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Posts Tagged ‘BLUES ROCK’

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Banda de rock británica con apuntes progresivos, blues-rock, boogie, folk y jazzísticos, influenciados por gente como Cream, Canned Heat, Allman Brothers o Yardbirds. El grupo fue creado en la segunda mitad de los años 60 en la localidad inglesa de Torquay con el nombre de Empty Vessels antes de rebautizarse como Tanglewood. Estaba conformado en su primera encarnación por el cantante y bajista Martin Turner, el guitarrista, hermano del primero, Glen Turner, y el batería galés Steve Upton.
El grupo dio inicio a su carrera profesional tras ser descubiertos por Miles Copeland, hermano del famoso batería de The Police con quienes se convertirían en los definitivos Wishbone Ash tras la entrada de Ted Turner y Andy Powell en las guitarras y la salida de Glen Turner.

Copeland logró que firmaran un contrato discográfico con MCA Records y en 1970 apareció su estupendo disco debut producido por Derek Lawrence (miembro de los Lancasters), “Wishbone Ash” (1970), en el cual aparecía el single “Blind eye” junto a otros temas como “Lady Whiskey”, “Errors of my ways” o “Phoenix”, en donde destacaba su intensidad instrumental, en especial el prominente trabajo de guitarras.
Posteriores trabajos como “Pilgrimage” (1971), con la épica “The Pilgrim”, “Vas Dis”, “Jail Bait” o “Alone”, y sobre todo “Argus” (1972), álbum que alcanzó el puesto número 3 en el Reino Unido, confirmaron su capacidad de convocatoria popular.
En “Argus” sonaban temas como “Blowin’ Free”, canción con espléndidas armonías vocales, o “Time was”, un corte de más de nueve minutos qu ese inicia de manera acústica para después desarrollarse de manera eléctrica.

Después de otro gran disco, “Wishbone Four” (1973), uno de los mejores esfuerzos de la banda británica con piezas como “No easy road” o “Ballad of the beacon”, el grupo perdería la presencia en sus filas de Ted Turner, quien fue reemplazado en las seis cuerdas por Laurie Wisefield (ex componente de Home).
Tras la edición del apreciable doble disco en vivo “Live Dates” (1974), en donde todavía sonaba la guitarra de Ted, el grupo presentaría “There’s the rub” (1974), con temas como “Persephone” o “Lady Jay” y producción de Bill Szynczyk, quien había trabajado con gente como B. B. King o John Lee Hooker.
Curiosamente su música, a partir de los años 70, fue mejor recibida en los Estados Unidos que en su propio país natal, hecho que les llevó a cruzar el charco para instalarse en el país norteamericano.
Después de discos como “Locked in” (1976), con “Rest in peace” y producción de Tom Dowd, “New England” (1976) , “Front page news” (1977), “No smoke without fire” (1978), con el retorno a la producción de Derek Lawrence, y “Just Testing” (1980), se produjo la marcha clave de Martin Turner, que trocó el semblante del grupo a partir de ese momento.
Wishbone Ash, con diferentes incorporaciones como Claire Hamill, John Wetton o Trevor Bolder, proseguiría su rumbo grabando discos menores durante las siguientes décadas, como “Number the brave” (1981), o “Twin barrels burning” (1982).
Después de un lapso de tiempo retornarían a la formación Martin y Ted Turner para editar “Nouveau Calls” (1989) con producción de William Orbit. En esta etapa el grupo publicaba básicamente recopilatorios y discos en directo, en donde se recogen sus clásicos de los años 70.
“Illuminations” (1996), “Trance Visionary” (1999), “Psychic Terrorism” (2000), « Bonafide » (2002) o « Strange Affair» (2003) son algunos de sus últimos trabajos.

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Este ex matrimonio (aunque ellos siguen jugando bobamente con lo de si son hermanos o si dejan de serlo, habiéndose casado el 21 de septiembre de 1996 con los nombres de John Anthony Gillis y Meg Martha White) amante de los colores rojo y blanco es una de las grandes sensaciones dentro del rock de este comenzado siglo XXI, instituyendo su éxito en ejecutar con acritud, minimalismo y distorsión una diversidad de géneros (garage-rock, punk, blues, hard rock, folk, pop o country) y ascendencias (Led Zeppelin, Stooges, Pixies, Kinks, Blue Cheer, Troggs, Robert Johnson, Jon Spencer Blues Explosion, Jimi Hendrix o Black Sabbath) para crear discos estridentes, estimulantes por su empuje rítmico y su retorno a los sonidos clásicos del rock.

El dúo proviene de la ciudad de Detroit y está compuesto por el cantante, compositor, guitarrista y pianista Jack White (nacido el 9 de julio de 1975) y la batería Meg White (nacida el 10 de diciembre de 1974).
Tras casarse a finales del año 1996, la pareja formaría The White Stripes, un proyecto que le sirviría a Jack, que había pasado por una banda llamada The Goober and Peas y tocado con la banda garajera The Go, para grabar temas que recuperasen el brío rockero de las bandas de finales de los 60 y comienzos de los 70, ejemplificado en sus vibrantes interpretaciones en vivo.

En 1997 debutaron en disco con el single “Let’s shake hands”, un tema publicado en el sello Italian Records, en donde también publicarían su segundo sencillo, “Lafayette Blues”, aparecido en 1998.
Un año después ficharían por Sympathy for the Record Industry y gran “The Big Three Killed My Baby”, un tema en el cual se aprecia su ruidosa resonancia en base a su mezcla de sonidos blues, punk y rock, con voces impulsivas, una retumbante batería y una destemplada labor guitarrera, con reminiscencias de Led Zeppelin, Stooges o Troggs.

Este single sería incluido en su potente y sucio Lp debut, “The White Stripes” (1999), un disco en el cual se aprecia la variedad de registros vocales de Jack, con una mezcolanza entre Robert Plant, Iggy Pop, Ozzy Osbourne, Frank Black o Dave Davies, y su querencia por el blues desde una cruda perspectiva rock’n’roll con Led Zeppelin, Black Sabbath y el proto-punk y el garage-rock 60’s como principal referencia.
Incluyen temas propios de gran valía como “Cannon”, “Jimmy The Exploder”, “Do” o “Suzie Lee” y versiones de Robert Johnson (“Stop Breaking Down”) y Bob Dylan (“One more cup of coffee”).

Las constantes apuntadas en este primer disco se repetirían en los siguientes trabajos, como en “De Stijl” (2000), un gran trabajo en el cual pulen más las melodías, añadiendo a los nombres básicos de su sonido retazos de los Kinks en algunas piezas, sin perder su característica pujanza garajera y pasajes folk, hard rock, punk, country y blues, con temas en formato eléctrico y acústico.
Las huellas de Hendrix, Page o Plant se encuentran en estos riffs demoledores de guitarra, baterías primarias y enérgicas, letras básicas de acerba gradación y cierta propensión al absurdo con memorables temas como “You’re pretty good looking (for a girl)”, “Little Bird”, “Hello operador”, “Apple Blossom” o “Why can’t you be nicer to me?”. El amor por el blues de Jack White, además de en sus composiciones, se manifiesta en la versión de Son House “Death Setter”.

Tras la aparición de “De Stijl”, los White Stripes comenzaron a llamar la atención en los mass media, provocando un interés creciente entre los amantes del rock.

Este catálogo de música directa, fresca y sin complicaciones conquistaría definitivamente al público con “White Blood Cells” (2001), un disco también aparecido en el sello Sympathy for The Record Industry con el que acrecentaron sus seguidores especialmente en el Reino Unido, en donde por esa época eran más populares que en su propio país.
A pesar de oler el mainstream, la pareja, que se había divorciado en el año 2000, prosiguió su rumbo invariable en “White Blood Cells”, un Lp en el cual Jack desplegó su notable capacidad como compositor y su éxito crítico impulsó el interés de las grandes compañías estadounidenses en una oleada de bandas garajeras, que carecían de la diversidad conceptual de White y su fuerza instrumental en base a dos únicos componentes.

“Fell in love with a girl” se convirtería en un gran hit (número 12), estimulado por la emisión constante del videoclip por la MTV. Otros cortes destacados del álbum son “Dead leaves and the dirty ground” o la cínica “I’m finding harder to be gentleman”.
Para la grabación de “Elephant” (2003), Jake y Meg firmarían por un sello importante, V2, pero su aspereza y mixtura de estilos no cambiaría un ápice, escribiendo un sobresaliente disco sin concesiones comerciales que se iniciaba con “Seven Nation Army”, un estupendo single principiado con un sugestivo ritmo producido por un riff de guitarra que simula la apariencia sonora de un bajo.

Este disco está plagado de excelentes temas y letras ingeniosas, alternando baladas como “In the cold, cold night”, interpretada por Meg a lo Peggy Lee o “I want to be the boy to warm your mother’s heart”, pieza con piano y voz con un ligero feeling a lo Rod Stewart en su etapa Faces y “You’ve got her in your pocket”, ambas acústicas de buen trato melódico, y piezas de gran ímpetu y ritmos básicos como el blues-rock zeppeliano “Ball and biscuit”, la punk-rock “Girl you have no faith in medicine”, con un riff idéntico al de “Positive Bleeding” de Urge Overkill, la excelente “The air near my fingers”, un corte que podría ser firmado por los Troggs en los 60 (el riff tiene un aire al clásico “Wild Thing”), o “The hardest button to button”, canción de cierto cariz stoniano.

También tienen tiempo para componer “It’s true that we love one another”, un humorístico tema de sabor country interpretado por Jack y Meg junto la cantante Holly Gollightly e incluir una versión de un famoso tema de Burt Bacharach y Hal David, “I just don’t know what to do with myself”, adaptado con anterioridad por, entre otros, Dusty Springfield o Dionne Warwick.
El álbum alcanzó el puesto número 6 en el Billboard, confirmando la presencia del dúo en el estrellato rockero del momento.

Jack, al margen de su faceta como músico, ha hecho sus pinitos como actor en la película de Anthony Minghella “Cold Mountain” (2003).

En el año 2004 produjo, compuso y tocó en el disco de la artista country “Van Lear Rose” (2004).

Posteriormente con los White Stripes grabaría “Get behind me Satan” (2005) e “Icky Thump” (2007).

Jack White contrajo matrimonio en secreto con la modelo británico Karen Elson, mujer que aparece en el videoclip de “Blue Orchid”.

Al margen de los White Stripes, Jack White creó una banda junto a Brendan Benson denominada Racounters, en la cual también se encuentran el bajista Jack Lawrence y el batería Patrick Keller.

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Power trío canadiense de rock progresivo con elementos blues-rock, psicodélicos y folk.
La banda se creó en Edmonton, Alberta, a finales de los años 60 y estaba integrada por el cantante y batería Mike Richards, el guitarrista y vocalista Robert Edwards y el bajista y vocalista Rumor Lukawietsky.
En 1970, con co-producción de Shel Kagan y arreglos del propio grupo, grabaron su único disco en el sello Cotillion, “Troyka” (1970), un álbum psico-progresivo con retazos blues-rock, folk ruso e incluso alguna resonancia medieval, que alternaban cortes vocales y variados temas instrumentales.

Entre sus piezas destacan cortes como “Natural”, “Rub-A-Dub-Dub Troyka In A Tub”, “Early Morning”, “Burning of the witch” o “Go East young man beautiful pink eyes”.
Kagan en el año de la aparición de “Troyka” también ayudó a producir el disco de la Velvet Underground “Loaded”.
Décadas después grabaría con Lou Reed, cuando ya Troyka no existían en el mapa musical, pues después de grabar su disco homónimo nunca más se supo de sus actividades musicales.

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Banda británica de blues-rock procedente de Nottingham. Estaba liderada por el espléndido guitarrista Alvin Lee (nacido el 19 de diciembre de 1944).

Con Lee como cantante y guitarra, el bajista Leo Lyons, el batería Ric Lee y el teclista Chick Churchill el grupo dio inicio a su trayectoria en 1965 haciéndose llamar The Jaybirds (previamente el proyecto se había llamado The Atomites, The Jaymen o The Jaycats).

En 1967 firmaron con la Decca y, ya con el apelativo de Ten Years After, debutaron en vinilo en Deram con el disco grande “Ten years after” (1967). Con esta grabación, producción de Gus Dudgeon y Mike Vernon en donde versionaban el tema de Al Kooper y sus Blues Project “I can’t keep from crying, sometimes”, el grupo no consiguió llamar demasiado la atención, todo lo contrario que con “Undead” (1968), un disco en vivo grabado en el Klooks Kleek, local habitual para la música blues-rock y R&B, en el que incluían una de sus temas más populares, “I’m going home”, canción escrita por Lee en la cual se lucía Alvin con su voz y especialmente con su guitarra. Por no hablar de la energía de la sección rítmica.

En el álbum (número 26 en Inglaterra), con portada psicodélica y producción de Vernon, sonaban también temas como “I may be wrong but I won’t be wrong always” o “Spider in my web”.

“Stonedhenge” (1969), con “Woman trouble” o “Going to try”, y “Ssssh” (1969), uno de sus trabajos clave con temas como “Good morning little school girl” o “I woke up this morning”, blues-rock a lo Cream, fueron sus dos últimos y exitosos trabajos (número 6 y número 4 respectivamente) en la década de los 60 que convertían a Alvin Lee en uno de los grandes de la guitarra en la historia del rock.

Poco a poco también iban conquistando el difícil mercado estadounidense, colándose el “Ssssh” en el puesto número 20 del Billboard, un lugar superado (número 14) por “Cricklewood Green” (1970), LP que incluía el single “Love like a man”, “50.000 miles beneath my brain”, corte muy similar, en fases, al “Sympathy for the devil” de los Rolling Stones, o el corte jazz-blues “Me and my baby”. En Gran Bretaña este disco alcanzó el puesto 4 en la lista de ventas.

“Watt” (1970) fue su último disco (número 5 en el Reino Unido) en la Decca antes de conseguir un contrato con Chrysalis, en donde debutarían con un sobresaliente LP, “A space in time” (1971), trabajo en el cual aparecía el single “I’d love to change the world”, tema blues-rock progresivo con sonidos acústicos y voz distorsionada.

Mientras en Inglaterra el disco fue peor recibido que los anteriores (número 36) en los Estados Unidos alcanzó sus mejores ventas (número 17).

La Decca, mientras tanto, recuperaba piezas desechadas para sacar al mercado “Alvin Lee and Company” (1972).
Después de “A space in time” Ten Years After grabarían en Chrysalis el festivo LP “Rock’n’roll music to the world” (1973), con el tema homónimo en clave boogie-rock o la vibrante “Choo Choo Mama”. Las ventas fueron tibias, al igual que las del directo “Ten Years After Recorded Live” (1973). El mismo año Alvin Lee grababa junto Mylon LeFevre el LP “On the road to freedom” (1973).

El fiasco más grande para el grupo fue “Positive vibrations” (1974), disco tras el que la banda decidió separarse. En esta época, y sin contar el anterior con LeFevre, Lee debutó en solitario con “In flight” (1974).

Años después, a finales de los años 80, Ten Years After retornarían con “Universal” (1988) y “About time” (1989). Directos, recopilatorios y el disco en estudio “Now” (2004) es el último legado de esta histórica banda.

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El guitarrista, vocalista y compositor irlandés Rory Gallagher, nacido el 2 de marzo de 1949 en Ballyshannon, es uno de los grandes mitos y talentos en la historia del bues-rock gracias a los sonidos proporcionados por su Fender Stratocaster Sunburst del 61.
El mismísimo John Lennon admiraba el trabajo de Rory, y siempre intentaba no perderse las actuaciones de Rory en el Marquee con Taste, al mismo tiempo que, impresionado por Gallagher, afirmaba en una entrevista en 1969 concedida a New Musical Express que el terceto irlandés era un punto brillante dentro del sombrío panorama musical que se ofertaba en aquel momento.
Si eso expresaba en aquella época… ¿qué diría Lennon sobre el período actual? ¿Se suicidaría directamente tras escuchar las radiofórmulas con morralla variada y grupillos sin identidad ni actitud?.

Gallagher, un fanático del blues americano que creció escuchando a leyendas como Muddy Waters o Johnny Lee Hooker, y admirando a gente como Elvis Presley, Woody Guthrie, Beatles, Bob Dylan o Lonnie Donegan, crearía en Cork en el año 1966, tras pasar por la Fontana Show Band (llamada después The Impact), la banda Taste, un conjunto que se trasladó a Inglaterra para probar fortuna después de actuar, como muchos otros conjuntos del contexto, en la ciudad de Hamburgo.

La primera formación del trío estaba completada por el bajista Eric Kitteringham y el batería Norman Damery, dos ex miembros del grupo The Axels, conjunto irlandés de R&B.

Taste, producidos por Tony Colton (posterior miembro de la banda Heads Hands & Feet), debutarían en vinilo con el single “Blister of the Moon”, aparecido en 1968 en el sello Major Minor.
Por esta época, Kitteringham y Damery habían dejado sus puestos al bajista Richard McCracken, quien pasó fugazmente por Spencer Davis Group, y John Wilson, batería que llegó a tocar con los Them.

En Polydor aparcería el sencillo escrito por Rory “Born on the Wrong Side of the Time” y el LP “Taste” (1969), estupendo debut con un sonido cercano a Cream que incluía dos versiones, una de Leadbelly (“Leavin’ Blues”), y otra del cantante de country Hank Snow (“I’m Movin’ On”), tema que había sido interpretado por gente tan importante como Ray Charles, los Everly Brothers o Elvis Presley.

Este álbum sería continuado de manera espléndida por “On the Boards” (1970), un disco que consiguió notables ventas en el Reino Unido, alcanzando el puesto número 18 en la lista de ventas gracias a temas como “What’s Going On”, “Railway and Gun”, “Morning Sun” o “It’s Happened Before, It’ll Happen Again”.

Lamentablemente, las fricciones entre los componentes provocaron la marcha de Rory para emprender una fenomenal carrera en solitario.

En 1971 aparecía el directo grabado en Suiza “Live Taste” (1971), en donde se ponía de manifiesto la enorme capacidad guitarrera de Gallagher, y un año después “Live at the Isle of Wight” (1972), un disco que consiguió entrar en listas de ventas cuando la banda ya hacía tiempo que se había disuelto.

Rory falleció el 14 de junio de 1995 después de un fallido trasplante de hígado.

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Formación revolucionaria y clave en el desarrollo de la música moderna. Surgida a finales de los años 60, los Stooges mixturaban fieramente el rock, la psicodelia y el blues con temáticas sobre drogas y sexo para configurar un atractivo y arrebatador sonido, estableciendo muchas de las actitudes escénicas y posturas sónicas del venidero punk y de la posterior música independiente.

Creados en 1967, los Stooges (primero se hicieron llamar Psychedelic Stooges) estaban formados por el cantante James Osterberg, alias Iggy Pop (nacido el 21 de abril de 1947), el guitarrista Ron Asheton (nacido el 17 de julio de 1948), el bajista Dave Alexander y el hermano de Ron, Scott Asheton a la batería.

Iggy había formado parte de la banda de blues The Prime Movers y posteriormente de The Iguanas, grupo en el que tocaba la batería y de donde surgió su famoso apelativo. En esta época se dedicaban a realizar versiones de grupos, principalmente de los Beatles.

La primaria y brutal capacidad sonora de los Stooges, ejemplificada en la guitarra de Ron Asheton y sobre todo, el imprevisible, feroz y salvaje comportamiento de Iggy encima del escenario con su torso desnudo cubierto de sangre o mantequilla, sus autolesiones con cristales y sus zambullidas entre el público asistente a sus espectaculares conciertos (fue el primero en realizarlo) supusieron una enorme publicidad entre el mundo melómano underground.

Los Stooges se convirtieron en toda una sensación en la ciudad de Detroit y al final pudieron fichar con un gran sello como Elektra para publicar su primer disco “Stooges” (1969), bajo producción del Velvet Underground John Cale (aunque la primera elección de Iggy fue Jerry Ragovoy, el productor de Dusty Springfield).

El LP facturaba el visceral trabajo de la formación y aunque contenía grandes clásicos como “I wanna be your dog”, “1969” o “No fun”, su música no estaba preparada para el consumo de la gran masa y vendió muy pobremente. Sus conciertos eran otra cosa, pues sus admiradores impenitentes asistían sin falta a la orgía visual y sónica del grupo.

Su segundo disco, “Fun House” (1970), producido por Don Gallucci y agradecido por la presencia del saxo de Steven MacKay, a pesar de ser una obra maestra, tampoco logró colmar las expectativas comerciales de Elektra.
Los siete grandes temas del disco (sin desperdicio alguno) presentaban a un Iggy todavía más rabioso que en su álbum debut. El fracaso comercial de “Fun house” provocó su salida del sello Elektra y cambios en el grupo, el bajista Dave Alexander abandonó la formación y se incorporó al guitarrista James Williamson. Ron pasaría a tocar el bajo.

Estas frustraciones a nivel de ventas que casi les lleva a su desaparición como banda y a que Iggy ahondara aún más en su adicción a las drogas, en especial a la heroína, no avistaban un óptimo futuro para el devenir de los Stooges.
Tuvo que ser un gran fan del grupo como David Bowie el que vivificaría a la formación ahora denominada Iggy & The Stooges.
Con producción de Iggy y mezclado por Bowie, los Stooges consiguieron grabar para la Columbia un nuevo disco al que titularon “Raw Power” (1973).
Este trabajo, que contenía clásicos como “Search and destroy”, “Gimme Danger”, “Penetration” o “Raw power”, fue mucho mejor recibido por la crítica de la época y se convirtió en otro trabajo esencial del cuarteto.
A pesar de ello, la Columbia no renovó el contrato con los Stooges, alegando que sus miembros eran empedernidos adictos a las drogas.

En 1974 la banda terminaría por separarse tras un caótico concierto de despedida en Detroit, con batalla campal incluída entre el grupo y una facción de los conocidos motoristas Los Ángeles del Infierno, que se encontraban asistentes al mismo y comenzaron a tirar de todo al escenario.
Todo el follón y la magnífica música en directo de este esencial grupo de culto se encuentra recogida en el posterior “Metallic K.O.”.

En el año 2007 apareció un nuevo disco, “The Weirdness” (2007), álbum producido por Steve Albini en el que aparecía Mike Watt, ex Minutemen, al bajo como miembro oficial de la banda.

Ron Asheton murió a los 60 años tras un ataque al corazón el 6 de enero del año 2009.

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El escritor Herman Hesse se convirtió en un icono literario para la contracultura americana y los jóvenes hippies de los años 60 por sus textos sobre búsqueda de identidad y espiritualidad, con obras como “Siddartha”, “Demian” o “El lobo estepario”. Este último título (“Steppenwolf”) fue el nombre que utilizó John Kay para bautizar a su banda en el año 1967.

Kay (de nombre real Joachin Fritz Krauledat) nació el 12 de abril de 1944 en Tilsit, una localidad ubicada en Alemania del Este.
Amante del rock’n’roll y el blues que escuchaba en las radios de las bases militares estadounidenses, en su adolescencia se trasladó a Canadá para residir en Toronto, ciudad en la que comenzó a introducirse en el mundillo musical formando parte de varios grupos, siendo el más importante un conjunto de psicodelia y blues-rock denominado The Sparrow. A mediados de los años 60, la banda se afincó en la cuna del rock, los Estados Unidos, actuando en locales de Nueva York, San Francisco y Los Angeles.

En California a finales de 1967 el cantante, compositor y guitarrista John Kay creó Steppenwolf junto los ex miembros de Sparrow, el batería Jerry Edmonton y el teclista Goldy McJohn, y los nuevos músicos Michael Monarch, como guitarrista líder, y Rushton Moreve al bajo, quien fue reemplazado por John Morgan a los pocos meses de iniciar su andadura.

El grupo, influenciado por bandas que aunaban rock, psicodelia y blues-rock, como Cream o la Jimi Hendrix Experience, consiguió un contrato discográfico con RCA-Dunhill, publicando en 1967 su primer sencillo, “A girl I knew”. Posteriormente aparecieron “Sookie Sookie” (número 91) y “Born to be wild”.

Este último tema causó sensación en 1968 y se convirtió en todo un himno de la contracultura americana y en uno de los precursores del hard rock, con su palpitante intensidad instrumental y vocal. Además fue la primera vez que en una letra de un texto de rock aparecía el término “heavy metal”.

La canción alcanzó altos puestos en la lista de ventas estadounidense (número 2), siendo utilizada por el director y actor Dennis Hopper para su título de culto “Easy Rider”, una película que el propio Hopper co-protagonizaba con Peter Fonda y Jack Nicholson.

Aunque el principal compositor del grupo era su líder, John Kay, “Born to be wild” fue escrita por un antiguo miembro de los Sparrow, Dennis Edmonton (hermano de Jerry), conocido en esta época por su seudónimo Mars Bonfire.

Estos tres singles estaban incluidos en su LP debut, “Steppenwolf” (1968), un estupendo y pionero álbum precursor del hard rock que incluía homenajes a maestros como Chuck Berry, Muddy Waters o Willie Dixon.
Entre las piezas propias, además de “Born to be wild”, destacan cortes como “Your wall’s too hide”, “Everybody’s next one”, “The Ostrich” o “Desperation”. Otro de sus temas más conocidos es la adaptación de “The Pusher”, una canción antidroga escrita por el cantante de country Hoyt Axton.

El LP, producido por Gabriel Mekler, recibió una excelente acogida comercial (número 6) y sus actuaciones en vivo presentaban aforos repletos.
En 1968 publicaron su segundo disco grande, “Steppenwolf The Second” (1968), un trabajo que incluía otro hit en single, el tema psicodélico “Magic Carpet Ride” (número 3), escrito por Kay y el antiguo bajista Rushton Moreve que presentaba una lisérgica combinación de instrumentos con distinción para los teclados de McJohn.

El acid rock y el blues volvían a ser los protagonistas de esta brillante colección de canciones (número 3 en ventas de Lps), como “Don’t step on the grass, Sam”, “None of your doing” o “28”.

“At your birthday party” (1969) fue su tercer álbum. Un disco (número 7) menos satisfactorio que sus dos anteriores entregas, pero disfrutable, en el cual las tendencias rock se hacían más patentes.
El single “Rock me”, con el sonido en las cuatro cuerdas del bajista Nick St Nicholas, es el tema más conocido del LP y a pesar de no alcanzar la ventas de “Born to be wild” y “Magic carpet ride”, logró colocarse en el top 10 del Billboard.

“Monster” (1969) es uno de sus mejores trabajos. Este disco, en el cual aparecía el nuevo guitarrista Larry Byrom, reflejaba la tendencia política de la incisiva escritura de John Kay, incentivada por el contexto de la guerra del Vietnam.

Después del directo “Live” (1970), Steppenwolf grabaron uno de sus LPs más laureados, “Steppenwolf 7” (1970), en donde daban rienda suelta a su admirable instrumentación blues-rock con temas como “Foggy Mental Breakdown”, “Forty days and forty nights” o “Ball Crusher”. Para la grabación del disco se había añadido a la formación el bajista George Biondo.

“For ladies only” (1971), con el guitarrista Kent Henry tras la marcha de Byrom, presentaba una menor aportación compositiva de Kay, hecho que se vio reflejado en la calidad global de un conjunto no desdeñable.

El cantante debutó en solitario con “Forgotten Songs & Unsung Heroes” (1972) provocando la primera disolución del grupo tras una gira de despedida.

En 1974 Steppenwolf retornaron con “Slow Flux” (1974), ahora con la guitarra líder de Bobby Cochran. El álbum pasó bastante inadvertido al igual que “Hour of the wolf” (1975) y “Skullduggery” (1976), discos grabados en Epic de escasa trascendencia en su momento.

Tras una nueva ruptura a mediados de los 80 John Kay volvió a resucitar Steppenwolf, pero sus nuevos trabajos se alejaron de la relevancia mostrada en su primera etapa.

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