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Posts Tagged ‘ALTERNATIVE ROCK’

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Happy Mondays es una banda de rock alternativo formada en 1981 en Salford, Greater Manchester, Inglaterra. Hasta el año 1992, los componentes del grupo fueron el vocalista Shaun Ryder, su hermano Paul Ryder al bajo, el guitarrista Mark Day (apodado “Moose” y “Cowhead”), el teclista Paul Davis y el batería Gary Whelan. A estos cuatro hay que añadir a ‘Bez’, que tras trabar amistad con Shaun Ryder, se uniría posteriormente a las actuaciones de la banda haciendo de bailarín y percusionista. Otra incorporación fue la de Rowetta Satchell, quien a partir de principios de los noventa se encargaría de los coros. El grupo volvió a unirse en los años 1999 y 2004, pero de los componentes originarios sólo quedaron Shaun Ryder, ‘Bez’ y Gary Whelan.

El fundador de la discográfica Factory Records y el club Haçienda de Manchester, Tony Wilson, contrató a Happy Mondays durante una de las míticas “batallas de bandas” del local nocturno. Tony Wilson planificó la estrategia a seguir para hacer triunfar al grupo y dio mucha importancia a que trabajaran con productores de renombre y que su música fuera remezclada por populares disc jockeys. En 1987 grabaron su primer álbum, Squirrel and G-Man Twenty Four Hour Party People Plastic Face Carnt Smile (White Out). A finales de la década de los ochenta los de Salford ya eran una de las más importantes formaciones de la escena musical de Manchester, personificando la cultura rave y padeciendo problemas con las drogas, que fueron otra de las características de ese movimiento musical.

Su primer álbum fue producido por John Cale, ex miembro de The Velvet Underground, y, además de cimentar el estilo del grupo, basado en la comunión entre el indie pop y los ritmos bailables, les valió el reconocimiento de la prensa especializada.

En 1988 y en su bautizado como “Segundo verano del amor”, la música house explota definitivamente en los clubs de Manchester trayendo de la mano el ‘éxtasis’ y la cultura rave. En este ambiente, Happy Mondays y sus compañeros de generación eran acogidos por la prensa como the next big thing, y su segundo álbum,Bummed (1988), producido por Martin Hannett (Joy Division, New Order), fue un pelotazo con sus guitarras ácidas sobre una bases bailables.

Así, a comienzos del año 89′ Happy Mondays eran, con permiso de sus paisanos The Stone Roses, una de las bandas indie más famosas, notoriedad a la que también contribuía la publicidad que les daba sus abusos con las drogas. En este año el grupo graba el EP Madchester. Rave On, con el que sigue contando con el favor de la crítica y gran éxito entre el público. En noviembre, Happy Mondays y The Stone Roses actúan juntos en Top of the Pops, un punto de inflexión para la escena musical que lideraban ambos grupos.

El grupo recibe la década de los noventa con lo que se considera su obra maestra, Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches, con producción de Paul Oakenfold y Steve Osborne (ambos crearon el colectivo ‘Perfecto’, con el que también colaboraron con U2. Otro gran éxito en todos los sentidos, Happy Mondays se hicieron ricos y famosos, aunque pronto llegarían los problemas. El disco les llevó a encabezar el festival de Glastonbury, tocaron en Rock in Rio, la gira fue todo un éxito. Pero los problemas con las drogas y los escándalos se agravan.

A finales de 1991 la banda se marcha a las Bahamas para grabar su esperado nuevo trabajo, pero la grabación iba a ser más tensa de lo deseable Shaun Ryder llegó a amenazar a Tony Wilson con destruir las cintas de las sesiones. La prensa especializada, lejos de acoger cálidamente el nuevo trabajo, lo atacó con saña. La gira no contribuyó a salvar las cosas. El trabajo se titulaba Yes, Please! y fue producido por Chris Frantz y Tina Weymouth, que habían trabajado, entre otros, para Tom Tom Club y Talking Heads.

Happy Mondays se separaron en el año 1992, tras lo cual Shaun Ryder y Bez formaron el grupo Black Grape. Sin embargo, en el año 1999 el grupo se volvió a formar con la ausencia de Paul David y Mark Day. Sin embargo, la vuelta a la escena musical, acompañada con una gira mundial y el single The Boys are Back in Town, no sería muy larga.

En el año 2004 Happy Mondays volvieron a la carga, lanzaron un DVD con un concierto grabado en Barcelona, España, y actuaron en varios festivales durante ese año y los siguientes.

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Faith No More (traducido del inglés como “No Más Fe”) es una agrupación musical formada en San Francisco, California, en 1982 como “Faith No Man” por el bajista Billy Gould, el baterista Mike Bordin, el teclista Wade Worthington y el frontman Mike Morris, que luego serían reemplazados posteriormente por Roddy Bottum y Chuck Mosley respectivamente. La banda entonces pasó a llamarse Faith No More, y reclutó tiempo después al guitarrista Jim Martin. Desde sus inicios, y con su debut de 1985 We Care a Lot, se internaron en la escenaunderground alternativa. Siempre destacó su facilidad de combinar estilos, como el rock alternativo, funk,hardcore, y hip hop, mezclado con el característico sonido influenciado del heavy metal de la guitarra de Jim Martin, todo esto reflejado notoriamente en su segundo disco Introduce Yourself de 1987.

En 1988, Chuck Mosley es despedido de la banda, y en su reemplazo llega Mike Patton; al año siguiente alcanzan la fama mundial con The Real Thing y su exitoso single “Epic”. Sin embargo, Patton trajo nuevas influencias al grupo, así en 1992 lanzan Angel Dust, donde ampliaron aún más su música, incluyendo una gran variedad de estilos musicales, que iban desde la música experimental hasta el jazz, easy-listening y pop, entre muchos otros. En 1994, Jim Martin queda fuera del grupo, siendo reemplazado por Trey Spruance. En 1995 lanzan King for a Day… Fool for a Lifetime y Spruance deja la banda, por lo que el tour fue hecho con Dean Menta, quien luego sería reemplazado por Jon Hudson, con el que lanzan Album of the Year en 1997, el que es hasta el momento su último álbum de estudio. En 1998 la banda anunciaba su separación, mediante un comunicado en su página web.

El 24 de febrero de 2009, Faith No More anuncia un tour de reunión por Europa, llamado “The Second Coming Tour” con la misma formación con la que se separaron. El tour comenzó el 10 de junio, en el Brixton Academy enLondres, y finalizó el 5 de diciembre de 2010 en Santiago de Chile.

Cabe destacar que durante su carrera, tanto en estudio, como en sus presentaciones, la banda ha interpretado a numerosos artistas, entre los que está Black Sabbath, John Barry, The Commodores, Bee Gees, Burt Bacharach,Take That, Dead Kennedys, Al Martino, GG Allin, Portishead, Vanilla Ice, Public Enemy, The Cranberries, Sparks,Michael Jackson, entre otros. Con sólo 6 discos oficiales, han logrado vender alrededor de 20 millones de copias en el mundo.

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My Bloody Valentine es una banda de rock alternativo de estilo shoegazing, influenciados por el post-punk, eldream pop y el rock alternativo de bandas como Sonic Youth, The Velvet Underground, The Jesus and Mary Chain yCocteau Twins, quedaron establecidos como una leyenda del rock independiente, siendo inspiración e influencia para bandas contemporáneas importantes.

Marcaron fuertes tendencias y toda una forma de hacer música que se fundamenta en guitarras distorsionadas y semi-ambientales, con voces femeninas frágiles y melódicas contrapuestas a ambientes extremadamente densos. Por eso, su guitarrista, Kevin Shields, es también una figura de la época, y es padre del modelo que siguen otras bandas similares como Ride, Lush o Slowdive.

My Bloody Valentine se formó en el año 1983 en Dublín, Irlanda, de la mano de Colm O’Cíosóig (batería) y Kevin Shields (guitarra), quienes en ese momento eran acompañados por el vocalista Dave Conway y la teclista Tina. En sus inicios, no faltaron los problemas, entre ellos el escaso éxito de su sucesión de Ep’s y de sus dos primeros discos “This Is Your Bloody Valentine EP” (Tycoon, 1985) y “Geek! EP” (Fever, 1985), éste último ya con Debbie Googe al bajo y sin la teclista Tina. Posteriormente lanzan “The New Record by My Bloody Valentine EP” (Kaleidoscope, 1986), “Sunny Sundae Smile EP” (Lazy, 1987), “Ecstasy EP” (Lazy, 1987), “Strawberry Wine EP” (Lazy, 1987) y el compilado “Ecstasy & Wine” (Lazy, 1989), hecho que los obligará a radicarse en Inglaterra. A finales del ’87 Dave Conway abandona el grupo y Bilinda Butcher ingresa como guitarrista y cantante.

Recogiendo influencias del dream pop y de bandas como The Jesus and Mary Chain, los Valentine lograron crear un sonido único y característico que determinaría toda la música indie contemporánea. Cada disco de My Bloody Valentine es un escalón hacia la perfección que fue Loveless.

En el año ’88, ya una vez radicados en Inglaterra, específicamente en Londres, la prensa especializada comenzó a hablar de ellos con la publicación de Isn’t Anything, su primer LP, caracterizado por un sonido algo más crudo y menos ambiental; y luego de varios Ep’s más “You Made Me Realise EP” (Creation Records), “Feed Me With Your Kiss EP” (Creation Records) en 1988, “Glider EP” (Creation Records) en 1990 y “Tremolo EP” (Creation Records) en 1991, estarían listos para lanzar su disco más célebre.

La creación de Loveless, no fue como la de un disco más, ya que las 200.000 libras que se gastaron (comparable con el Nevermind de Nirvana) y la perfección que quería lograr Shields en su sonido, (se habla que el disco trabajaron alrededor de 14 ingenieros en sonido y que la banda se sometió a un arduo trabajo de grabación) dejaría consecuencias como la quiebra de su disquera y la posterior separación del grupo.

Para el año 1993, Colm y Debbie abandonan el grupo, pero Kevin y Bilinda continúan realizando grabaciones y participando en discos como el homenaje al grupo post-punk Wire o el álbum benéfico “Peace Together” hasta 1996.

Desde la separación, los miembros de la banda siguieron distintos trayectos. Kevin Shields colaboró con Primal Scream y con Sofia Coppola en la película “Lost In Translation”. Por su parte, Colm O’Cíosóig trabajó junto a Hope Sandoval (ex-Mazzy Star) en The Warm Inventions y la bajista Debbie, luego de trabajar durante un tiempo como taxista de la noche gay de Londres, fundó el grupo Snowpony, junto a ex integrantes de Stereolab, Echobelly y Curve. Bilinda se dedicó principalmente a formar una familia y criar a sus hijos, aunque también participó en discos de Collapsed Lung y Dinosaur Jr.

Tras años y años de especulaciones, en una reciente entrevista para la página de internet VBS.TV, Kevin Shields confirma definitivamente la reunión de My Bloody Valentine, no sólo para dar una serie de conciertos en directo en Londres y participar de masivos festivales alrededor del mundo, sino también para publicar nuevo material de estudio, con la partición de los cuatro miembros de la formación clásica: Kevin Shields, Bilinda Butcher, Debbie Googe y Colm O’Cíosóig. En la histórica entrevista que Kevin Shields ha concedido a Vice Broadcasting Service, habla del que será el primer disco de MBV desde “Loveless” (1991): “suena a la banda, diferente, pero no radicalmente distinto. La gente pensará ‘sí, suena como MBV’”. Lo que confirma sus declaraciones a Magnet Magazine a principios de este año, cuando el mismo Shields aseguró: “es seguro al cien por cien que MBV grabará un nuevo disco, a no ser que nos muramos o algo…”.

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Los Smashing Pumpkins están considerados actualmente como uno de los grupos de rock más influyentes del mundo. La combinación de su talento y ambición les ha conducido hacia su grandeza.
Billy Corgan nació en Chicago, pero vivió en distintos sitios a raíz de la separación de sus padres cuando era muy joven. Su padre tocaba la guitarra, pero sin embargo la aspiración musical de Billy no nació hasta que tuvo catorce años, cuando probó la guitarra eléctrica de un amigo.
En 1987, Billy conoció a un guitarrista que compartía con él su gusto por Led Zeppelin y Black Sabbath. Este guitarrista era un japonés-americano llamado James Iha. La bajista, D’Arcy Wretzky, fue la siguiente en unirse a ellos. Y finalmente, después de usar en sus inicios una caja de ritmos, se incorporó también al grupo un batería de jazz llamado Jimmy Chamberlin.
Chicago era una difícil ciudad para que los Smashing se dieran a conocer. Siendo una ciudad más conocida por la presencia de otro tipo de rock, con bandas como “Ministry” y “Urge Overkill”, el grupo se sentía fuera de lugar. “I Am One” fue su single de debut, lanzado en un sello independiente local. Pero al influyente sello de Seattle, Sub Pop, les gustó y les ofrecieron lanzar su siguiente single. Pronto vendría el primer álbum de la banda, “Gish”. Este LP fue producido por Butch Vig, quien más tarde produciría el “Nevermind” de Nirvana (y que actualmente es el batería de Garbage).
El problema de “Gish” es que fue lanzado al mismo tiempo en que Nirvana estaba oscureciendo a cualquier otra banda de rock en todo el mundo, por lo que tuvo que ser relanzado a finales de 1991, y al poco tiempo, a principios del 92, editaban ya el EP “Lull”, cuya canción clave era “Rhinoceros”. Una intensa gira en ese año 92 y un tema en la banda sonora de la película “Solteros” (“Singles”), junto a grupos como Pearl Jam y Soundgarden, les ayudó a darse a conocer, y ya empezaban a ser considerados por aquel entonces como una banda importante dentro del movimiento grunge.
Pero los Smashing no estaban nada estables durante la grabación de su segundo álbum. James y D’Arcy acababan de romper tras una relación de varios años. Jimmy tenía problemas con las drogas y el alcohol, y Billy no salía de su depresión.
Así, Billy recibiría tratamiento psiquiátrico y dejaría la banda durante un corto espacio de tiempo, tiempo que emplearía para escribir bastante material para su siguiente álbum, “Siamese Dream”, en el que de nuevo trabajaron con Butch Vig. Billy supo conducir al grupo hacia su mejor rendimiento. Si ellos no eran capaces de algo, él mismo tocaba los instrumentos. El álbum debutó en el número 10 de las listas americanas, siendo “Today” el single de mayor repercusión. Los Smashing aprovecharon este éxito para dar una gira mundial en 1994.
Durante 1995 circularon rumores acerca de que el próximo álbum de los Smashing iba a ser un doble álbum. Billy había dicho que quería hacer un disco que fuera equivalente a lo que supuso en su momento “The Wall” de Pink Floyd.
Y así fue. “Mellon Collie and the Infinite Sadness” disparó inmediatamente, y de forma fulminante, la carrera de los Smashing Pumpkins, vendiendo millones de copias en todo el mundo, y dando de nuevo otra gira mundial. De este disco han salido varios singles de gran éxito, como “Bullet With Butterfly Wings”, “1979”, “Tonight, Tonight” y “Zero”.
Pero 1996 no fue finalmente un buen año para el grupo. Así, a la muerte por sobredosis del teclista que les acompañaba en directo, Jonathan Melvoin, se le unió la detención de Jimmy por posesión de drogas, lo que supuso para él la expulsión de la banda. Jimmy se enfrenta ahora, si era encontrado culpable, a una pena de un año en la cárcel. En la gira de “Mellon Collie” fue sustituido por Matt Walker, de “Filter”.
Tras quedarse sin el batería Jimmy Camberlin, 1998 se les presentaba a los Smashing como la oportunidad de renovar su sonido, hecho que Corgan ya mencionó que harían en su cuarto álbum de todos modos. Adore sin embargo, no fue un cambio drástico. Usando baladas pop y el ritmo sintético de “1979” como punto de partida, Smashing creo un álbum elegante que, curiosamente, suena fuera de tiempo. Ciertamente es diferente de su trabajo previo, pero las diferencias no son excesivamente sustanciales. Cuando los sintetizadores se añaden a una forma predeterminada de hacer música, el resultados es muy parecido al de bandas contemporáneas como The Cure o Depeche Mode. Pero esa idea cambió desde que “Adore” recrea su propio mundo por medio de apoyarse en los teclados, guitarras acústicas y una selección de baterías y máquinas. En definitiva, la ruptura con el sonido anterior se hizo, pero quizá ese no era el camino correcto.
¿Como puede un disco de platino no ser un éxito? Preguntarselo a “Adore”. El disco no tuvo demasiado éxito, consiguiendo enojar a todos, menos a críticos y fans extremos. La gente esperaba algo más del disco. Siendo Billy tan megalomaniaco, decidió cerciorarse de que su siguiente trabajo fuera todo lo que se esperaba de su banda. Las relaciones con el baterista Jimmy Chamberlin quebradas en el pasado volvieron a retomarse, siendo la primera señal de que el grupo había dejado atrás cualquier aspiracion electrónica tipo “Adore” volviendo así al puro rock. De esta manera se confecciona su sexto álbum, “Machina: Machines Of God”, editado en el 2000, un regreso a las formas que les hicieron convertirse en estrellas.
Y la historia podía haber acabar ahí. Tras la edición de “Machina…” los de Chicago deciden retirarse, pero no sin antes declarar que las grandes multinacionales les han estafado, y no solo a ellos, sino a todos aquellos artistas que se someten a ese tipo de dictadura agachando la cabeza. Como colofón de su carrera realizan una gira despedida que les lleva a tocar en todo el mundo y regalan “Machina II” a todos aquellos que lo deseen colgando los temas del disco en Internet para que sean descargados de manera gratuita.

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Lou Reed (nacido como Lewis Allen Reed el 2 de marzo de 1942 en Freeport, Long Island, Nueva York) es un cantante y escritor de rock, considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario. Enormemente influyente en el arte pop desde la década de los 60, sus principales discos son Rock’n Roll AnimalTransformer y, para un primer acercamiento, el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival: Perfect Night Live in London. Vive en Nueva York.

En su época de The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música: Heroin,Rock and Roll y Sweet Jane.

Reed era un fan del rock and roll y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas durante su época de estudiante y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran “traer la sensibilidad de la novela a la música rock” o escribir “la Gran Novela Americana” en un disco.

Se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records y cofundóThe Velvet Underground como guitarrista/vocalista/letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker. Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.

Después de dejar la The Velvet Underground en agosto de 1970, decidió pasar un año sabático, y lo empleó en descansar y dedicarse a una de sus grandes pasiones, la pintura. Posteriormente Reed tomó un trabajo en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, con un sueldo de 40 libras a la semana. Sin embargo, un año después, firmó un contrato discográfico con RCA y grabó su primer álbum solista en Inglaterra, con la colaboración con músicos de Yes como el tecladista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe. El álbum, simplemente titulado: Lou Reed, contenía versiones alternativas de canciones con la The Velvet Underground muchas de las cuales fueron descartadas y archivadas (las cuales se pueden encontrar en el box setPeel Slowly & See). Pese a su calidad musical este primer trabajo solista pasó desapercibido por los críticos y tuvo muy pocas ventas.

Tras el fracaso con su primer álbum, a finales de 1972, Lou Reed trató de re-orientar su carrera musical lanzando Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie. A continuación publicó Berlin, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says(violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song (“Canción triste”).

Reed se adelantó a su tiempo en la elección de estos temas. La música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los años 70 del siglo XX; pero incluso entonces sus canciones eran únicas: ya fuese entre guitarras distorsionadas o suavemente melódicas, Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, o incluso sórdidas, que otros letristas no trataban. “Walk on the Wild Side” es un saludo irónico y gráfico a los inadaptados, chaperos y travestis en la Factoría de Andy Warhol. “Perfect Day” es una elegía a la adicción de Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting. En el material que escogía, Reed seguía, y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. La personalidad de Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista incluso en la época hippie.

En 1975, produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music, lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Su discográfica lo estaba presionando para que grabara otro álbum comercial al estilo de Transformer, y Lou decidió cortar con ellos grabando intencionadamente uno de los discos más insoportables de la historia. El periodista de rock Lester Bangs lo declaró genial. Aunque admitiendo que las notas internas de los instrumentos usados es ficticia y paródica, Reed mantiene que MMM era y es un álbum serio. Sus discos de finales de los 70 son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte a las adicciones de Reed en aquellos años.

Al principio de los años 80, Reed dejó las drogas y comenzó, tanto en su trabajo como en su vida privada, a intentar asuntos más serios, notablemente en su aclamado disco de regreso The Blue Mask. Se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron). En su exitoso álbum New York lanzó una enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad, denunciando el crimen, los caros alquileres, a Jesse Jackson e incluso al Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de The Velvet Underground, John Cale, en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.

Reed continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss, un disco sobre la mortalidad. En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de Perfect Day para un especial de la BBC en favor de los niños. En 2001 fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína. En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe. En 2004, se publicó una remezcla de su canción “Satellite of Love” que alcanzó el número 8 en las listas inglesas.En 2007 lanzó su hasta ahora último album Hudson River Wind Meditations, influido por sus practicas de yoga y cantó en la canción Tranquilize de The Killers. El disco que Gorillaz editó en el año 2010 lo encuentra en el track número 9, una canción llamada “Some Kind Of Nature”, en la cual canta junto a Damon Albarn, líder de la mencionada banda.

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Iniciados en el country-rock alternativo, el grupo Wilco, liderado por Jeff Tweedy, va mucho más allá de esa etiqueta, abrazando una diversidad de estilos poco común, desde el rock alternativo hasta el folk-rock, pasando por la vanguardia, el power pop, la psicodelia o la experimentación, con rastros de Neil Young, Beatles, Big Star, Byrds, Bob Dylan, The Band, Rolling Stones, Brian Wilson, Tom Petty o Gram Parsons.

Tras romperse la banda Uncle Tupelo, el cantante, guitarrista y compositor Tweedy formaría Wilco en 1994 con sus compañeros de banda, el bajista John Stirrat, el batería Ken Coomer y el multiinstrumentista Max Johnston, quien interpreta tanto el banjo o la guitarra como el fiddle, el dobro o la mandolina.
Al cuarteto se le uniría el guitarrista Jay Bennett para grabar su Lp debut, “A. M.” (1995), un disco co-producido por Brian Paulson que perpetuaba las características de Uncle Tupelo, es decir, temas blues-rock y country-rock a lo Byrds, Dylan, The Band, Stones o Neil Young, como “I must be high”, “Passenger Side” o “Casino Queen”.

Después de este primer disco el grupo sorprendería con “Being There” (1996), un álbum doble que los alejaba de formulismos y estilos, adoptando en cada tema texturas heterogéneas con una querencia por la experimentación en base a un apreciable talento melódico, mayor cuidado en la producción y una admirable erudición de la música popular previa, con trazas rock, country, psicodélicas, folk y pop en cortes tan diversos como “Misunderstood”, “Far, far away”, “Sunken Treasure”, “I got you (at the end of the century)”, “Someone else’s song” o “Outta Mind (Outta Sigh)”, canción que podría ir firmada por los mismísimos Beach Boys. Tras este trabajo Max Johnston dejaría Wilco para ser reemplazado por Bob Egan (ex Freakwater).
En 1998 el grupo colaboraría con Billy Bragg para recuperar viejos temas del pionero del folk Woody Guthrie en el Lp “Mermaid Avenue” (1998), disco que sería continuado años después con “Mermaid Avenue Vol. 2” (2000).

En 1999 la evolución de Wilco prosiguió con “Summerteeth” (1999), un magistral disco, uno de sus mejores obras, en donde se encontraban fuertemente influenciados por los Beatles y los Beach Boys, deparando un álbum repleto de refulgentes melodías power pop, luminosidad y variedad rítmica, con temas como “I’m always in love”, “She’s a jar” o “Nothing’severgonnastandinginmyway”, una auténtica gema de sencillo y maravilloso pop a lo Fab Four.
A pesar de la gran calidad del álbum, éste no consiguió vender en demasía, hecho que a su sello discográfico, Warner, no terminaba de agradarle del todo y más cuando presentaron su siguiente trabajo, “Yankee Hotel Foxtrot” (2002), un álbum en el cual aparecía el nuevo batería Glenn Kotche, quien sustituyó a Coomer.

A la Warner la experimentación de este album no le pareció suficiente comercial y tras varias tensiones, Jeff Tweedy decidió dejar la compañía discográfica para no sacrificar su visión artística en pos de intentar entrar en el mainstream y compró las grabaciones para publicarlas en un nuevo sello y darlas a conocer vía Internet.
Por esa época Bennett abandonaría el grupo, incorporándose Leroy Bach.

“Yankee Hotel Foxtrot” aparecería en Nonesuch Records con mezclas de Jim O’Rourke. En el álbum se apreciaba el gusto creciente por la experimentación de Tweedy, convertido casi en el nuevo Brian Wilson del rock alternativo, envolviendo sus melodías con arreglos arriesgados, sonidos muy atmosféricos y una perspectiva cada vez más personal.
Entre los mejores temas de un disco recibido con entusiasmo por la crítica americana se encuentran la magnífica “Kamera”, “I’m the man who loves you”, “Heavy metal drummer” o “War on war”.
En el año 2002 también Wilco grabarían la banda sonora de “Chelsea Walls” (2002), un film dirigido por Ethan Hawke.
Dos años más tarde editarían el disco “A ghost is born” (2004) y con posterioridad “Sky Blue Sky” (2007), álbum que contiene el single “White Light”.
“Wilco” (2009) es su último trabajo en estudio.

El 24 de mayo del año 2009 falleció Jay Bennett a los 45 años de edad.

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Uno de los grandes grupos de todos los tiempos, poco valorado en su época, su roturación vanguardista, aridez y crudeza lírica y exploración sonora en territorios del pop y el rock influyó decisivamente en el desarrollo posterior de la música moderna, ya que sin su presencia artística, movimientos como el punk o grupos de diferentes sonidos alternativos jamás hubiesen surgido.

La Velvet Underground se crea en la ciudad de Nueva York a mediados de los años 60, liderados por su principal compositor, guitarrista y cantante Lou Reed y por el instrumentista John Cale (bajo, viola, teclados).
Reed, que nació en el seno de una familia judía de clase media alta, se convirtió desde niño en un gran seguidor de la música popular y del rock’n’roll, afición que pudo poner en práctica cuando formó en su adolescencia el grupo The Shades.

Más tarde y mientras cursaba estudios en la Universidad de Siracusa consiguió un contrato como compositor para Pickwick Records.
En Pickwick se encontraría con John Cale, un muchacho galés de formación clásica que se había trasladado a los Estados Unidos gracias una beca para intentar desarrollar su talento artístico en el Conservatorio Eastman, talento que volcaba por su pasión por John Cage y los movimientos vanguardistas.
Ambos se enriquecieron mutuamente, influyendose e interesándose en plasmar sus ideas en una formación conjunta. Para la creación de la misma, reclutaron a Walter DeMaria y Tony Conrand y se hicieron llamar The Primitives. Sin demasiada fortuna, Conrand y DeMaria abandonarían el proyecto, al que pronto se unirían el guitarrista Sterling Morrison, compañero de universidad de Lou Reed y la batería Maureen “Moe” Tucker, quien reemplazó a Angus MacLise, primer ocupante del puesto en las baquetas, que decidió abandonar a sus compañeros cuando éstos comenzaron a cobrar por las actuaciones.

Rebautizados como The Velvet Underground, nombre derivado del título de un libro de sadomasoquismo escrito por Michael Leigh, el cuarteto fue visto en un concierto realizado en un local llamado Café Bizarre por Andy Warhol, peculiar personaje interesado en todo tipo de vanguardia artística y creador del movimiento pop-art.
Warhol terminó por incorporarlos a su proyecto The Exploding Plastic Inevitable, convirtiéndose asimismo en su representante y productor.

“The Velvet Underground & Nico” (1966) sería el primer y esencial trabajo de la banda en formato Lp (con la famosa portada de la banana diseñada por el propio Warhol) marcado por las composiciones de Reed y sus textos narrativos sobre los ambientes urbanos más extremos (con propensión por el mundo de las drogas y el sexo) de la Gran Manzana.
Al grupo y bajo sugerencia de Warhol se incorporó la rubia cantante y actriz alemana Nico, cuyo nombre real era Christa Paffgen.

El material, totalmente fuera de los circuitos comerciales, establecía una sugerente, acérbica e intensa mezcolanza entre avant-garde y pop-rock, con momentos repletos de fiereza y desabrimiento y otros calmos y bellamente melódicos.
Los estupendos singles que se editaron de este disco fueron “All tomorrow’s parties” (cara b “I’ll be your mirror”) y “Femme Fatale” (cara b “Sunday Morning”).

Otros momentos indelebles de un álbum clave para entender la música actual son “Heroin”, “Venus in furs”, “I’m waiting for the man”, “There she goes again” o “Black Angel’s Death Song”.

El disco, que se publicó un año después de su grabación, pasó totalmente desapercibido para la gran masa, aunque rapidamente figuró como trabajo de culto entre fervientes seguidores de las exploraciones sónicas, como David Bowie o Brian Eno.

Tras el escaso eco popular del álbum, Nico abandonó a la Velvet y Andy Warhol perdio interés en el proyecto, prosiguiendo el grupo en solitario con los conciertos y la grabación de “White light, white heat” (1967), el documento más rugoso y disonante de la carrera del grupo, de feroz anticomercialidad y neurálgica ejecución, ilustrada en temas producidos por Tom Wilson (productor de Bob Dylan, Franz Zappa o Simon & Garfunkel ) como “The gift”, “I heard her call my name” o “Sister Ray”.

La repercusión en su tiempo fue nula y John Cale, decepcionado por ello y tras mantener unas fuertes disputas personales con Lou Reed, abandonó el grupo para comenzar su carrera en solitario (posteriormente limarían sus asperezas y colaborarían juntos de nuevo). Su sustituto sería Doug Yule, ex miembro de Grass Menagerie.
Sin el principal motor vanguardista de la banda y con el predominio casi total de Reed en el diseño sonoro, la Velvet Underground publicaría su tercer disco, el homónimo “The Velvet Underground” (1969), un Lp espléndido, mucho más asequible y relajado que sus anteriores propuestas y repleto de fenomenales canciones de cuidadas melodías como “Candy says”, “Pale blue eyes”, “Beginning to see the light” o “Jesus”.

El album tampoco logró vender demasiado, al igual que “Loaded” (1970), un trabajo también soberbio en el que no aparecía una embarazada Moe Tucker (sustituida por Billy Yule). El álbum proseguía con la presentación de piezas rock y pop de vena más comercial como “Sweet Jane”, “Who loves the sun” o “Rock’n’roll”, que con el tiempo se han convertido en grandes clásicos en la carrera del conjunto neoyorquino.

Reed fue alejandose de la Velvet, lo que aprovechó Doug Yule para hacerse con las riendas del grupo. En 1970 Lou renunció a proseguir con la banda y en breve iniciaría una importante carrera en solitario.
Sterling Morrison y Moe Tucker también seguirían los pasos de su compañero y abandonaron su puesto en la formación. Yule, por su parte, publicaría con el nombre de The Velvet Underground el disco “Squeeze” (1973), un flojo trabajo que nada tenía que ver con el sonido exhibido en anteriores entregas dirigidas por la batuta de Reed y Cale.
Previamente a la aparición de “Squeeze”, se había publicado el directo “Live at Max’s Kansas City” (1972), un disco bastante mediocre que fue complementado años después por “1969: Velvet Underground Alive” (1974), un trabajo en vivo mucho más completo y recomendado que el anteriormente citado.
Con el paso del tiempo, el fundamental legado de la Velvet fue reinvidicado y revalorizado fervorosamente por críticos y músicos, lo que sirvió para recuperar estas preciadas grabaciones, incomprendidas y arrinconadas en su tiempo.
La Velvet Underground ingresaría en el Rock and Roll Hall of Fame en el año 1996, pero tristemente dos de los participantes en el desarrollo artístico de esta mítica banda no pudieron asistir al evento, la bella germana Nico, fallecida en 1988 y el guitarrista Sterling Morrison, muerto en el año 1995.

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