en el año 1995.

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El supergrupo Velvet Revolver surge tras el encuentro entre Scott Weiland, vocalista de Stone Temple Pilots, el antiguo guitarra de Wasted Youth Dave Kushner y tres componentes de Guns N’ Roses: el guitarrista Slash, el bajista Duff McKagan y el batería Matt Sorum.

Este proyecto comenzó a germinarse en el año 2002, cuando Slash, McKagan y Sorum hicieron una aparición el 29 de abril en un concierto tributo a Randy Castillo, batería de la Ozzy Osbourne Band fallecido en marzo del 2002.

El trío de GNR estaba acompañado en escena por el cantante de Buckcherry, Josh Todd, actuando con el nombre de Buck N’ Roses.

Tras comprobar que existía la química suficiente para organizar un grupo en serio, el cuarteto se rebautizó como Cherry Roses. Lamentablemente unos meses después, el terceto expulsó a Todd por incompatibilidad de estilos.

El grupo, conocido ahora como The Project, estuvo durante un tiempo intentando hallar al vocalista adecuado, publicando un anuncio en la prensa en el cual se pedía un cantante y compositor que recordase a los primeros Alice Cooper y Steven Tyler y al mismo tiempo que pudiese ofrecer el aspecto más duro de Lennon y McCartney.
En octubre prueba fortuna el cantante de Neurotica, Kelly Shaeffer. Tras una serie de audiciones termina siendo ignorado por el trío, al igual que, entre otros, Travis Meeks (Days of the New) o Todd Kerns (The Age of Electric).

En abril del año 2003 Scott Weiland graba con Slash, Duff y Matt una versión del tema “Money” de Pink Floyd que aparecerá en la película “The Italian Job”. Más tarde aparece “Set me free”, canción que será incluida en la banda sonora de “Hulk”. Weiland es aceptado con los brazos abiertos en el grupo para la grabación de su Lp debut, que contará también con el guitarra rítmico Dave Kushner. En este momento la banda es llamada de manera provisional Reloaded.
El 5 de junio confirman un nuevo nombre, Velvet Revolver. Revolver es sugerido por Slash, quien se acordó del famoso disco de los Beatles, y Velvet por Scott Weiland, quien en principio había sugerido Black Velvet. Fichan por la RCA y preparan su disco debut, “Contraband” (2004).

Su segundo álbum es “Libertad” (2007), disco producido por Brendan O’Brian que contiene los singles “She Builds Quick Machines” y “The Last Fight”.

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Herederos del jangle iniciado por los influyentes Byrds, del power-pop de Big Star o Badfinger o del country-rock de Gene Clark o Gram Parsons, el grupo Velvet Crush lleva grabando Lps muy recomendables desde principios de los años 90 que satisfarán a aquellos y aquellas que disfruten con grabaciones de Teenage Fanclub y sobre todo, Matthew Sweet, uno de los máximos mentores del sonido de esta melódica banda americana.

Velvet Crush se forman a finales de los años 80 en Rhode Island, Providence, siendo el núcleo de la banda el cantante y bajista Paul Chastain y el batería Ric Menck, dos veteranos de la escena musical de Illinois cuyos sonidos recalcaban su artesanía en melodías y su buen trabajo en las armonías vocales.

Con nombres como The Springfields o Choo Choo Train, Chastain y Menck hicieron sus primeras grabaciones en el sello Picture Book, propiedad del pelirrojo batería. En el sello también grabó un grupo denominado White Sisters, cuyo guitarrista era Jeffrey Borchardt, quien se incorporó al proyecto de Menck y Chastain a la par que continuaba con los Honeybunch con el nombre de Jeffrey Underhill.
“In the presence of greatness” (1991) fue su debut en Lp, un estupendo álbum de pop de guitarras producido por Matthew Sweet, amigo íntimo de Menck (colaborador habitual en los discos de Sweet) que grabó los temas en una mesa de ocho pistas, que gracias a recibir alabanzas por la prensa musical británica les supuso su fichaje por Creation.

En Creation publicaron su mejor trabajo con título dedicado a Brian Wilson, “Teenage symphonies to God” (1994), un flamante y variado álbum producido por Mitch Easter (“Let’s Active”) y mezclado por Scott Litt con instantáneas piezas power-pop y jangle-pop interpretadas con voces tersas, ritmos enérgicos, terminantes riffs de guitarra y bruñidos arreglos, y gemas melódicas humedecidas en retazos country-rock, como la versión del tema de Gene Clark “Why not your baby”. La excelente “Hold me up”, “My blank pages”, “Faster days” o “Weird Summer” son auténticos clásicos dentro de su estimable repertorio.
Lamentablemente este gran Lp no consiguió repercusión más allá de los sibaritas amantes del power-pop y el grupo no alcanzó la popularidad deseable, hecho que provocó su salida de Creation.

En 1996 Ric publicó su disco en solitario “The ballad of Ric Menck” (1996), un gratificante Lp de indie pop en donde recuperaba canciones de su etapa con los Springfields.
El álbum también contenía también varias versiones, entre ellas una de los Hollies, el tema “Clown” aparecido en el disco “For certain because”, y otra de los Pastels, “Million Tears”. También interpretaba un tema de Matthew Sweet, “Are you gonna be alrigh?”.
“Hey Wimpus: The Early Recordings” (1998), acreditado a Paul Chastain & Ric Menck, mostraba la calidad compositiva de sus grabaciones antes de convertirse en Velvet Crush.

El mismo año y en el sello Action Musik publicaron “Heavy Changes” (1998), el tercer disco de la banda de nuevo producida por Easter. “Heavy Changes” mostraba un mayor énfasis en las guitarras y en los ritmos sin perder la maestría en armonías y melodías en temas como “Think it over”, “Play for keeps” o “Standing Still”.
Al año siguiente Velvet Crush, ahora como dúo, volvió a contar con la colaboración de Matthew Sweet para producirles “Free Expresión” (1999), un disco en el cual Matthew también ayudaba en la composición de varios temas, conformando una nueva colección de canciones de gran categoría pop, con tempos diversos y pasajes eléctricos y acústicos. “Goin’ to my head”, “Between the lines”, “Gentle Breeze”, “Worst enemy” o “Shine on me” son algunos de sus mejores cortes.

“Rock Concert” (2000) fue un disco en vivo que contó con la presencia en el escenario de Tommy Keene y con la interpretación del tema de los 20/20 “Remember the lighting”, canción que sería incluida en su recopilatorio de singles “A Single Odessey” (2001), en el cual además de sus temas propios incluían covers de Gene Clark (“Elevator Operador”), Byrds (“Mr. Spaceman” de Roger McGuinn y “One hundred years from now” de Gram Parsons), The Modern Lovers (“She cracked”) y Teenage Fanclub (“Everything flows”).

Otro recopilatorio, titulado “Timeless melodies” (2001), aparecería en Japón en noviembre del mismo año que el anterior, publicado en el mes de agosto: Un año más tarde apareció de nuevo otra compilación, “Melody Freaks” (2002).
“Soft Sounds” (2002) sería su nueva entrega en estudio después de tantas recopilaciones. El disco, con colaboración de Matthew Sweet en armonías y teclados, mostraba una evolución de su sonido, como así expresa su título, hacia posturas más tranquilas e íntimas, con magníficas canciones de gradación relajada, más reflexiva, madura y melancólica, como “Staying found”, “Don’t take me down” o “She goes on”.

Entre las versiones hallamos revisiones de Scott Walker (“Duchess”), Fleetwood Mac (“Save me a place”) y Box Tops (“Rollin’ in my sleep”).
“Stereo Blues” (2004) los retomó con un sonido más guitarrero.

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Banda estadounidense de psicodelia y folk-rock surgida en California a mediados de los años 60, con similitudes sonoras con The Yardbirds, The Beau Brummels, The Byrds, The Beatles, Buffalo Springfield, Jefferson Airplane o West Coast Pop Art Experimental Band.

El grupo, procedente de San Francisco, estaba significado por contener en sus filas a una batería femenina, la también compositora y cantante Jan Errico, quien había iniciado su carrera como solista con el nombre de Jan Ashton. A su lado se encontraban el cantante Bob Bailey, el guitarra líder Bob Cole, el guitarra rítmico y teclista Ned Hollis y el bajista Rick Dey.

Después de actuar con éxito en el Morocco Room de San Mateo, los Vejtables consiguieron un contrato con Autumn Records para grabar sus primeros singles, debutando en 1965 con el excelente “I still love you”, un rítmico tema folk-rock compuesto por Errico que recordaba a los Byrds, Beatles, Buffalo Springfield o Beau Brummels y que entró en el Billboard en el puesto número 84. La cara b “Anything” estaba escrita por Bailey.

Antes de esta grabación Dey había dejado la banda para unirse a los Wilde Knights. Su sustituto sería Ron. Unos meses después de “I still love you” publicarían el sencillo “The last thing on my mind”, un cover de Tom Paxton (canción versionada también por gente como The Move o Marianne Faithfull) recibido con menos entusiasmo comercial que su primera canción.
En su breve período como banda, los Vejtables sufrieron múltiples cambios de formación. Algunos de los componentes que pasaron por el grupo fueron los guitarristas Reese Sheets, Jim Sawyers o Richard Fortunato o los bajistas Frank Smith y Bob Moseley. Este último dejaría el grupo para unirse a Moby Grape.

Antes de la entrada de Moseley la que se había marchado fue Jan Errico, quien dejó las baquetas para incoporarse a los Mojo Men. Su sustituta sería una batería llamada simplemente Kristy.
En 1966 apareció su tercer single, “Cold dreary morning”, su último tema publicado en Autumn. Los problemas económicos del sello llevó al grupo a la desaparición, hecho que se produciría tras su último sencillo, “Feel the music”, canción aparecida en el sello Uptown y que mostraba a las claras su evolución hacia postulados mucho más lisérgicos. Poco después los Vejtables terminarían separándose definitivamente.
En 1995 aparecería un recopilatorio publicado por Sundazed.

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