Feeds:
Entradas
Comentarios

Archive for the ‘V’ Category

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Banda de punk británico creada en el año 1976. Estaba formada por el cantante y guitarrista Ian Carnochan, más conocido como “Knox”, el guitarrista John Ellis, el bajista Pat Collier y el batería Eddie.

El grupo comenzó a ejecutar sus fibrosos sonidos como teloneros de conocidos conjuntos del momento, como los Stranglers o los Sex Pistols, cabecillas de la escena punk del momento que deseaba retornar con energía a la música previa a los instrumentistas virtuosos que dominaban el panorama británico durante gran parte de los años 70. Aquí se iba al grano y directo a las vísceras de la melodía y ritmo más brioso.

El contacto con Chris Spedding llevó a los Vibrators a grabar sus primeros singles, temas como “We Vibrate” y “Pogo Dancing”.

Debutaron en formato grande con “Pure Mania” (1977), un Lp espléndido de punk-pop, el mejor de su larga carrera, editado en Epic, producido por Robin Mayhew, y dominado por su capacidad rítmica, sus pegadizas melodías, y su intensidad instrumental en temas como “Yeah Yeah Yeah”, “No Heart” o “I Need a Slave”.

Después de “Pure Mania” se produjo la salida de Pat Collier y la entrada en el bajo de Gary Tibbs. “V2” (1978), con el single “Automatic Lover”, volvió a ofrecer un notable muestrario de su urgente proceder musical.

La inestabilidad en el seno del grupo para compactar una formación regular provocó que el proyecto fuese perdiendo solidez.
Ellis fue el siguiente en dejar el grupo, que se vio aumentado por la llegada de Dave Birch y el teclista Don Snow, con los que grabaron el single “Judy Says (Knock You In The Head)” antes de separarse.

Retornaron en los años 80 grabando nuevos discos como “Guilty” (1983), editado en Anagram, “Alaska 127” (1984), aparecido en Gram, al igual que “Fifth Amendment” (1985).
Más tarde ficharon por FM y publicaron LPs como “Recharged” (1988), “Meltdown” (1988), “Vicious Circle” (1989) y “Volumen 10” (1990), trabajos que no lograron la resonancia de sus dos primeros discos.
“Hunting for you” (1994), “French lessons with correction” (1997), “Energize” (2002) y varios trabajos en vivo son algunos de los últimos LPs de la banda.

Anuncios

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

La banda se formó cuando Taylor y Mason se reunieron en el Art College de Cardiff en 2004. Junto con el baterista Daman hicieron su debut discográfico a principios de 2006, con la edición limitada de “The Tales of Hermit Mark” / “My Son Spell Backwards”, lanzado en la primavera y el doble “”Amateur Man” / “Ban the Gin” lanzado el verano siguiente, en  Fantastic Plastic Records  . Su debut homónimo fue lanzado en otoño de 2006, el primer single “Impossible Sightings Over Shelton”  debutó en el número diez en el UK Indie Chart  . Mientras escribía el siguiente álbum, la banda se presentó en el festival SXSW en Austin, Texas en 2007 y 2008, dio a conocer en francés la versión del sencillo “La Mer” y realizó varias giras en el Reino Unido y Europa.

Love on an Oil Rig fue el segundo álbum de larga duración. Al igual que el primer álbum, fue grabado con la formación original de Taylor, Mason y Daman. Fue lanzado el 14 de septiembre de 2009, con la discográfica This Is Fake DIY Records en el Reino Unido, y Flowershop Recordings  en Europa. El primer sencillo fue “Parrot”. El álbum fue promocionado con una gira a través de la Reino Unido y Europa a la que se unieron Steph Jones y Lazenby para presentaciones en vivo después de la salida del baterista Daman. Touring incluye una actuación en las galerías superiores del Museo Nacional de Gales en noviembre de 2009 para abrir SWN festival.

James Griffiths se convirtió en el baterista de la banda en abril de 2010. La banda se encuentra actualmente escribiendo y grabando el tercer álbum, que se lanzará a principios de 2011. El sonido de la banda ha pasado de su sonido temprano de punk minimalista, a un sonido más oscuro, más crudo y más pesado.

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Cuarteto estadounidense de los años 60, The Vogues practicaban un pop vocal deudor tanto de los primeros grupos de la Invasión Británica como del Brill Building Pop, incidiendo también en sonidos folk-rock con ejecuciones siempre singularizadas por su distinción vocal.

El grupo, procedente de la localidad de Turtle Creek, en Pennsylvania, se formó en 1960, compuesto por Bill Burkette, Don Miller, Hugh Geyer y Chuck Blasco. En principio se hacían llamar The Val-Airs, pero tras grabar el single “Laurie, My Love” en el sello Coral Records, decidieron rebatutizarse como The Vogues cuando firmaron con la compañía Blue Star Records.

En 1965 y regrabado en Co & Ce Records, los Vogues publicaron “You’re the one”, un tema de Petula Clark, que la cantante inglesa co-escribió con Tony Hatch. El tema, realizado con huellas de los Searchers, Turtles o Fortunes que consiguió un excelente resultado comercial, consiguiendo llegar hasta el puesto 4 en las listas estadounidenses gracias a la calidad de la composición y a la experta combinación de voces barítonas (Burkette y Miller) y de tenor (Geller y Blasco) que caracterizaban al grupo.
La continuación sería el excelente “Five o’clock world”, un corte folk-rock escrito para el grupo por Allen Reynolds que volvería a ocupar el número 4 en el Billboard en el año 1966. La canción sería versionada posteriormente por gente como Julian Cope, Hal Ketchum o los Proclaimers.

En 1966 los Vogues sacarían al mercado temas como “Magic Town” (número 21), composición de Barry Mann y Cynthia Weil, “Please Mr. Sun” (número 48), cover the Johnny Ray, “That’s the tune” (número 99) y “The land of milk and honey” (número 29), tema escrito para los Vogues por la pareja de compositores de John Hurley y Ronnie Wilkins, los mismos que le compusieron a Dusty Springfield su famoso tema “Son Of A Preacher Man”.
La canción “That’s The Tune”, compuesta para el cuarteto americano por el miembro de las bandas bubblegum Ohio Express y 1910 Fruitgum Company, Joey Levine, y su compañero de fatigas en la escritura de canciones Artie Resnick, sería versionada por P. J. Proby.

Tras este descenso en ventas, los Vogues, después del single “Brighter Days”, no retornarían al mundo del disco hasta 1968, época en la que publicaron en Reprise el exitoso single “Turn around, look at me” (número 7), escrito a comienzos de los años 60 por Jerry Capehart y cantado por primera vez por Glen Campbell. Posteriormente, y antes de los Vogues, lo harían los Bee Gees.
En Reprise publicarían preferentemente versiones de antiguos éxitos.
En octubre de 1968, los Vogues publicaron “My special angel” (número 7), versión de Bobby Helms. “Till” (número 27), adaptación del girl group The Angels, y “Earth Angel” (número 42), una revisitación del tema de los Penguins, “No, not much”, de los Four Lads, “Hey, that’s no way to say goodbye” de Leonard Cohen o “Since I don’t have you” del grupo doo wop The Skyliners fueron algunos de sus sencillos antes de su salida del mainstream.

Read Full Post »

Banda de Nueva York incluida dentro del revival garajero que en los años 80 recuperó los sonidos psicodélico-garajeros de los años 60, remedando a excelentes grupos como los Remains, Standells, Electric Prunes, Blues Magoos o Chocolate Watchband.
Los Vipers, compuestos por el cantante y saxofonista Jon Weiss, los guitarristas David Mann, también teclista, y Paul Martin, el bajista Graham May, y el batería Pat Brown, grabaron una serie de discos bastante valiosos, como “Outta The Nest” (1984) o “How About Somemore?” (1987), en donde con tremenda energía y sentido melódico incidían en las citadas músicas que moldean su excitante sonido, muyrecomendable para los amantes de grupos coetáneos como The Lyres, Cynics o Chesterfield Kings, gente que en los 80 nos retrotraían a mediados de los años 60.

Jon Weiss, al margen de los Vipers y otro grupo como Maryjane, creó el sello Cavestomp!, en donde impulsó los fantásticos sonidos garajeros también con festivales en donde aparecían los míticos grupos de los 60 junto a conjuntos inspirados por aquellos.

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Una banda australiana de pop-rock alternativo deudora del grunge de Nirvana, del brit pop de Oasis o The Verve, de sus compatriotas You Am I, y de la etapa psicodélica de los Beatles, con momentos para la explosión guitarrera y para la edificación de atmosféricos tempos lisérgicos con sesudas armonías vocales. Otros grupos que han influenciado su escritura son los Kinks del “Village Green Preservation Society” o los Beach Boys del “Pet Sounds”.
Los Vines, creados en la ciudad de Sidney en los últimos compases del siglo XX, están liderados por el cantante y guitarrista Craig Nicholls, hijo del principal componente de un grupo australiano de los años 60, The Vynes. Junto a Nicholls se encuentran el bajista Patrick Matthews, encargado también de las armonías, y el batería David Oliffe. Los tres se conocieron trabajando en un McDonalds.
Como homenaje a los Beatles, The Vines comenzaron su carrera haciéndose llamar Rishikesh, localidad hindú en la cual estuvieron los Fab Four en su viaje al subcontinente asiático.

Después de actuar en vivo los Vines consiguieron comenzaron a mandar demos a diferentes sellos, con temas como “Factory”, “Mary Jane” o “Country yard”. “Factory” aparecería en el año 2001 en Rex Rec, mientras que “Hot Leather” sería publicado en el 2002 en Illustrious Artists.

Sus siguientes singles ya aparecerían en el sello británico, Heavenly Records, publicando temas como “Highly evolved”, “Get Free” y “Outtathaway!”. Tras girar por Europa, David Oliffe dejaría el grupo antes de grabar su primer LP, con una portada pintada por el propio Nicholls y producción de Rob Schnapf, quien había trabajado con Beck, Fu Manchu o Foo Fighters, sería “Highly Evolved” (2002), un disco recibido con grandes alabanzas por la prensa británica, definido como una mixtura entre Beatles y Nirvana, sonidos post-grunge con incisión en la psicodelia de finales de los 60 y algún que otro trazo garajero.
Entre las colaboraciones destacaban las del teclista Roger Manning (ex Jellyfish) y la batería de Victor Indrizzo (Redd Kross, Circus of Power, Masters of Reality).

Con posterioridad al álbum ocuparía las baquetas Hamish Rosser. Junto a la incorporación de Rosser también se añadiría al grupo el guitarrista Ryan Griffiths, quienes tocan en “Winning days” (2004).

El mismo año de la aparición de “Winning days” se le diagnosticó a Craig Nicholls el síndrome de Asperger.
Wayne Colley produjo su siguiente LP, “Vision Valley” (2006). Más tarde aparecieron discos como “Melodia” (2008) y “Future Primitive” (2011).

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Liderados por Richard Ashcroft, The Verve fueron una de las bandas pioneras en el llamado brit-pop, grupos que recogían en su escritura los sonidos de bandas y solistas británicos de finales de la década de los 60, principios de los 70, en especial los Beatles, Rolling Stones, Pink Floyd o Kinks, y la psicodelia y el dream pop de los Stone Roses, quienes, a su vez, tomaban básicamente los postulados anteriorente citados.

Junto al vocalista Richard Ashcroft (nacido el 11 de septiembre de 1971), The Verve, estaban compuestos por el guitarrista Nick McCabe, el bajista Simon Jones y el batería Peter Salisbury.

En 1989 el grupo inglés dio sus primeros pasos en Wigan. En 1992 adelantaban con dos años el exitoso sonido de Oasis con su primer single, “All in the mind”, tema marcado por texturas lisérgicas, con excelentes guitarras de Nick McCabe, publicado en el sello independiente Hut. En la misma compañía, en el mismo año aparecieron y con un enfoque similar, aparecerían la atmosférica balada “She’s a superstar” y “Gravity Grave”, un mesmérico corte psicodélico con un hipnótico trabajo de Simon Jones acompañando la cautivadora voz de Ashcroft.
En este primer tramo de su carrera, la banda The Verve basaba sus composiciones principalmente en disposiciones psicodélicas, heredadas de la experimentación del pop de la segunda mitad de los 60.
En 1992, en Vernon Yard Records, el grupo también publicó su primer EP, llamado simplemente “The Verve” (1992).

Un año después, en 1993, aparecerían sus siguientes singles en Hut, dos nuevos cortes psicodélicos llamados “Blue”, caótiza pieza de mayor intensidad instrumental con un denso muro sónico, y “Slide away”, otro buen tema que proseguía con sus pautas conocidas con alguna resonancia de los Cure.
“A Storm in Heaven” (1993) fue su primer LP. Un disco publicado en Hut, con diseño de portada de Brian Cannon, el cual estaba producido por el veterano John Leckie, quien llegó a ser ingeniero de sonido de John Lennon, Soft Machine, Mott The Hoople o Pink Floyd.
“A Storm in Heaven” recogía parte de sus singles previos, como “Blue” o “Slide Away”, y temas como “Star Sail”, “Beautiful Mind” o “Make it till Monday”. Disco muy ácido, etéreo, sofisticado y espacial, un álbum de cimiento psicodélico bastante aprovechable.
En 1994 giraron en el Lollapalooza y publicaron en Vernon Yard el disco “No come down” (1994), compuestos por rarezas y tomas desechadas de sus canciones más conocidas hasta el momento.

“This is music” fue su primer single en el año 1995. Sin perder la lisergia primeriza, ésta era ornamentada por guitarras más sucias permaneciendo como fondo un cáotico espacio sónico. En “This is Music” no sabes si son The Verve u Oasis los que están interpretando el tema.
Con la acústica “On your own” tienden ya más hacia el pop bien construido y arreglado y el tono melancólico que les llevaría a la fama con posterioridad. Emplean en la pieza un falsete a lo Mick Jagger en “Emotional Rescue”.
En el tema “History” muestran su sapiencia para los arreglos de cuerda y la apariencia épica en un corte influenciado por John Lennon.
Estas tres canciones aparecieron en su disco grande “A Northern Soul” (1995), otro interesante disco que contaba con la producción de Owen Morris, ingeniero de los Stranglers y productor de Oasis.

Después de este LP el grupo sufrió diversos problemas, varios de ellos derivados del alto consumo de éxtasis durante el proceso de grabación de “A Northern Soul”, que estuvieron a punto de romper la formación.
Finalmente la banda consiguió reunirse, con la incorporación del guitarra y teclista Simon Tong, para grabar su nuevo disco, el estupendo “Urban Hymns” (1997). En este álbum se encontraba la revelación comercial de The Verve, el tema “Bittersweet Symphony”. El éxito principal de esta canción se encontraba en el empleo de unos fenomenales arreglos orquestales realizados en los años 60 por el productor y arreglista Andrew L. Olham sobre la canción de sus pupilos los Rolling Stones en “The Last Time”, tema que había sido la primera cara a en single firmada por Mick Jagger y Keith Richards. “Bittersweet Symphony”, después de su éxito y tras las pertinentes reclamaciones legales, terminaría siendo acreditado a Ashcroft/Jagger/Richards.
El segundo single del LP, producido por Christopher Marc Potter (ingeniero de los Stones y Duran Duran) tenía un título bien significativo, “The Drugs Don’t Work”. La canción, una balada melódica de corte acústico y exquisitos arreglos, alcanzaría el número 1 en el Reino Unido.

Posteriormente aparecerían “Lucky Man”, medio tiempo pop de apreciable estructura melódica y estupendos arreglos, y “Sonnet”, otro magnífico corte pop con características similares al previo en cuanto a riqueza melódica y sofisticado tratamiento instrumental y vocal.
Después de “Urban Hymns” las tensiones entre Nick McCabe y Richard Ashcroft terminaron rompiendo definitivamente The Verve, dando inicio Ashcroft una carrera en solitario con “Alone with everybody” (2000), disco en el cual tocaba la guitarra Peter Salisbury que fue continuado por “Human Conditions” (2002).
Por su parte Nick McCabe produjo y tocó con Neotropic y apareció en discos de Faultline, mientras que Simon Jones y Simon Tong se unieron a John Squire (ex The Stone Roses y Seahorses) para formar The Shining.

En el año 2004 apareció un recopilatorio de singles llamado “This is Music: The Singles 92-98” (2004).

“Forth”( 2008) es el cuarto álbum en estudio de la banda.

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Uno de los grandes grupos de todos los tiempos, poco valorado en su época, su roturación vanguardista, aridez y crudeza lírica y exploración sonora en territorios del pop y el rock influyó decisivamente en el desarrollo posterior de la música moderna, ya que sin su presencia artística, movimientos como el punk o grupos de diferentes sonidos alternativos jamás hubiesen surgido.

La Velvet Underground se crea en la ciudad de Nueva York a mediados de los años 60, liderados por su principal compositor, guitarrista y cantante Lou Reed y por el instrumentista John Cale (bajo, viola, teclados).
Reed, que nació en el seno de una familia judía de clase media alta, se convirtió desde niño en un gran seguidor de la música popular y del rock’n’roll, afición que pudo poner en práctica cuando formó en su adolescencia el grupo The Shades.

Más tarde y mientras cursaba estudios en la Universidad de Siracusa consiguió un contrato como compositor para Pickwick Records.
En Pickwick se encontraría con John Cale, un muchacho galés de formación clásica que se había trasladado a los Estados Unidos gracias una beca para intentar desarrollar su talento artístico en el Conservatorio Eastman, talento que volcaba por su pasión por John Cage y los movimientos vanguardistas.
Ambos se enriquecieron mutuamente, influyendose e interesándose en plasmar sus ideas en una formación conjunta. Para la creación de la misma, reclutaron a Walter DeMaria y Tony Conrand y se hicieron llamar The Primitives. Sin demasiada fortuna, Conrand y DeMaria abandonarían el proyecto, al que pronto se unirían el guitarrista Sterling Morrison, compañero de universidad de Lou Reed y la batería Maureen “Moe” Tucker, quien reemplazó a Angus MacLise, primer ocupante del puesto en las baquetas, que decidió abandonar a sus compañeros cuando éstos comenzaron a cobrar por las actuaciones.

Rebautizados como The Velvet Underground, nombre derivado del título de un libro de sadomasoquismo escrito por Michael Leigh, el cuarteto fue visto en un concierto realizado en un local llamado Café Bizarre por Andy Warhol, peculiar personaje interesado en todo tipo de vanguardia artística y creador del movimiento pop-art.
Warhol terminó por incorporarlos a su proyecto The Exploding Plastic Inevitable, convirtiéndose asimismo en su representante y productor.

“The Velvet Underground & Nico” (1966) sería el primer y esencial trabajo de la banda en formato Lp (con la famosa portada de la banana diseñada por el propio Warhol) marcado por las composiciones de Reed y sus textos narrativos sobre los ambientes urbanos más extremos (con propensión por el mundo de las drogas y el sexo) de la Gran Manzana.
Al grupo y bajo sugerencia de Warhol se incorporó la rubia cantante y actriz alemana Nico, cuyo nombre real era Christa Paffgen.

El material, totalmente fuera de los circuitos comerciales, establecía una sugerente, acérbica e intensa mezcolanza entre avant-garde y pop-rock, con momentos repletos de fiereza y desabrimiento y otros calmos y bellamente melódicos.
Los estupendos singles que se editaron de este disco fueron “All tomorrow’s parties” (cara b “I’ll be your mirror”) y “Femme Fatale” (cara b “Sunday Morning”).

Otros momentos indelebles de un álbum clave para entender la música actual son “Heroin”, “Venus in furs”, “I’m waiting for the man”, “There she goes again” o “Black Angel’s Death Song”.

El disco, que se publicó un año después de su grabación, pasó totalmente desapercibido para la gran masa, aunque rapidamente figuró como trabajo de culto entre fervientes seguidores de las exploraciones sónicas, como David Bowie o Brian Eno.

Tras el escaso eco popular del álbum, Nico abandonó a la Velvet y Andy Warhol perdio interés en el proyecto, prosiguiendo el grupo en solitario con los conciertos y la grabación de “White light, white heat” (1967), el documento más rugoso y disonante de la carrera del grupo, de feroz anticomercialidad y neurálgica ejecución, ilustrada en temas producidos por Tom Wilson (productor de Bob Dylan, Franz Zappa o Simon & Garfunkel ) como “The gift”, “I heard her call my name” o “Sister Ray”.

La repercusión en su tiempo fue nula y John Cale, decepcionado por ello y tras mantener unas fuertes disputas personales con Lou Reed, abandonó el grupo para comenzar su carrera en solitario (posteriormente limarían sus asperezas y colaborarían juntos de nuevo). Su sustituto sería Doug Yule, ex miembro de Grass Menagerie.
Sin el principal motor vanguardista de la banda y con el predominio casi total de Reed en el diseño sonoro, la Velvet Underground publicaría su tercer disco, el homónimo “The Velvet Underground” (1969), un Lp espléndido, mucho más asequible y relajado que sus anteriores propuestas y repleto de fenomenales canciones de cuidadas melodías como “Candy says”, “Pale blue eyes”, “Beginning to see the light” o “Jesus”.

El album tampoco logró vender demasiado, al igual que “Loaded” (1970), un trabajo también soberbio en el que no aparecía una embarazada Moe Tucker (sustituida por Billy Yule). El álbum proseguía con la presentación de piezas rock y pop de vena más comercial como “Sweet Jane”, “Who loves the sun” o “Rock’n’roll”, que con el tiempo se han convertido en grandes clásicos en la carrera del conjunto neoyorquino.

Reed fue alejandose de la Velvet, lo que aprovechó Doug Yule para hacerse con las riendas del grupo. En 1970 Lou renunció a proseguir con la banda y en breve iniciaría una importante carrera en solitario.
Sterling Morrison y Moe Tucker también seguirían los pasos de su compañero y abandonaron su puesto en la formación. Yule, por su parte, publicaría con el nombre de The Velvet Underground el disco “Squeeze” (1973), un flojo trabajo que nada tenía que ver con el sonido exhibido en anteriores entregas dirigidas por la batuta de Reed y Cale.
Previamente a la aparición de “Squeeze”, se había publicado el directo “Live at Max’s Kansas City” (1972), un disco bastante mediocre que fue complementado años después por “1969: Velvet Underground Alive” (1974), un trabajo en vivo mucho más completo y recomendado que el anteriormente citado.
Con el paso del tiempo, el fundamental legado de la Velvet fue reinvidicado y revalorizado fervorosamente por críticos y músicos, lo que sirvió para recuperar estas preciadas grabaciones, incomprendidas y arrinconadas en su tiempo.
La Velvet Underground ingresaría en el Rock and Roll Hall of Fame en el año 1996, pero tristemente dos de los participantes en el desarrollo artístico de esta mítica banda no pudieron asistir al evento, la bella germana Nico, fallecida en 1988 y el guitarrista Sterling Morrison, muerto en el año 1995.

Read Full Post »

Older Posts »