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Archive for the ‘Biografías & Discografías’ Category

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Banda de rock británica con apuntes progresivos, blues-rock, boogie, folk y jazzísticos, influenciados por gente como Cream, Canned Heat, Allman Brothers o Yardbirds. El grupo fue creado en la segunda mitad de los años 60 en la localidad inglesa de Torquay con el nombre de Empty Vessels antes de rebautizarse como Tanglewood. Estaba conformado en su primera encarnación por el cantante y bajista Martin Turner, el guitarrista, hermano del primero, Glen Turner, y el batería galés Steve Upton.
El grupo dio inicio a su carrera profesional tras ser descubiertos por Miles Copeland, hermano del famoso batería de The Police con quienes se convertirían en los definitivos Wishbone Ash tras la entrada de Ted Turner y Andy Powell en las guitarras y la salida de Glen Turner.

Copeland logró que firmaran un contrato discográfico con MCA Records y en 1970 apareció su estupendo disco debut producido por Derek Lawrence (miembro de los Lancasters), “Wishbone Ash” (1970), en el cual aparecía el single “Blind eye” junto a otros temas como “Lady Whiskey”, “Errors of my ways” o “Phoenix”, en donde destacaba su intensidad instrumental, en especial el prominente trabajo de guitarras.
Posteriores trabajos como “Pilgrimage” (1971), con la épica “The Pilgrim”, “Vas Dis”, “Jail Bait” o “Alone”, y sobre todo “Argus” (1972), álbum que alcanzó el puesto número 3 en el Reino Unido, confirmaron su capacidad de convocatoria popular.
En “Argus” sonaban temas como “Blowin’ Free”, canción con espléndidas armonías vocales, o “Time was”, un corte de más de nueve minutos qu ese inicia de manera acústica para después desarrollarse de manera eléctrica.

Después de otro gran disco, “Wishbone Four” (1973), uno de los mejores esfuerzos de la banda británica con piezas como “No easy road” o “Ballad of the beacon”, el grupo perdería la presencia en sus filas de Ted Turner, quien fue reemplazado en las seis cuerdas por Laurie Wisefield (ex componente de Home).
Tras la edición del apreciable doble disco en vivo “Live Dates” (1974), en donde todavía sonaba la guitarra de Ted, el grupo presentaría “There’s the rub” (1974), con temas como “Persephone” o “Lady Jay” y producción de Bill Szynczyk, quien había trabajado con gente como B. B. King o John Lee Hooker.
Curiosamente su música, a partir de los años 70, fue mejor recibida en los Estados Unidos que en su propio país natal, hecho que les llevó a cruzar el charco para instalarse en el país norteamericano.
Después de discos como “Locked in” (1976), con “Rest in peace” y producción de Tom Dowd, “New England” (1976) , “Front page news” (1977), “No smoke without fire” (1978), con el retorno a la producción de Derek Lawrence, y “Just Testing” (1980), se produjo la marcha clave de Martin Turner, que trocó el semblante del grupo a partir de ese momento.
Wishbone Ash, con diferentes incorporaciones como Claire Hamill, John Wetton o Trevor Bolder, proseguiría su rumbo grabando discos menores durante las siguientes décadas, como “Number the brave” (1981), o “Twin barrels burning” (1982).
Después de un lapso de tiempo retornarían a la formación Martin y Ted Turner para editar “Nouveau Calls” (1989) con producción de William Orbit. En esta etapa el grupo publicaba básicamente recopilatorios y discos en directo, en donde se recogen sus clásicos de los años 70.
“Illuminations” (1996), “Trance Visionary” (1999), “Psychic Terrorism” (2000), « Bonafide » (2002) o « Strange Affair» (2003) son algunos de sus últimos trabajos.

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Happy Mondays es una banda de rock alternativo formada en 1981 en Salford, Greater Manchester, Inglaterra. Hasta el año 1992, los componentes del grupo fueron el vocalista Shaun Ryder, su hermano Paul Ryder al bajo, el guitarrista Mark Day (apodado “Moose” y “Cowhead”), el teclista Paul Davis y el batería Gary Whelan. A estos cuatro hay que añadir a ‘Bez’, que tras trabar amistad con Shaun Ryder, se uniría posteriormente a las actuaciones de la banda haciendo de bailarín y percusionista. Otra incorporación fue la de Rowetta Satchell, quien a partir de principios de los noventa se encargaría de los coros. El grupo volvió a unirse en los años 1999 y 2004, pero de los componentes originarios sólo quedaron Shaun Ryder, ‘Bez’ y Gary Whelan.

El fundador de la discográfica Factory Records y el club Haçienda de Manchester, Tony Wilson, contrató a Happy Mondays durante una de las míticas “batallas de bandas” del local nocturno. Tony Wilson planificó la estrategia a seguir para hacer triunfar al grupo y dio mucha importancia a que trabajaran con productores de renombre y que su música fuera remezclada por populares disc jockeys. En 1987 grabaron su primer álbum, Squirrel and G-Man Twenty Four Hour Party People Plastic Face Carnt Smile (White Out). A finales de la década de los ochenta los de Salford ya eran una de las más importantes formaciones de la escena musical de Manchester, personificando la cultura rave y padeciendo problemas con las drogas, que fueron otra de las características de ese movimiento musical.

Su primer álbum fue producido por John Cale, ex miembro de The Velvet Underground, y, además de cimentar el estilo del grupo, basado en la comunión entre el indie pop y los ritmos bailables, les valió el reconocimiento de la prensa especializada.

En 1988 y en su bautizado como “Segundo verano del amor”, la música house explota definitivamente en los clubs de Manchester trayendo de la mano el ‘éxtasis’ y la cultura rave. En este ambiente, Happy Mondays y sus compañeros de generación eran acogidos por la prensa como the next big thing, y su segundo álbum,Bummed (1988), producido por Martin Hannett (Joy Division, New Order), fue un pelotazo con sus guitarras ácidas sobre una bases bailables.

Así, a comienzos del año 89′ Happy Mondays eran, con permiso de sus paisanos The Stone Roses, una de las bandas indie más famosas, notoriedad a la que también contribuía la publicidad que les daba sus abusos con las drogas. En este año el grupo graba el EP Madchester. Rave On, con el que sigue contando con el favor de la crítica y gran éxito entre el público. En noviembre, Happy Mondays y The Stone Roses actúan juntos en Top of the Pops, un punto de inflexión para la escena musical que lideraban ambos grupos.

El grupo recibe la década de los noventa con lo que se considera su obra maestra, Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches, con producción de Paul Oakenfold y Steve Osborne (ambos crearon el colectivo ‘Perfecto’, con el que también colaboraron con U2. Otro gran éxito en todos los sentidos, Happy Mondays se hicieron ricos y famosos, aunque pronto llegarían los problemas. El disco les llevó a encabezar el festival de Glastonbury, tocaron en Rock in Rio, la gira fue todo un éxito. Pero los problemas con las drogas y los escándalos se agravan.

A finales de 1991 la banda se marcha a las Bahamas para grabar su esperado nuevo trabajo, pero la grabación iba a ser más tensa de lo deseable Shaun Ryder llegó a amenazar a Tony Wilson con destruir las cintas de las sesiones. La prensa especializada, lejos de acoger cálidamente el nuevo trabajo, lo atacó con saña. La gira no contribuyó a salvar las cosas. El trabajo se titulaba Yes, Please! y fue producido por Chris Frantz y Tina Weymouth, que habían trabajado, entre otros, para Tom Tom Club y Talking Heads.

Happy Mondays se separaron en el año 1992, tras lo cual Shaun Ryder y Bez formaron el grupo Black Grape. Sin embargo, en el año 1999 el grupo se volvió a formar con la ausencia de Paul David y Mark Day. Sin embargo, la vuelta a la escena musical, acompañada con una gira mundial y el single The Boys are Back in Town, no sería muy larga.

En el año 2004 Happy Mondays volvieron a la carga, lanzaron un DVD con un concierto grabado en Barcelona, España, y actuaron en varios festivales durante ese año y los siguientes.

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Nació el 25 de diciembre de 1954 en Aberdeen, Escocia. Aficionada a la músicadesde su más tierna infancia, cantaba en el coro de la Iglesia. Cursó estudios de piano y flauta en la Royal Academy of Music. Siendo una adolescente, cantó en el grupo de folk “Longdancer”. En el año 1977 conoce a David Stewart, que sería su pareja artística y afectiva. Formaron el dúo Eurythmics, cuyo nombre proviene de un estilo de baile. Grabaron varios discos (el más famoso “Sweet Dreams” que vendió más de seis millones de copias en 1983). Conquistaron el mercado estadounidense con éxitos como “Sweet Dreams”, “Who’s That Girl”, “Love Is a Stranger”, “Right by Your Side”, y “Here Comes the Rain Again”. Disidencias y los deseos de continuar por caminos separados hicieron que a fines de la década del ´80 el duo se disolviera. En su carrera en solitario, en 1992 lanzó su primer single, llamado “Why”. El tema formaría parte de “Diva”, su disco debut junto a otros como “Cold” y “Walking on Broken Glass”. Ganó un Grammy por el video “Diva”. En el año 1992 grabó un Unplugged para la cadena MTV y el tema “Why” acompañó al compilado acústico que la emisora musical lanzó un año después. Casi tres años después graba su segundo disco, “Medusa”. Eurythmics volvió a juntarse en 1999, cuando lanzó en septiembre el álbum titulado “Temperamental”.
En 2003 lanza su tercer disco en solitario Bare, y cuatro años mas tarde “Songs of mass destruction” sale a la venta. Grabado en parte en el estudio que tiene su compañero de Eurythmics, Dave Stewart, en Los Angeles, la placa cuenta con la canción “Sing”, en la que participaron hasta 23 artistas femeninas consagradas. Entre ellas, Shakira, Celine Dion, Dido, Pink y Madonna.
Para el año siguiente Annie edita “The Annie Lennox Collection”, un álbum que reúne 14 de sus mayores hits de los últimos 15 años, extraídos de los discos Diva (1992), Medusa (1995), Bare (2003) y Songs of Mass Destruction (2007). El disco tenia previsto lanzarse en septiembre de 2008, pero debido a que Lennox debió someterse a una operación quirúrgica en la columna vertebral un mes antes, finalmente salió en marzo de 2009.
En noviembre de 2010 lanza un disco de temática navideña. “A Christmas Cornucopia” se titula esta producción, que incluye los villancicos favoritos de Annie y una canción nueva creada para la ocasión, llamada “Universal Child”, el primer single.
En algunas canciones participó una orquesta de treinta músicos, y con un coro de niños en Sudáfrica. El disco fue grabado en el estudio de Lennox, al suroeste de Londres, junto al co-productor Mike Stevens.

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Hay pocos grupos que después de 30 años de carrera aún sean capaces no sólo de seguir componiendo grandes canciones sino incluso de aportar algo nuevo. Pero es que TELEVISION PERSONALITIES no son un grupo cualquiera o lo que es lo mismo, Dan Treacy, el único miembro fijo de la formación, no es un músico al uso. Compositor de culto, maldito, admirado en los primeros años ochenta y olvidado justo al terminar la década, Dan ha sufrido los sinsabores del artista que consciente de su talento sueña con alcanzar el éxito y ser respetado tanto por la crítica como por el público, pero que al final no lo consigue. Y es que la vanidad, sí la vanidad, es siempre la compañera sentimental del artista, de cualquiera que se considere como tal, ya sea un genio, un mediocre o uno del montón. Pero Dan puede presumir encima, como afirmaba Alan McGee (descubridor de grupos tan importantes como OASIS, PRIMAL SCREAM o JESUS AND MARY CHAIN y jefe del sello Creation Records), de ser una mente adolescente prolífica y privilegiada. El secreto mejor guardado del pop británico sigue viviendo en un mundo marginal, aunque atrás ya quedaron los problemas con las drogas y el alcohol, al cual fans de todo el mundo siguen enganchados, cautivados por ese pop de herencia sesentera de tres acordes, cercano al punk, de aparente dejadez, con letras llenas de referencias a la cultura pop, tiernas, románticas, ácidas, ingeniosas y nostálgicas.

Dan Treacy pasó su infancia en el barrio londinense de Chelsea, donde cada día era un acontecimiento, y los mods y los rockers eran los dueños de las calles. Su pasión por la música pop ya viene de entonces, cuando ésta disfrutaba de un momento de esplendor y era respetada, y en los programas de la televisión aparecían los grupos del momento. No es de extrañar entonces que junto con sus amigos de la escuela, entre los cuales ya se encontraba Ed Ball, quien continúa formando parte de la banda en la actualidad, decidiera crear un grupo de versiones de THE WHO y PINK FLOYD. Ya en pleno apogeo del movimiento punk, Dan empieza a componer canciones fijándose en sus grupos favoritos de los 60 y en otros de su tiempo como los JAM, los BUZZCOCKS o los MODERN LOVERS y, bajo el nombre de TEEN 78, graban su primer single con sus propios ahorros. Este disco sale el año 1977 y el legendario John Peello llega a pinchar en su programa de la BBC varias veces. Al año siguiente, Dan y Ed se ponen a grabar las canciones que formaran parte del EP “Where’s Bill Grundy now?”, ya con el nombre de TV PERSONALITIES, de entre las cuales se encuentra el clásico “Part time punks”, una historia de chicos y chicas que escuchan sus discos de música punk cuando sus padres se encuentran ausentes. John Peel vuelve a poner el disco muchas veces y en nada se venden 24.000 copias. Este hecho llama la atención del sello discográfico Rough Trade que decide ficharlos, reeditar el single y publicar el siguiente, “Smashing time”. Ya como trío, el año 1980 vuelven al estudio para grabar el que será su primer LP, “And don’t the kids just love it”, uno de los álbumes esenciales para entender el pop independiente británico de años posteriores, del cual se extraería el single “I know where Syd Barrett lives”, una de sus canciones más bellas, con el canto de unos pájaros de fondo, que es un sentido homenaje al malogrado miembro original de los PINK FLOYD. Y es que este su primer disco grande ya es un claro ejemplo de la obsesión de Dan por la cultura popular en sentido amplio, desde el cine, el “free cinema” en especial, los programas de la BBC, el “pop art”, la literatura británica y la música pop.
El mismo año en que se publica el disco, Dan y Ed deciden crear su propia discográfica, Whaam! (nombre escogido de una pintura de Roy Litchenstein), en la cual grabaran, además de ellos, THE TIMES (grupo paralelo de Ed), los PASTELS y las MARINE GIRLS (primera incursión musical de Tracey Thorn, del dúo EVERYTHING BUT THE GIRL). Su segundo álbum, “Mummy your not watching me”, sale con esta etiqueta poco después y supone la incursión de la banda en territorios psicodélicos aunque aún continúan componiendo himnos con el molde de sus inicios, como “Magnificent dreams” y “If I could write poetry”, auténticas joyas de pop tierno y apasionado.

A comienzos del 1982, Ed Ball decide abandonar el grupo para concentrarse en su proyecto THE TIMES y el final de esta etapa lo marca un recopilatorio con el título irónico “They could have been bigger than The Beatles”, que incluye rarezas, tomas alternativas de canciones de sus discos previos y versiones de THE CREATION. Ya con nueva formación, Dan y compañía graban un nuevo álbum, “The painted word”, más oscuro pero también más sólido que sus últimos esfuerzos. El disco supuso el fin de las relaciones con el sello Rough Trade, debido a la controversia sobre la portada del single “A sense of belonging”, el cual suponía una clara crítica al gobierno thatcheriano, y finalmente se vio publicado el año 1984 en la propia Whaam!. Durante los seis años restantes, los TV PERSONALITIES se encontraron sin sello y se concentraron básicamente en tocar en directo, publicando tan solo el single “How I learned to love the bomb”. Finalmente, Fire Records (donde han publicado PULP, TEENAGE FANCLUB, THE PASTELS, THE LEMONHEADS, entre otros) les ofrece un contrato y publica los dos últimos discos de esta primera etapa: “Privilege” (1990) y “Closer to god” (1992). El primero, sin duda, es uno de sus mejores discos (con la divertida y psicodélica “Salvador Dali’s garden party”) y debiera haber supuesto el reconocimiento masivo; sin embargo, el grupo fue ignorado, lo que llevó a Dan a la depresión y a hundirse en una debacle anunciada. Sin embargo, se las apaña para grabar algunas canciones en solitario, confesionales y desesperadas, que formarán parte básicamente del disco “I was a mod before you was a mod”, publicado el 1995 por Overground, pero también del recopilatorio “Don’t cry baby, it’s only a movie”, que salió tres años más tarde en Damaged Goods. Por entonces, Danfue declarado legalmente desaparecido y circularon distintos rumores sobre su estado, ninguno demasiado esperanzador.

No fue hasta el 2004 que de nuevo se supo acerca de su paradero. Y fue el propio Dan quien dio señales de vida al enviar una carta a uno de sus amigos para que la hiciera pública. En ella explicaba que estaba encerrado en una cárcel pero que pronto saldría, que tenía muchas ganas de volver a grabar y que se sentía más en forma que nunca. Aquella carta llena de ironía y buenas intenciones hizo que sus fans respiraran por fin tranquilos, esperanzados con el retorno de los TV PERSONALITIES y deseosos de poder escuchar las canciones que Dan explicaba había compuesto esos años de encierro. Finalmente, dos años más tarde veía por fin la luz un nuevo álbum del grupo, esta vez con Danacompañado otra vez por Ed Ball, en la compañía Domino Records (casa de los ARCTIC MONKEYS y FRANZ FERDINAND). “My dark places” es su exorcismo particular, a veces doloroso, desesperado y otras tierno, delicado como en sus orígenes, pero siempre íntimo y honesto. Aunque no sea quizás su mejor álbum, contiene canciones tan magníficas como “Dream the sweetest dreams” y “She can stop traffic”, las cuales ya forman parte del catálogo de himnos creados por este artista inclasificable y huidizo. Además por primera vez, Dan se hace acompañar en algunos temas por una voz femenina, la de Victoria Yeulet, consiguiendo un toque aún más tierno e inocente si cabe. Inesperadamente, en el 2007 se vio publicado otro disco de los TV PERSONALITIES, “Are we nearly there yet?”, el décimo en su carrera, que pudiera parecer un álbum de descartes y rarezas pero que en realidad no lo es. Resulta que justo al salir Dan de la cárcel, se organizó en Nueva York un concierto benéfico en el que se recaudó el dinero suficiente para que pudiera volver al estudio a grabar sus nuevos temas. Y así es como, con la nueva formación, la misma que firmó “My Dark Places”, se gestaron las canciones que lo integran, entre las que se encuentran versiones de Bruce Springsteen y de THE KILLERS. Más sobrio y un poco disperso, sin embargo, esconde interesantes muestras de esta nueva etapa de Dan Treacy.

Ya para comienzos del 2008 se anuncian más discos de los TV PERSONALITIES, esta vez para la compañía Elefant Records, y entre los primeros en llegar habrá un single en vinilo, titulado “The Good Anarchist” que promete más canciones brillantes de este grupo imprescindible para entender la música pop independiente de estas tres últimas décadas.

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Los Stranglers siempre supieron, unas veces más afortunadas que otras, especialmente en su primera y fenomenal etapa, pero casi siempre con interés, acomodarse a las tendencias sonoras del momento.
Así, con influencias de la Velvet Underground, Television, los Kinks, Zappa, los Stones, los Doors o, en general, el garage-rock/proto-punk 60’s, pasaron con facilidad del pub rock al punk, la new wave o al pop de sintetizadores, en una larga carrera principiada a mediados de los años 70.
Allá, por el año 1974 y en una localidad inglesa llamada Guildford, el cantante y bajista Hugh Cornwall, el bajista y vocalista J. J. Burnell, el batería Jet Black y una de las piezas claves del grupo, el teclista Dave Greenfield, formaron un conjunto al que denominaron The Guildford Stranglers, que después de darle que te pego a los instrumentos en locales de la zona reducieron su nombre a The Stranglers cuando se decidieron a probar fortuna en Londres un año después de su creación.
Por esta primera época tocaban pub rock, música enérgica, enraizada y básica, sin pretensiones más allá del disfrute de la esencia del rock’n’roll en vivo. Después de telonear en 1976 a Patti Smith y a los Ramones, cuando éstos pisaban por primera vez un escenario británico, los Stranglers abrazaron el punk, sonidos que estallarían en las Islas al año siguiente, con la punta de lanza de los Sex Pistols o los Clash.

Aunque englobados en este primer período en el punk, los Stranglers, cimentados en el pub rock, poseían mayor talento instrumental y lírico que la mayoría de sus coetáneos, que eran bastante más inexpertos y menos imberbes que estos cuasi treintañeros.
Los Stranglers consiguieron firmar un contrato discográfico con United Artists Records y grabaron su primer single a comienzos de 1977, “Grip/London Lady” (número 44). Gracias a sus vigorosos conciertos, en los cuales a veces aparecían con camisetas con textos provocativos, insultos hacia la audiencia, bailarinas con las tetas al aire y mancebos bailando como sabían, el cuarteto logró ir ampliando su audiencia y provocando en ocasiones que cuatro feministas se airasen contra algunas de sus letras y los senos de las toplessianas danzantes. Pues mira que cosas…

Los dos temas del single aparecieron en su primer LP, “Rattus Norvegicus” (1977), un disco producido por Martin Rushent, quien había trabajado como ingeniero de sonido de T. Rex o Fleetwood Mac y más tarde produciría a una pila de conocidos nombres de la música británica, como Buzzcocks, Human League, XTC o Dr. Feelgood.
En el álbum, bastante recomendable, sonaban además canciones excelentes, de ritmos fibrosos, letras con humor y sexualidad, y un sonido con una prominente interpretación de los teclados de Greenfield, entre los Doors y, curiosamente para la época, el prog-rock de Keith Emerson, como “Hanging Around”, “Down in the sewer” o el sexual “Peaches” (número 8), uno de sus primeros grandes éxitos a pesar de resultar censurado por la BBC.

“No more heroes” (1977) fue su segundo LP, el cual incluía el famoso y sensacional tema homónimo, calcado el riff posteriormente por Elastica en su tema “Waking up”, lo que les provocó un pleito por plagio. Otro single del disco era “Something better change”, un estupendo corte velvetiano. Como cara b de este tema, y no incluido en este disco, encontrábamos “Straighten Out”, una fenomenal canción, incluso mejor que la cara a.
Los Stranglers, con detenciones puntuales y líos judiciales por posesión de drogas y demás alborotos, grabaron tras sus dos primeros trabajos del 77 “Black and white” (1978), álbum que contenía sencillos como la cuasi ska “Nice’n’ Sleazy” y la palpitante “5 Minutes”. Otro single del momento, fuera del LP, era una estupenda versión del tema de Burt Bacharach y Hal David “Walk on by”, que previamente habían interpretado, entre otros muchos y muchas, Dionne Warwick o Aretha Franklin.

Tras el directo “Live (X-Cert)” (1978) el sonido y los textos del grupo trocarían en “The Raven” (1979), adoptando posiciones mucho más pop y arty con canciones como “The Duchess”.
Otro tema del disco, menos inspirado que los anteriores, especialmente los dos primeros, era la balada de piano con diversas, tanto influencias loureedianas como jimmorrisianas, “Don’t bring Harry”.

“La Folie” (1981), con el flojo tema del mismo nombre cantado en francés, confirmaban sus propensiones a la música más experimental, dentro de pautas new wave, y la querencia por los sintetizadores y búsqueda de ambientes y conceptos, menos enfocados en las canciones.
El mejor tema del disco y uno de las grandes canciones de su carrera, es “Golden Brown” (número 2), excelente pieza de pop barroco y aire psicodélico con el clavicordio dominando la instrumentación.
También en 1981 apareció el conceptual y poco inspirado “The Men in Blak” (1981).
El recopilatorio “The Collection” (1982) regalaban otra gran composición del grupo, la bella balada “Strange Little Girl”, de atractiva disposición melódica.

“Feline” (1983), ambicioso disco publicado en Epic Records y producido por Steve Churchyard, los devolvió al estudio para grabar temas como el primer single con Epic, “European Female”, puro new wave 80’s de sintetizadores con pegadiza melodía pop.
Esta tendencia prosiguió con “Aural Sculpture” (1984), tema que contiene el single “Skin Deep”, a lo Human League, y “Dreamtime” (1986), que incluye uno de sus grandes hits, el buen y pegadizo single “Always the sun”.
Tuvo que ser con una versión de los maestros The Kinks, con el gran gran gran Ray Davies al frente, cuando la música de los Stranglers se despojara de maquinitas y volviera a revitalizarse al efectuar un cover del “All day and all of the night”, aparecida en 1987 con una primera portada con Monica Coughlan que fue censurada.
En 1988 apareció otro directo que jugaba con el título del tema, “All live and all of the night” (1988). Dos años más tarde publicaron “10” (1990), un LP que incluía, junto a temas poco memorables, una revisitación del megaclásico de los estupendos garajeros ? & The Mysterians, “96 tears”. Buen gusto en la elección del cover como single, sí, señor y buena pasta para el bueno de Rudy Martínez.
Con los años 90 Hugh Cornwall dejó el grupo para continuar su carrera en solitario que se había iniciado en 1979 con la grabación de “Nosferatu” (1979). La llegada de Paul Roberts, con quien grabaron el infumable LP “Stranglers in the night” (1993), y más cambios de formación, con la entrada de John Ellis, llevaron al grupo a la grabación de discos como “About time” (1995), “Written in red” (1997), “Coup de Grace” (1998) o “Norfolk Coast” (2004).
Dave Greenfield y J. J. Burnell había formado parte también de Purple Helmets, grupo que grabó varios discos a finales de los 80.

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La aparición de Television en los años 70 pasó sin relevancia popular en su época pero ahora su música, difícilmente encasillable dentro de la corriente punk neoyorquina, se manifiesta como una de las máximas influencias para el rock contemporáneo, en especial la hipnótica interacción guitarrera entre Richard Lloyd y el líder de la banda, Tom Verlaine, cantante, compositor y productor de la banda, la cual pasará a la historia por grabar uno de los discos clave del rock: “Marquee Moon”.

Verlaine (nacido el 13 de diciembre de 1949 en Mount Morris, Nueva Jersey) se llama en realidad Thomas Miller. Su afición literaria y su amor por el simbolismo francés (Rimbaud, Mallarmé) le llevó a adoptar artística el apellido de uno de sus autores favoritos, Paul Verlaine.
Sus padres le instruyeron dentro de la música, pero él, descubriendo a los Rolling Stones, New York Dolls o la Velvet Underground, una de sus principales influencias, decidió a comienzos de los años 70 montar un grupo de rock en compañía de su buen amigo Richard Hell (nacido como Richard Meyers el 2 de octubre de 1949), quien se ocuparía del bajo mientras que Tom tocaba la guitarra y cantaba.
Como lo del dúo no les iba mucho decidieron ampliar en Nueva York el conjunto, y, haciéndose llamar The Neon Boys, añadieron a otra guitarra, la de Richard Lloyd (nacido el 25 de octubre de 1951), y una batería, la de Billy Ficca.

Rebautizados como Television el grupo comenzaría a alcanzar popularidad en el circuito underground de la Gran Manzana, actuando en locales como el Townhouse o el mítico CBGB, en donde coincidieron con los Ramones, Blondie o con Patti Smith, quien se convertiría en la novia de Tom Verlaine, colaborando éste con la musa del punk neoyorquino en grabaciones y trabajos literarios, ya que ambos eran lectores y escritores de poesía.
Patti se casaría después, en 1980, con el ex MC5 Fred “Sonic” Smith.

Un admirador de la banda era el antiguo componente de Roxy Music, Brian Eno, quien, tras admirar sus originales composiciones rock con imprevisibles sonidos angulares que viajaban del garage-rock al jazz o al avant-gardé, les propuso grabar en Island su disco debut.
Lamentablemente a Island la música de Television les pareció poco comercial y les negaron la oportunidad de meterse en el estudio.
Tras esta negativa Richard Hell, con ganas de protagonismo más allá de parecer la sombra de Verlaine, decidió dejar a sus compañeros y grabar durante un tiempo con los Heartbreakers de Johnny Thunders.
También incómodo con estar de segundo de Thunders, llamó a Robert Quine, Ivan Julian y Marc Bell para formar Richard Hell & The Voidoids.

Mientras tanto sus antiguos colegas proseguían su rumbo, ahora con la incorporación en las cuatro cuerdas de Fred Smith (nacido el 10 de abril de 1948 en Nueva York), un tipo que estaba tocando con los Blondie de Debbie Harry que nada que ver con el Sonic de los MC5.
Con Smith al bajo Television presentarían en octubre de 1975 y en Ork Records su single debut, “Little Johnny Jewel”. Ork era el sello creado por William Terry Ork, quien actuaba como representante del cuarteto. Poco después el sello Stiff los reclamó para grabar un EP, un año antes de aparecer en Elektra el “Marquee Moon” (1977), álbum aparecido en el mes de febrero que estaba co-producido entre Verlaine y Andy Johns, hermano de Glyn Johns y antiguo ingeniero de sonido de Led Zeppelin, Mott The Hoople, Jethro Tull, Free, Ten Years After o la Bonzo Dog Band. Nada más y nada menos.
La fotografía de la portada del LP estaba realizada por Robert Mapplethorpe, un fotógrafo muy conocido en el ambiente del CBGB, que también fotografió a Patti Smith para su conocido LP “Horses”. En sus surcos, con una inusual e imaginativa comunión guitarrera y un notable calado poético en los textos, sonaban glorias como “See no evil”, “Friction”, “Venus” o “Marquee Moon” dentro de un disco repleto de joyas atemporales.

En su país el disco no vendió ni diez copias. Bueno, algunas más pero no demasiadas. Por el contrario en Gran Bretaña, y en pleno año punk, el LP, bastante distinto a los procederes frenéticos de muchos artistas británicos del estilo, sería recibido con bastante júbilo, lo mismo que con “Adventure” (1978), la continuación de “Marquee Moon”.
De nuevo en Elektra y con Verlaine, como en el anterior, como escritor de todos los temas del álbum, el grupo, ahora con la co-producción de John Jansen, ingeniero de Supertramp o Alice Cooper, presentó un LP, con piezas como “Foxhole” o “Glory”, de menor entidad, fibra y creatividad que el primero a pesar de que su escucha resulta recomendable especialmente por el tratamiento guitarrero de la pareja Verlaine/Lloyd, quien tocando se llevaban a las mil maravillas pero fuera estaban bastante distanciados, tanto que decidieron poner punto y final al grupo después del disco.

Unos años después, en el sello ROIR y en el mes de abril de 1982, apareció en su formato original solamente en casette “The Blow-Up” (1982), un directo con versiones de Bob Dylan (“Knockin’ on heaven’s door”), los Rolling Stones (“Satisfaction”) y 13th Floor Elevators (“Fire engine” titulada “The Blow-Up”), que recogía actuaciones en vivo del grupo durante la gira de 1978.

Después de la separación de Television Tom Verlaine debutaría como solista en Elektra con “Tom Verlaine” (1979). Richard Lloyd también lo intentaría el mismo año y también en Elektra con “Alchemy” (1979). Más tarde, y junto a su carrera en solitario, metería su guitarra en discos de Christ Stamey y Matthew Sweet, quien también fue acompañado en discos como “Girlfriend”, “Altered beast”, “100% fun” o “Earth” por Robert Quine.

En los años 90 viendo como muchas bandas influidas por ellos estaban copando muchas listas de ventas lo intentaron de nuevo tras una reunión que dio como fruto su tercer LP, “Television” (1992), un trabajo inferior a sus anteriores discos.
El disco no obtuvo la repercusión esperada y el grupo se deshizo de nuevo. Años más tarde volverían a juntarse para tocar puntualmente en directo.

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¡Qué grandes son Thin Lizzy y que grande es Phil Lynott! Sin duda Thin Lizzy es una de las bandas de rock más importante de los años 70 y por extensión de la historia, y Lynott uno de los mejores compositores que ha existido, con textos provenientes de una rebeldía nutrida en las calles dublinesas y de una sensibilidad poética de muestrario romántico, que le distancia mucho, y para bien, de la mayoría de sus colegas.
Autenticidad rockera, acordes contundentes, estribillos-himno, extraordinarios riffs, corpulentos ritmos, espléndido sentido melódico, notorios solos y estupendas letras conforman algunas de las particularidades de este fenomenal grupo liderado por Phil Lynott, uno de los más subestimados talentos aparecidos en este, por lo general, artificioso mundillo musical, con influencias de la Jimi Hendrix Experience, Led Zeppelin, Cream o Van Morrison.

Phil, nacido el 20 de agosto de 1949 en Dublín (Irlanda), era hijo de un brasileño negro llamado Cecil Parris y de una irlandesa blanca llamada Philomena. Cecil Parris se largaría a Brasil poco después de nacer su hijo, abandonando a su mujer y a su hijo a su suerte.
Philomena (Phyllis) se trasladaría a trabajar a Manchester, mientras que Philip fue criado en un barrio obrero de Dublín por su abuela Sarah, a quien Phyllis sufragaba monetariamente con las ganancias de un hotel que abrió en la ciudad mancuniana.
En el colegio Lynott tuvo que soportar muchas veces el desprecio por su color más oscuro y aprender a defenderse de estos vilipendios racistas. Cuando estaba en el instituto comenzó a interesarse vivamente por la música rock y en los años 60 decidió crear con su compañero estudiantil Brian Downey una banda llamada The Black Eagles. Downey se ocupaba de la batería.
Más tarde creó Kama Sutra e intimó con Gary Moore, con quien entablaría una longeva amistad, y formó parte de la banda en la que militaba, Skid Row. Posteriormente Lynott también lo intentaría con otros proyectos denominados Orphanage y Sugar Shack.

En 1969 Phil, ya con su legendario bajo Fender Precision, conoció al guitarrista Eric Bell, quien había tocado con un buen puñado de bandas, como The Bluebeats, The Deltones, Shade of Blue, The Jaguars o incluso, Them.
Con Bell formaría un power trío completado con las baquetas de su amigo Downey. El nombre de Thin Lizzy fue propuesto por Bell al acordarse del personaje de cómic Tin Lizzy.
El terceto comenzó a girar por pequeños locales interprendo versiones de Jimi Hendrix, su principal influencia en estos inicios. Tras grabar el single “The Farmer” en Parlophone y en el mes de noviembre de 1970, tras un concierto, Frank Rogers, de la Decca, les hizo una oferta para que grabaran en sus estudios. En ese concierto el grupo estaba acompañando al cantante Ditch Cassidy, a quien el gran sello seguía los pasos.

Lo primero que publicaron Thin Lizzy en Decca fue el single “Things Ain’t Working Out Down On The Farm”. Más tarde aparecería su Lp debut, “Thin Lizzy” (1971), un apreciable disco producido por Scott English, muy infravalorado y más relajado que sus Lps más conocidos en el cual lo más importante de la banda y de Lynott en particular, además del excepcional engranaje instrumental con Jimi Hendrix como principal inspiración, era que su talento compositivo arropaba a sus temas rock una impronta de sensibilidad, belleza, evocación y romanticismo poco usual, con retazos folk, blues y progresivos. Entre sus temas destacan “Clifton Grange Hotel”, “Dublin”, “Honesty is no excuse” o “Look what the wind blew in”.

Este lado poético, sensible y melódico, unido al endurecimiento de su sonido, permanecería a lo largo de toda una carrera que en principio mostraba al lírico Lynott con un estado primerizo de timidez, acusado principalmente en escena, en donde el guitarrista Eric Bell, mucho más veterano en la industria del disco, se erigía como estrella. Esto cambiaría poco después.
Después del Ep “New day” el grupo retomaría el formato álbum con “Shades of a blue orphanage” (1972), disco marcado por el apresuramiento en su composición y por el desenfocado trabajo de producción de Nick Tauber.
Rebota en los mismos concomitantes sonoros y líricos que el anterior aunque en general los temas resultan de peor calidad. A pesar de todo cualquier cosa firmada por Lynott merece la pena y “Call the police”, “Baby Face”, “Buffalo Gal” o “Brought Down” son una buena muestra de cortes aprovechables.
Al margen de estos discos en este período y con el nombre de Funky Junction, Thin Lizzy grabarían un disco con versiones de Deep Purple.
Tras “Shades of a blue orphanage” el grupo sufriría una importante transformación. Teloneando a Slade, en ese momento uno de los grupos más importantes del Reino Unido, Chas Chandler, ex miembro de los Animals y representor y productor de Slade, encoraginó a la banda diciendo que introdujeron mayor energía a sus conciertos, que incrementaran su presencia escénica.
Phil, en esos momentos ya con más confianza en sus actuaciones en directo, se despojaría de su timidez y se convertiría en el carismático frontman conocido por todos.

Como nuevo single Lynott y la banda querían sacar el tema “Black boys on the corner”, pero a su representante Ted Carroll le gustaba una versión que la banda hacía de la canción tradicional “Whisky in the jar”. A regañadientes terminaron aceptando y el single logró sacar del anonimato a la formación irlandesa, alcanzando en el Reino Unido el puesto número 6 en 1973. En Irlanda llegaría a lo más alto.
“Vagabongs of the western world” (1973) fue su tercer Lp para la Decca. Un gran disco con temas como “Mama nature said”, “The hero and the madman”, “Slow Blues” o su clásico “The Rocker”.

Tras este álbum y como la importancia de Lynott se hacía creciente en el grupo, Eric Bell decidió dejar la formación, provocando otro cambio significativo para el devenir de la banda. En principio dejaron la Decca para publicar en Mercury.
Para reemplazar a Bell y tocar en directo se unió brevemente al grupo Gary Moore, amigo de Phil. Moore se marcharía poco después. Por el grupo pasaron varios guitarristas, como Andy Gee, quien tocó con Pete Bardens (miembro de Them y Camel), y Johnny Du Can (ex Atomic Rooster) hasta la definitiva incorporación de la pareja de guitarras proporcionadas por el estadounidense Scott Gorham y el escocés Brian “Robbo” Robertson, quienes transmutaron a la banda hacia sonidos más hard-rock, que todavía no dominarían en “Night Life” (1974), un disco producido por Ron Nevison (colaborador de los Who, Led Zeppelin o Bad Company) en el que habían colado la guitarra de Gary Moore en la balada “Still in love with you”.
El álbum ofrecía un sonido aplacado, con concesiones al soul, al blues, al funk y acicalados arreglos. No es de sus trabajos más esenciales pero las composiciones de Lynott deparan en varias ocasiones ese feeling especial que él solamente posee y que lo hace bastante recomendable.

Gorham y Robertson no se sintieron demasiado satisfechos con el álbum anterior. Para resarcirse y demostrar su valía en las seis cuerdas aparecería “Fighting” (1975), Lp producido en solitario por Phil que exhibía el sonido que convertiría a Thin Lizzy en héroes del hard rock con influencias de Led Zeppelin, Cream o Hendrix, aunando un sonido rocoso de guitarras con la melodía y la sensibilidad de Lynott para crear fenomenales discos.
“Fighting”, con la preciosa “Wild one”, “Suicide”, “Ballad of a hard man” (compuesta por Gorham) o “Fighting my way back”, se abría con una espléndida versión de Bob Seger, “Rosalie”. Con Seger y la Bachman Turner Ovedrive la banda giraría por los Estados Unidos en 1975.

Thin Lizzy lograrían su apogeo con la publicación de “Jailbreak” (1976), el álbum definitivo del grupo en esta etapa.
Producido por John Alcock, quien previamente le había producido los discos a John Entwisle en solitario, el álbum es un auténtico festín de gran rock, comenzado por la espléndida canción que da título al álbum y una de las mejores de su repertorio.

Lo tiene todo. Fuerza, imaginería, emocionalidad, melodía, intensidad, poesía, rebeldía…todos sus temas resultan excelentes. Entre ellos y junto a “Jailbreak”, “Warrior”, “Romeo and the lonely girl” “Cowboy song”, “Emerald”, “Running back” o el megaclásico “The boys are back in town”, el único tema que pegó con fuerza en los Estados Unidos, son parte de un álbum inmortal.
“Johnny The Fox” (1976) apareció el mismo año de “Jailbreak” y volvió a satisfacer con sus mismas constantes. Phil sufrió hepatitis mientras estaba de gira y el grupo se refugió en el estudio para grabar este trabajo con fenomenales cortes como “Don’t believe a word” o “Borderline”.
En el álbum, producido de nuevo por Alcock, colaboraba como invitado Phil Collins aportando su experiencia en la percusión.

Después del disco Robertson sufrió un accidente en su mano tras una pelea en un pub, hecho que le impidió proseguir las actuaciones. Su reemplazo en directo sería Gary Moore, quien de nuevo se prestó ante el requerimiento de Phil.
En 1977 retornaron a los Estados Unidos para girar junto a Queen. Ese año, el del nacimiento del punk británico, publicaron “Bad Reputation” (1977), un magnífico y diverso trabajo producido nada más y nada menos que por Tony Visconti, quien supo perfilar con prolijidad el buen material que tenía en sus manos. Su mujer, la cantante Mary Hopkin, metió voces en la grabación del álbum.
“Dancing in the moonlight”, “Killer without a cause”, “Southbound”, “Downtown sundown”, “Soldier of fortune” o la propia “Bad Repution” son algunos de los momentos más destacados de este Lp.

La exitosa trayectoria de Thin Lizzy, especialmente en Gran Bretaña, se vio refrendada por el directo “Live and Dangerous” (1978), uno de los mejores discos en vivo jamás grabados que contó otra vez con la sabia producción de Visconti.
Mientras muchos rockeros de los 70 eran criticados por los nuevos jóvenes punks de finales de década, Lynott era respetado y requerido para colaboraciones. Así llegó a formar con Paul Cook y Steve Jones (miembros de Sex Pistols) un grupo paralelo llamado Greedies (denominado en principio The Greedy Bastards), con el que actuaron en diferentes ocasiones en vivo.

En 1978 también se produjo la salida de Robertson, muy afectado por el consumo de drogas y alcohol, al igual que Phil y Scott, y en conflicto permanente con los otros miembros del grupo. El solícito Gary Moore, que también estuvo involucrado en el proyecto de The Greedy Bastards, retornaría al seno de la banda.
Con Moore y de nuevo con Visconti grabarían “Black Rose: A Rock Legend” (1979), otro disfrutable trabajo de rock clásicoq ue incluye temas como “Do anything you want”, “Got to give it up” o “Waiting for the alibi”. Huey Lewis aparecía en el álbum tocando la armónica.
Tras el Lp Gary dejó el grupo y su reemplazo en principio fue Midge Ure, el miembro de Ultravox. Posteriormente llegarían Dave Flett y Snowy White (Pink Floyd), con quien grabarían “Chinatown” (1980), disco, ya sin Visconti en la producción y con el añadido de los teclados de Darren Wharton, que reincidía en su vibrante hard rock melódico. El álbum, con portada diseñada por Linda McCartney, contiene buenos temas como “Killer on the loose” o la propia “Chinatown”.

En 1980 Lynott, que contrajo matrimonio con Caroline Crowehter, hija del presentador televisivo Leslie Crowther, también publicó su primer disco como solista, “Solo in Soho” (1980), un apreciable trabajo en el que colaboró Mark Knopfler.
Dos años después retornaría en solitario con “The Philip Lynott Album” (1982), álbum en el que Knopfler, además de colaborar con su guitarra, se ocupaba de la producción.
El problema para Phil es que las drogas fueron minando seriamente su salud y esto se vio reflejado en su trabajo compositivo. “Renegade” (1981), co-producido por Chris Tsangarides (Japan, Judas Priest), resultó ser uno de sus peores discos y en el que se aprecia una mayor tendencia a conceptos heavys, con energía pero mayor previsibilidad y menor creatividad en las composiciones. “Renegade” o “Hollywood” todavía merecen una escucha.

Después del álbum y la gira de apoyo al mismo, Snowy White abandonaría la formación. Su sustituo fue John Sykes, antiguo componente de Tygers of Pan Tangs que brilla con la guitarra en “Thunder and Lightning” (1983), un álbum con una viscosa producción metalera, en consonancia con la época ochentera, que le valió para cosechar el triunfo comercial gracias a piezas como el título homónimo, “The Holy War” o “Cold Sweat”.
Tras este álbum, una gira de despedida Thin Lizzy y el directo “Life” (1983) la banda dejaría de existir. En 1984 Lynott, tras desecharse el proyecto The Three Musketeers con Sykes y Downey, creó Grand Slam con el guitarrista Laurence Archer, el bajista Dois Nagle, el batería Robbie Brennan y el teclista Mark Stanway.
Lamentablemente ninguna compañía discográfica confió en un Phil muy tocado por su adicción a las drogas, la cual le llevaría a la muerte el 4 de enero de 1986 tras una sobredosis. Tenía 36 años.

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