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Posts Tagged ‘ART ROCK’

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Lou Reed (nacido como Lewis Allen Reed el 2 de marzo de 1942 en Freeport, Long Island, Nueva York) es un cantante y escritor de rock, considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario. Enormemente influyente en el arte pop desde la década de los 60, sus principales discos son Rock’n Roll AnimalTransformer y, para un primer acercamiento, el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival: Perfect Night Live in London. Vive en Nueva York.

En su época de The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música: Heroin,Rock and Roll y Sweet Jane.

Reed era un fan del rock and roll y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas durante su época de estudiante y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran “traer la sensibilidad de la novela a la música rock” o escribir “la Gran Novela Americana” en un disco.

Se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records y cofundóThe Velvet Underground como guitarrista/vocalista/letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker. Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.

Después de dejar la The Velvet Underground en agosto de 1970, decidió pasar un año sabático, y lo empleó en descansar y dedicarse a una de sus grandes pasiones, la pintura. Posteriormente Reed tomó un trabajo en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, con un sueldo de 40 libras a la semana. Sin embargo, un año después, firmó un contrato discográfico con RCA y grabó su primer álbum solista en Inglaterra, con la colaboración con músicos de Yes como el tecladista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe. El álbum, simplemente titulado: Lou Reed, contenía versiones alternativas de canciones con la The Velvet Underground muchas de las cuales fueron descartadas y archivadas (las cuales se pueden encontrar en el box setPeel Slowly & See). Pese a su calidad musical este primer trabajo solista pasó desapercibido por los críticos y tuvo muy pocas ventas.

Tras el fracaso con su primer álbum, a finales de 1972, Lou Reed trató de re-orientar su carrera musical lanzando Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie. A continuación publicó Berlin, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says(violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song (“Canción triste”).

Reed se adelantó a su tiempo en la elección de estos temas. La música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los años 70 del siglo XX; pero incluso entonces sus canciones eran únicas: ya fuese entre guitarras distorsionadas o suavemente melódicas, Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, o incluso sórdidas, que otros letristas no trataban. “Walk on the Wild Side” es un saludo irónico y gráfico a los inadaptados, chaperos y travestis en la Factoría de Andy Warhol. “Perfect Day” es una elegía a la adicción de Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting. En el material que escogía, Reed seguía, y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. La personalidad de Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista incluso en la época hippie.

En 1975, produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music, lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Su discográfica lo estaba presionando para que grabara otro álbum comercial al estilo de Transformer, y Lou decidió cortar con ellos grabando intencionadamente uno de los discos más insoportables de la historia. El periodista de rock Lester Bangs lo declaró genial. Aunque admitiendo que las notas internas de los instrumentos usados es ficticia y paródica, Reed mantiene que MMM era y es un álbum serio. Sus discos de finales de los 70 son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte a las adicciones de Reed en aquellos años.

Al principio de los años 80, Reed dejó las drogas y comenzó, tanto en su trabajo como en su vida privada, a intentar asuntos más serios, notablemente en su aclamado disco de regreso The Blue Mask. Se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron). En su exitoso álbum New York lanzó una enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad, denunciando el crimen, los caros alquileres, a Jesse Jackson e incluso al Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de The Velvet Underground, John Cale, en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.

Reed continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss, un disco sobre la mortalidad. En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de Perfect Day para un especial de la BBC en favor de los niños. En 2001 fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína. En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe. En 2004, se publicó una remezcla de su canción “Satellite of Love” que alcanzó el número 8 en las listas inglesas.En 2007 lanzó su hasta ahora último album Hudson River Wind Meditations, influido por sus practicas de yoga y cantó en la canción Tranquilize de The Killers. El disco que Gorillaz editó en el año 2010 lo encuentra en el track número 9, una canción llamada “Some Kind Of Nature”, en la cual canta junto a Damon Albarn, líder de la mencionada banda.

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Formación de éxito liderada por un auténtico dandy del pop-rock, Bryan Ferry (nacido el 26 de septiembre de 1945 en Durham), la cual fue cambiando de estilo a medida que iba avanzando su trayectoria, del art-rock al glam, del rock al pop con elementos soul y electrónicos.

Iniciaron sus pasos musicales en 1971 cuando a Ferry , estudiante de arte se le unieron el bajista Graham Simpson, el saxo Andy Mackay, Brian Eno (nacido el 15 de mayo de 1948 en Suffolk) a los teclados, el guitarrista Davy O’List -ex-The Nice- y el batería Paul Thompson (brevemente estuvieron el guitarrista Roger Bunn y el percusionista Dexter Lloyd).
El guitarra Phil Manzanera (nacido el 31 de enero de 1951 en Londres), uno de sus componentes más afamados se incoporaría un año más tarde sustituyendo a O’List.

“Roxy Music” (1972) su primer trabajo para Islands producido por Peter Sinfield supuso un gran e inesperado triunfo comercial en Gran Bretaña que fue refrendado por el sencillo “Pyjamarama” y por el estupendo segundo Lp “For your pleasure” (1973) producido por Chris Thomas, John Anthony y los propios Roxy, un disco en el que tocaba el bajo John Porter tras la marcha de Simpson.

El glamour ofrecido en sus actuaciones y la espectacular imagen de sus componentes era puntos a favor del éxito del grupo, un éxito que en cambio no llegaba a los EEUU.

La figura más llamativa era la de su teclista Brian Eno, hecho que perjudicaba a la egolatría de su cantante, Brian Ferry. Éste no hizo más que despedir a Eno. El trabajo en solitario posterior del teclista como compositor y productor fue realmente innovador y muy influyente.

“Stranded” (1973) , el primer trabajo sin Eno y con su sustituto Eddie Jobson superó aún a los dos primeros al convertirse en todo un número uno en GB pero sin éxito americano, éxito que sí conseguirían gracias a “Country Life” (1974), un disco con portada censurada que lograría que el nombre de Roxy Music se hiciera por primera vez popular en los EEUU.

Un año antes comenzaría la carrera en solitario de Bryan Ferry con “These Foolish things” (1973), en la que se especializaría en versionar sus temas predilectos – en esta ocasión entre otros el “Sympathy for the devil” de los Stones o el “You won’t see me” de los Beatles.
“Another time, another place” (1974) fue otro disco de covers de Ferry en su propia carrera, carrera en solitario que también se animarían a seguir los demás componentes.

“Siren” (1975) que contenía la famosa canción “Love is the drug” sería otro importante hit pero las diferentes correrías individuales que se seguían por esos momentos perjudicaron la unión de la formación que tras “Viva” (1976), un disco en directo dejarían en situación de espera a sus numerosos fans europeos.
No sería hasta 1979 cuando sacarían “Manifesto” (1979) un disco con la nueva formación de Roxy -además de los originales menos Jobson y Wetton (que formarían UK), Paul Carrack, Gary Tibbs y Alan Spenner- con la que se inclinaban hacia un pop comercial con sonoridad discotequera de la época, esa comercialidad fue acreditada con las numerosas ventas de “Dance Away” y “Angel Eyes”.

“Flesh & Blood” (1980) contenía buenas versiones y temas propios como “Oh Yeah (on the radio)” u “Over you”.
En ese album ya no participaba el batería Paul Thompson ya que dejó la banda tras fracturarse un dedo en un accidente.

La nota más destacada de ese tiempo fue la versión de “Jealous Guy” (número uno) que hicieron como homenaje a John Lennon que había sido brutalmente asesinado en ese año en la ciudad de Nueva York.

Su gran triunfo comercial volvería dos años más tarde con la publicación de “Avalon” (1982), producido junto a Rhett Davies, un disco de pop elegante y ultracomercial que lograría grandes ventas gracias a canciones como “More than this”, “Avalon” o “Take a chance with me”.
Curiosamente, este disco (su mayor hit) supuso el fin de la banda ya que de nuevo la vanidad de sus miembros hizo que regresaran a sus carreras en solitario (especialmente Ferry), carreras que no obtendría ni de lejos el renombre e influencia que sí obtuvo Roxy Music.

En el año 2001 hubo una reunión de la banda (sin Brian Eno) para girar en directo.
Siete años después podría aparecer un nuevo disco en estudio en el cual podrían colaborar los Scissor Sisters.

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Al repasar la discografía de Muse se percibe la escasa singularidad de este terceto británico y la pomposidad general de sus productos. Con los procederes de Radiohead como principal influencia, tanto en sonido como en búsquedas atmósfericas con ambientes imbuidos en oscuridad, melodrama, paranoia y visceralidad, Muse despliega música derivativa con cierta capacidad en la artesanía compositiva, logrado poso emocional y tratamiento prog-rock y art-rock en arreglos y producción.
Otras bandas y solistas que disponen la escritura del grupo inglés son Nirvana, Jeff Buckley, Smashing Pumpkins, Queen o Pink Floyd.

Muse se forman en el año 1997, cuando en la localidad de Teingmouth tres amigos de clase media llamados Matthew Bellamy, Chris Wolstenholme y Dominic Howard deciden formar un grupo musical. Matthew se ocupará de la voz, la guitarra y los teclados, Chris del bajo y los coros y Dominic de la batería. Con anterioridad y en su temprana adolescencia lo habían intentado con nombres como Gothic Plague o Rocket Baby Dolls.

Después de actuar por varios locales de Devon el trío consiguió llamar la atención del sello TasteMedia para grabar su Ep debut, “Muse EP” (1998). Con “Muscle Museum” (1999), Ep aparecido a principios del año 1999, el grupo consiguió salir del anonimato y firmar con Maverick, el sello propiedad de Madonna, para publicar su disco grande debut, “Showbiz” (1999), un Lp producido por el veterano John Leckie (Posies, The Fall, Radiohead) en el cual incluían varias canciones de sus anteriores Eps interpretadas con apreciable carga emotiva y lirismo por Bellamy, tanto como así fuese el mismísimo Thom Yorke. Algunas de las piezas más aprovechables de este disco debut son “Sunburn”, “Muscle Museum”, “Cave” o la bella balada “Unintended”.

Este Lp y sus actuaciones en directo acrecentaron la popularidad de la banda británica, quien grabaría de nuevo con Leckie su segundo álbum, “Origin of Symmetry” (2001), otra colección de ambicioso y taciturno art-rock que contenía los singles “Plug in baby”, “New born”, “Bliss”, “Hyperspace” y “Feeling good”.

Al año siguiente aparecería “Hullabaloo” (2002), con varias rarezas, caras b y temas en directo que exhiben el dramatismo y la pujanza de la banda en sus interpretaciones en vivo.

“Absolution” (2003) y “Black Holes and Revelations” (2006) acogieron sonidos más progresivos. Más tarde editaron el directo “HAARP” (2008).

El prog-rock fue base para su álbum en estudio “The Resistance” (2009).

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Liderados por el excéntrico Keith Emerson (nacido el 1 de noviembre de 1944 en Yorkshire), un excepcional teclista de instrucción clásica, The Nice supuso un soplo de aire fresco en la Gran Bretaña de finales de década de los sesenta, implantando un nuevo concepto de música, el art-rock, que mixturaba el pop y el rock con la música clásica.
Al principio la formación iniciada en 1967 y compuesta por el citado Ermerson, el guitarrista David O’List (nacido el 13 de diciembre de 1948 en Londres), el bajista y vocalista Lee Jackson (nacido el 8 de enero de 1943 en Newcastle) y el batería Brian “Blinky” Davison (nacido el 25 de mayo de 1942 en Leicester) no era más que el grupo de acompañamiento de la cantante americana de soul afincanda en las Islas Británicas, P.P. Arnold.
Pronto se cansaron de ser meras comparsas y se convirtieron definitivamente en The Nice.

Su primer disco grande fue “The Thoughts of Emerlist Davjack” (1967), álbum que contenía el single homónimo así como temas importantes como “The Cry Of Eugene” o su famoso “Rondo”.

El LP sirvió para que The Nice se dieran a conocer entre el público inglés, conocimiento asentado también en las espectaculares actuaciones en directo en las que su líder, Keith Ermerson, emergía como el foco central, vestido llamativamente y con movimientos sensuales tocaba el órgano con cuchillos en unas ceremonias casi orgiásticas que eran celebradas con alborozo por los asistentes al acto.

Su siguiente disco fue “Ars Longa Vita Brevis” (1969), un título que contaba con canciones como “Happy Freuds” o “Daddy, Where Did I Come From?”, todas ellas arriesgadas composiciones fundamentadas en el atractivo sonido Hammond de Emerson.
La estrella del album fue una adaptación de la canción “America”, composición de Leonard Berstein para el musical “West Side Story”. Este tema les hizo ganar una publicidad gratuita cuando en uno de sus conciertos, The Nice prendieron fuego a una bandera estadounidense al mismo momento que interpretaban “America”. El flamígero suceso conllevó protestas por parte del mismísimo Bernstein, hecho que provocó su aislamiento de las listas estadounidenses.

El absoluto liderazgo de Emerson con el tiempo no fue bien admitido por parte de la formación, y el guitarrista David O’List (sustituido por Gordon Longstaff) decidió abandonar el conjunto para unirse a Roxy Music y posteriomente a Jet.

Poco después el grupo sacó a la luz “The Nice” (1969), otra gran colección de canciones que tuvo un moderado éxito en su país, al igual que “Five Bridges Suite” (1969). Temas como “Little Arabella”, “Hag On To A Dream” o “The Diamond Hard Apples” daban muestras de su enorme talento, centrado en la fusión entre el pop, el rock, el jazz y la música clásica.

Estos fueron los últimos trabajos de The Nice antes de que Emerson al año siguiente dejara el proyecto para unirse a Carl Palmer y a Greg Lake (ex- King Crimson) y emprender la triunfal aventura con Emerson, Lake & Palmer. La marcha del teclista supuso el fin de esta innovadora formación británica.

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Formación art-rock incluida en el denominado sonido Canterbury (otro de esos grupos canterburyanos es Soft Machine), un conjunto de universitarios aislados del mundanal ruido urbano intérpretes de rock progresivo.

Compuestos por los antiguos Wilde Flowers, sus miembros eran el vocalista y guitarra Pye Hasting (nacido el 21 de enero de 1947 en Escocia), el bajista y vocalista Richard Sinclair (nacido el 6 de junio de 1948 en Kent), el teclista David Sinclair (nacido el 24 de noviembre de 1947 en Kent), y el batería Richard Coughlan (nacido el 2 de septiembre de 1947 en Kent).

Caravan comenzó su proyecto musical en 1968. Discos espléndidos como “Caravan” (1968), “If I Could Do It All Over Again I’d Do It All Over You” (1970) y su obra maestra “In The Land of Grey and Pink” (1971) cimentaron el prestigio crítico del grupo.

Tras la marcha del teclista David Sinclair a los Matching Mole (grupo de Robert Wyatt), se incorporó a la banda Steve Miller para grabar “Waterloo Lily” (1972).

Después de este álbum regresó David para sustituir a Richard Sinclair a la par que se añadían nuevos miembros como el guitarrista John Perry y el violinista Geoff Richardson.
Esta nueva formación editó “For Girls Who Grow Plump in the Night” (1973) y “Symphonia” (1974), discos inferiores a los primeros pero para nada desdeñables, sino más bien todo lo contrario.

Grupo netamente británico, consiguieron una aceptable entrada en listas americanas cuando sus discos comenzaban a decaer en calidad con “Cunning Stunts” (1975).
Trabajos posteriores como “Back to Front” (1982) se han revelado muy inferiores a sus obras iniciales.

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De miembro destacado de Roxy Music a gurú de la música electrónica y brillante productor (Ultravox, Talking Heads, Devo o U2), Brian Eno es uno de los músicos británicos más creativos surgidos en la Inglaterra de los años 70. Eno nació el 15 de mayo de 1948 en la localidad inglesa de Woodbridge, siendo bautizado por sus progenitores con el “corto” nombrecito de Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno.

Desde su más tierna infancia Brian se sintió inclinado al mundo de la música, siendo influenciado desde niño por la música americana que sonaba en las bases americanas cercanas a su lugar de residencia. Después de terminar sus estudios secundarios se instruyó en arte, principalmente escultura y pintura, siendo influenciado en este período por la música vanguardista.

Aprendió a tocar varios instrumentos, especializándose en el clarinete, y participó en diferentes proyectos musicales, como la Merchant Taylor’s Simultaneous Cabinet, el grupo Maxwell Demon, la Cardew’s Scratch Orchestra o la Portsmouth Sinfonia.
En 1972 se unió a Roxy Music, participando con los teclados y sintetizadores en discos como “Roxy Music” (1972) y “For your pleasure” (1973). En este período había colaborado con los Matching Mole de Robert Wyatt y en 1973 editaría un disco experimental, “No Pussyfooting” (1973) acreditado a Fripp & Eno. Naturalmente Fripp era el famoso guitarrista de King Crimson Robert Fripp, con quien Brian volvería a colaborar próximamente.
La grabación de este LP, acontecida en el mes de noviembre, se produjo cuando, tras choques de personalidad con Bryan Ferry, Eno ya había abandonado el grupo iniciado en el glam-rock de comienzos de los años 70.

En 1974 colaboró con John Cale, Nico y Robert Calvert (miembro de Hawkwind), a la par que debutaba en solitario con “Here comes the warm jets” (1974), un disco en el que colaboró Fripp, el guitarrista Chris Spedding o sus ex compañeros de Roxy Music, a excepción, claro está, de Ferry. En el álbum y con éxito Brian pondría toda su imaginaria sintética al servicio del universo pop con temas deudores todavía del glam-rock y muy ricos en atractivos escenarios sónicos.
Una enfermedad pulmonar aparecida cuanto se encontraba en plena gira con los Winkies lo mantuvo incapacitado durante meses. Retornaría a las tiendas de discos con “Taking Tiger Mountain (by Strategy)” (1974), un disco aparecido en el mes de noviembre de 1974 en el cual participaba gente como Robert Wyatt o Phil Collins.

Brian Eno es conocido también por idear un nuevo concepto musical: la ambient music (música ambiental). Esto se produjo de manera accidental y nunca mejor empleada la palabra.
Después de su segundo disco grande el músico inglés sufrió un accidente de automóvil que lo mantuvo alejado de la música en un largo período de convalecencia. Mientras estaba aburrido se planteó utilizar sus experimentos electrónicos para recrear de manera instrumental texturas y atmósferas, sin perder en su sonoridad el sentido melódico.

El primer álbum de Eno tras su recuperación fue “Another Green World” (1975), disco con la colaboración de Collins, Fripp o John Cale que comenzaba a plasmar en sonidos su nueva concepción.
Tras este disco y para amarrar su independencia creativa, Eno formaría su propio sello, Obscure Records, en donde editaría Discreet Music” (1975), un disco, al igual que el anterior, clave para la instalación y el desarrollo del ambient.

El año 1977 fue bastante intenso para Eno. Apareció “Before and after science” (1977), un magistral LP, sin olvidar pasajes ambient, más enfocado en la construcción de canciones con un claro concepto art-pop, y dio inicio a su histórica colaboración en la música electrónica con David Bowie y su trilogía de Berlín, iniciada con “Low” (1977), y continuada con “Heroes” (1977) y “Lodger” (1978).

Tras 1977 sus trabajos tendieron principalmente hacia la música ambient y vanguardista, ocupando también su talento en bandas sonoras. “Music for films” (1978), “Music for airports” (1979), “On land” (1982), “Apollo: Atmospheres & Soundtracks” (1983) o “Thursday Afternoon” (1985).

También encontró gran significación en la producción, colaborando con nombres como Talking Heads o Ultravox. Su asociación con Daniel Lanois para producir los trabajos más importantes de U2 confirmó su triunfo crítico en esta labor.

Incansable trabajador, autocalificado de una manera nada pretenciosa como un “no músico”, prosiguió editando discos sin descanso. Su última propuesta es “Another day on earth” (2005).

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Arcade Fire es una banda canadiense compuesta por el cantante, guitarrista, bajista y pianista Win Butler, estadounidense procedente de Texas, su mujer, la multiinstrumentista y cantante Régine Chassagne (batería, xilófono, piano, sintetizadores) el guitarrista Richard Parry, el bajista Tim Kingsbury y el multiinstrumentista Will Butler, hermano de Win. Junto a ellos colaboran otros músicos especialistas en instrumentos de cuerda.
El grupo, influenciado por David Bowie, Talking Heads, Roxy Music o Flaming Lips, se creó en Montreal en el año 2003 tras haberse conocido Régine y Win un año antes en una exposición de arte, cuando Régine era estudiante de la Universidad de Concordia.

Firmaron con el sello discográfico Merge Records y grabaron un EP homónimo autoproducido, “Arcade Fire” (2003), que recogía sus propuestas de indie rock experimental.

En el mes de septiembre del siguiente año publicarían su primer LP, “Funeral” (2004), un disco presentado con el single “Neighborhood #1 (Tunnels)” que se convirtió en una de las revelaciones del año.

“Neon Bible” (2007) fue su segundo álbum. Tres años después apareció “The Suburbs” (2010)

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