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Uno de los grandes genios musicales del siglo XX y una de las figuras fundamentales para el desarrollo sonoro y lírico de géneros tan diversos como el folk, el blues, country, rock o pop.

Su capacidad poética, desplegada desde notorias variantes descriptivas, que impregna una introspección personal y una mirada incisiva a la sociedad que le rodea, ha influenciado sobremanera a todo tipo de generaciones de artistas, deudores de un hombre esencial para entender el tránsito de la música moderna desde una hirviente adolescencia hasta una reflexiva y consciente madurez.

Robert Allen Zimmerman nació el 24 de mayo de 1941 en la localidad de Duluth, Minnesotta (Estados Unidos), pero a temprana edad se mudaría a Hibbing, ciudad localizada en su mismo estado de nacimiento. En su temprana adolescencia empezaría a aficionarse a la música folk, blues, rock’n’roll y country, imitando a sus maestros mientras sus padres atendían la ferretería familiar.
En el instituto, Bob comenzó a tocar la guitarra y pronto formaría un grupo llamado The Golden Chords, en donde principalmente interpretaba rock’n’roll al estilo Little Richard, su músico de rock favorito.

Cuando se trasladó a la Universidad de Minnesotta, comenzó a expandir su pasión por los estilos tradicionales de la música americana, y creció su devoción por gente como Woody Guthrie (a quien conoció en sus últimos días), Hank Williams o Leadbelly y adoptando el apellido Dylan, en homenaje a uno de sus poetas preferidos, Dylan Thomas, comenzó a cantar folk, estilo que a comienzos de los años 60 interpretaría con su singular voz y su peculiar fraseo en los locales neoyorquinos del Greenwich Village, tras aburrirse del academicismo universitario y abandonar sus estudios de arte.
Con anterioridad había adoptado, tras contemplar al bluesman Jesse Fuller en Denver, el soporte para la armónica, que le permitía tocar la guitarra al mismo tiempo que el citado instrumento de viento. En 1961 consigue firmar un contrato discográfico con Columbia y publicar su primer Lp titulado simplemente “Bob Dylan” (1962), trabajo repleto de versiones de blues y folk producido por John Hammond Jr. que incluía estupendos temas propios como “Talkin’ New York” o “Song to Woody”.

Ese mismo año, Dylan comenzó a trabajar en su segundo álbum grande que ya iba a ser proveído con profusión por su talento en la escritura con temas tan clásicos como “Blowin’ in the wind” (versionado con gran éxito por Peter, Paul & Mary), “Masters of war”, “Don’t think twice, it’s all right”, “I shall be free”, “Girl from the north country” o “A hard rain’s a-gonna fall”, todos ellos contenidos en su primera gran obra “The Freewheelin’ Bob Dylan” (1963), con una foto en la portada del compositor y su novia (por esos momentos) Suze Rotolo, el disco contenía momentos de acerada crítica social sin perder cortes de tono irónico y amoroso.
En 1964 y tras desechar su manager Albert Grossman algunos temas (“Mixed up confusion”) de tendencias más rockeras, publicó “The times they are a-changin'” (1964), álbum que proseguía su senda político-social con temas como el single homónimo, “With God on our side”, ” The lonesome death of Hattie Carroll” o “Boots of spanish leather”.

Otro magistral disco grande titulado “Another side of Bob Dylan”, en donde incorporaba materias de mayor calado sentimental y elementos de mayor complejidad lírica de elevado talente simbolista, influenciado por el poeta francés Arthur Rimbaud.
Las mejores canciones de este Lp producidas por Tom Wilson son “All I really want to do”, “Spanish Harlem Incident”, “It ain’t me babe”, “Chimes of freedom”, “I don’t believe you” o “My back pages”, temas versionados hasta la saciedad por diferentes grupos y solistas, incluida Joan Baez que se convertiría en amante y principal fan del cantautor.
La relación duraría poco y Dylan contraería su primer matrimonio en 1964 con la modelo Sara Lowndes, de quien se divorciaría en 1977.

En 1965 electrificaría su sonido tras admirar las posibilidades expansivas de la música rock y pop en el folk con la versión realizada por los Byrds de su “Mr. Tambourine man” y por la soberbia adaptación de los Animals con “House of the rising sun”, siendo rechazado cruelmente por los más acérrimos seguidores del folk, que lo abuchearon cuando apareció en el Festival de folk de Newport con su guitarra eléctrica y el grupo The Paul Butterfield Blues Band. El folk-rock fue adoptado por Dylan en su disco “Bringing it all back home”, pieza clave de su discografia con canciones impregnadas de imaginería y con tematicas eclécticas de connotaciones surrealistas en piezas como “Subterranean Homesick blues”, “Maggie’ farm”, “She belongs to me”, “Love minus zero”, “Bob Dylan’s 115th dream”, “Gates of Eden”, “It’s alright, ma, I’m only bleeding”, “It’s all over now, baby blue” o la propia “Mr. Tambourine man”.

El tránsito al campo eléctrico y abrazo de tendencias más blues, R&B y trazos rock se materializó totalmente en dos trabajos esenciales de su extensa carrera: “Highway 61 revisited” (1965) y “Blonde on blonde” (1966), dos obras maestras que prolongaban su talento lírico y musical con clásicos de la talla de “Like a Rolling Stone” (su sencillo más exitoso comercialmente hablando, alcanzando el puesto número 2), “Rainy day women #12 & 35”, “Visions of Johanna”, “I want you” o “Just like a woman”, temas (con el single “Positively 4th Street”) en los cuales colaboró gente como Michael Bloomfield, Harvey Brooks, Al Kooper y los miembros de The Band, formación canadiense conocida hasta ese momento como The Hawks (acompañaban al rockero Ronnie Hawkins) que se convertiría en su grupo de acompañamiento en directo y con quienes giraría por el Reino Unido en 1966, siendo acusado de traidor de nuevo a la causa folk por sus seguidores británicos.
Esta gira fue recogida por las cámaras de D. A. Pennebaker en su documental “Eat the document”.

La carrera de Bob Dylan alcanzaría en esos momentos su mayor penetración popular, ya que junto al merecido éxito de la crítica y la admiración de sus compañeros de profesión, sus discos grandes y sus sencillos cosecharían importantes resultados en ventas.
En pleno auge profesional un grave accidente de motocicleta acaecido en junio de 1966 en Bearsville, estado de Nueva York, pudo terminar trágicamente con su exitosa trayectoria.

Por fortuna no sucedió así, aunque tras este excepcional período de inspiración compositiva, Bob Dylan se refugió durante un tiempo en su familia y en su hogar, determinado incluso a abandonar el negocio musical.
Su encuentro en una casa llamada Big Pink con sus compañeros The Hawks le estimuló de nuevo para grabar multitud de temas procedentes de la música más enraizadamente americana, el resultado fue el disco “The Basement Tapes”, que no sería publicado hasta 1975, aunque corrieron desde ese mismo instante multitud de copias piratas de las grabaciones entre Dylan y el grupo de Robbie Robertson.
A finales del 67 publicarían el disco “John Wesley Harding” (1967), un álbum repleto de country que se encontraba al margen de las tendencias psicodélicas de la época (que le traían al fresco) y que desplegaba una menor complejidad en sus letras que trabajos pretéritos, retomando el gusto de Dylan por la música tradicional.

El álbum fue todo un éxito, alcanzando el número 1 en las listas británicas, gracias a temas como “All along the watchtower”, “Dear Landlord” o “I dreamed I saw St. Augustine”.
El country continuó con “Nashville Skyline” (1969), disco en el que aparecía Johnny Cash y que contenía su gran canción “Lay lady lay”, uno de los temas más bellos de toda su carrera.
El comienzo de la década de los 70 no resultó positivo para Dylan, ya que su complaciente disco “Self Portrait” (1970) resultó mal recibido por la crítica, todo lo contrario que “New Morning” (1970), álbum que recuperaba para bien los buenos procederes del cantautor de Minnesotta.

En esa época diversificó sus tareas artísticas, publicando el libro “Tarántula” y apareciendo como actor al lado de Kris Kristofferson y James Coburn en el western de Sam Peckinpah “Pat Garret y Billy The Kid” (1973), para el que compuso la banda sonora, disco en el cual se encontraba el famoso sencillo “Knockin’ on heaven’s door”. También apareció en vivo cantando en el Concierto para Bangladesh, organizado por el beatle George Harrison.
Tras firmar con David Geffen y después de publicar en Asylum Records el innecesario “Dylan” (1973), un disco lleno de versiones, en la mitad del decenio Bob Dylan publicó una serie de meritorios discos comenzados con “Planet Waves” (1975), trabajo en el que volvía a colaborar con The Band y que le llevaría a puestos muy altos en las listas de ventas.

Posteriormente llegarían el directo “Before the flood” (1974) y el esencial “Blood on the tracks” (1975), un Lp grabado para Columbia lleno de amargura personal que estaba marcado por el comienzo del traumático divorcio de Dylan con su esposa Sara. Este gran disco con temas como “Tangled up in blue”, “Idiot wind”, “Meet me in the morning” o “If you see her, say hello”, le llevaría directamente al número 1 en ventas.
Más tarde comenzaría una larga gira bajo el nombre de Rolling Thunder Revue, en la que Dylan se encontraba acompañado por gente como Joan Baez, Roger McGuinn, Mick Ronson o el poeta Allen Ginsberg.
Parte de sus actuaciones fueron recogidas en el album directo “Hard Rain” (1976).

Ese mismo año publicó un notable disco titulado “Desire” (1976), que incluía la canción “Hurricane”, homenaje al boxeador Rubin “Hurricane” Carter, injustamente detenido acusado de un asesinato que no había cometido. El Lp volvió a alcanzar el número 1.
En la parte final de los 70 y comienzos de los 80, Dylan publicaría varios discos de mediana calidad como “Street legal” (1978), “Slow train coming” (1979) -con la guitarra de Mark Knopfler- “Saved” (1980) y “Sot of love” (1981), estos tres últimos trabajos marcados por su conversión al cristianismo y temas religiosos.
Los bamboleos espiriturales de Bob Dylan le llevaron a dejar sus ideales cristianos y adoptar en 1983 el judaismo, justo antes de la publicación de “Infidels” (1983), trabajo producido al alimón con Knopfler y en el que aparecía el ex Rolling Stone Mick Taylor. En 1986 contrajo matrimonio con Carolyn Y. Dennis, de quien terminaría separándose en 1992.

Los restantes discos de Dylan en los 80 fueron los directos “Real live” (1984) y “Dylan & Dead” (1989) y los irregulares trabajos en estudio “Empire burlesque” (1985), “Knocked out loaded” (1986), “Down on the groove” (1988) y “Oh mercy” (1989).
Por esta época giró con Tom Petty & The Heartbreakers y The Grateful Dead, además de grabar dos Lps con los Travelling Willburys.
En su última etapa continuó trabajando con bastante regularidad y tras discos bastante prescindibles con buenos temas como “Under the red sky” (1990), “Good as I been to you” (1991), “World gone wrong” (1993) o el directo grabado para la MTV “Umplugged” (1995) nos regaló dos excelentes muestras de un talento inagotable al tiempo como “Time out of mind” (1997) y “Love and Theft” (2001).

“Modern Times” (2006) y “Together Through Life” (2009) son sus últimos discos.

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Amantes acérrimos del blues, historiadores de la música negra y coleccionistas impenitentes de vinilos de grandes y desconocidos del género, Alan Wilson y Bob Hite crecieron desde su temprana adolescencia amamantados por las afligidas historias de bluesman míticos como Robert Johnson, Johnny Lee Hooker, Muddy Waters, B. B. King, Willi Dixon, Son House o Elmore James, llevando su erudición a la escena musical de mediados de los 60 cuando irrumpieron en la ciudad californiana de Los Angeles con su rítmica interpretación del blues tradicional.

Fue este interés en el blues lo que unió al vocalista, guitarra y armónica Alan “The Blind Owl” Wilson (nacido el 4 de julio de 1943 en Boston) y al cantante Bob “The Bear” Hite (nacido el 26 de febrero de 1943 en Torrance), quienes se conocieron gracias a la mediación de John Fahey, una esencial figura en el desarrollo del folk.
Junto al guitarrista Henry “Sunflower” Vestine (que pasó brevemente por los Mothers of Invention), el bajista Stuart Brotman y el batería Frank Cook, Wilson y Hite formaron Canned Heat, tomando el apelativo de una canción que había grabado el bluesman Tommy Johnson en los años 20.

Comenzaron a actuar sin mucho seguimiento en 1965, y debido al escaso éxito popular se produjeron permutas en el puesto de bajista. Brotman abandonaría en favor de Mark Andes. Stuart Brotman formó parte con el tiempo del grupo Kaleidoscope, curiosamente el nombre del club angelino en donde se asentarían Canned Heat incrementando poco a poco su audiencia.

Firmaron con Lyberty Records y grabaron en 1967, ahora con Larry Taylor en el bajo tras la marcha de Mark Andes a Spirit, el sencillo “Rolling and Tumbling”, su debut en vinilo continuado por el LP “Canned Heat” (1967), un álbum producido por Cal Carter y compuesto por versiones y piezas originales que asentó la fama del grupo entre los amantes del blues tras su aparición en el Festival de Monterrey.

Con “Boogie with Canned Heat” (1968) la banda, que había reemplazado a Frank Cook por el mexicano Adolfo “Fito” de la Parra en las baquetas, logró la notoriedad definitiva gracias a su excitante boogie y apasionado blues.
El disco, producido por Dallas Smith, es uno de los mejores de su carrera e incluye el clásico “On the Road Again” y el single “Evil Woman”.

El doble “Livin’ the blues” (1969) contiene la extensa pieza en vivo “Refried Boogie” y la participación en algunos cortes de gente como John Mayall, Dr. John, Joe Sample o John Fahey.
Otros temas importantes del disco son “Pony Blues” o “Goin’ up the country”, una de sus canciones de mayor éxito comercial.

“Hallelujah” (1969), LP producido por su mánager Skip Taylor, fue el preludio de su actuación en el famoso Festival de Woodstock (en donde interpretaron temas como “Goin’ up the Country”, “Too Many Drivers at the Wheel” o “Let’s Work together”) y en la Isla de Wight.

Disensiones internas provocaron la marcha de Vestine, quien fue sustituido por Harvey Mandel antes de grabar su siguiente disco grande, “Future Blues” (1970), una de las cumbres de su trayectoria discográfica gracias a piezas como “Sugar Bee”, “Shake it and Break it” o la citada “Let’s Work Together”.

Poco después de la publicación de este LP, la desgracia se cebó en Canned Heat. Uno de sus pilares fundamentales, Alan Wilson, apareció muerto en el patio de su buen amigo Bob “El Oso” Hite, debido a una sobredosis de barbitúricos, probablemente suicidándose a causa de una de sus habituales depresiones.

El fallecimiento de Wilson supuso un duro golpe para el grupo, que cambió notablemente su composición. Larry Taylor se fue de la banda, hecho que aprovechó Henry Vestine, que no soportaba a Taylor, para regresar a la formación. Harvey Mandell, que se unió a John Mayall junto a Taylor, también dejó Canned Heat, siendo sustituido en el bajo por Antonio de la Barreda.

En 1970 publicaron un disco en directo, “Live in Europe” (1970) y un año después apareció “Hooker’n’Heat” (1971), un estupendo álbum grabado junto a uno de sus ídolos, Johnny Lee Hooker, en el que todavía aparecía en los créditos el fallecido Al Wilson.

Discos como “Historical Figures and Anciente Heads” (1971), en el que ya aparecía el sustituto de Wilson, Joel Scott Hill, “The New Age” (1973), álbum en el que intervino Richard Hite, quien reemplazó a De la Barreda, el guitarra y vocalista James Shane y el teclista Ed Beyer, o “One More River to Cross” (1974), fueron trabajos que proseguían sus pautas blues pero sin la inspiración de antaño.

El 5 de abril de 1981 Bob Hite sufrió un ataque al corazón que acabó con su vida. A pesar de que los dos puntales de la formación habían desaparecido, el nombre de Canned Heat continuó haciéndose notar en la escena musical gracias a sus regulares actuaciones en vivo, con Fito de la Parra como miembro permanente, y grabaciones de nuevos LPs, como “Canned Heat Blues Band” (1996), el último disco en el que tocó Henry Vestine, quien falleció en el año 1997.
Los últimos cantantes que pasaron por la banda fueron Walter Trout, James Thornbury y Robert Lucas, que a pesar de su buena técnica vocal, no lograron reverdecer los laureles del grupo de finales de los años 60 y comienzos de los 70.

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Amy Jade Winehouse (nacida el 14 de septiembre de 1983, Londres) es una cantante y compositora inglesa, conocida por sus mezclas de diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el Soul, Jazz, R&B, Rock & Roll y Ska. Es mejor conocida por su registro vocal (Contralto), que ha sido descrito como “acústicamente poderoso” y además, “expresa profundamente sus emociones”.

En 2003 Winehouse lanzó su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, Gran Bretaña, y fue nominado por los premios Mercury Prize. Su segundo álbum de estudio, Back to Black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo.

Este hecho condujo a Winehouse a obtener el record por ser la primera mujer en ganar la mayor cantidad de reconocimientos en una sola noche y además ser la primera artista Británica ganadora de cinco Grammys.

En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ha ganado un World Music Award y tresPremios Ivor Novello, entre otros prestigiosos reconocimientos.

Winehouse ha sido acreditada como una influencia detonadora en el ascenso de la popularidad de mujeres dedicadas a la música, de la música Soul y por fortalecer a la música Británica.

Ha recibido además, la atención de los medios por causas ajenas a su voz. Su estilo distintivo, ha sido motivo de inspiración para algunos diseñadores de modas como Karl Lagerfeld. Su adicción a las drogas y al alcohol, sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo, así como sus constantes problemas legales la han convertido en noticia cotidiana desde 2007.

Winehouse recibió su primera guitarra a los trece años y comenzó a escribir música un año más tarde. Al poco tiempo, empezó a trabajar actuando en directo por pequeños pubs de Londres, por la zona del famoso mercado de Camden Town. Su amigo, el cantante Tyler James, le dio un demo suyo a un productor, comenzando su carrera profesional a los 16 años. Firmó su primer contrato con la discográfica Island/Universal.

Su álbum debut, Frank, fue lanzado a la venta el 20 de octubre de 2003. El disco, producido principalmente por Salaam Remi, contenia influencias de jazz y a excepción de dos covers, todas las canciones estaban coescritas por Winehouse. El álbum fue bien recibido por los críticos quienes compararon su voz con las de Sarah Vaughan, Macy Gray, entre otras.  El álbum logró alcanzar el disco de platino en el Reino Unido y fue nominado a los Premios Mercury Music y a losBRIT Awards. En 2004, ganó un Premio Ivor Novello a la Mejor Canción Contemporánea por su single Stronger Than Me. El mismo año, la cantante se presentó en el Festival de Glastonbury y en el V Festival.

En 2006, Amy sacó su segundo álbum, Back to Black. El 14 de febrero de 2007 ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica. En junio de 2007, Winehouse ha sido nuevamente nominada a los Mercury Prize, porBack to Black; su disco ha alcanzado el platino en Estados Unidos y, como broche de oro, ha conseguido tres nominaciones a los MTV Video Music Awards de 2007; ese mismo año, en noviembre, lanzó Back To Black Deluxe Edition, reedición de su exitoso álbum Back to Black y su primer DVD titulado Told You I Was Trouble.

El 10 de febrero de 2008, se celebró la ceremonia de entrega de los Premios Grammy 2008, en que Winehouse resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: Mejor nuevo artistaGrabación del añoCanción del añoMejor interpretación femenina de pop por Rehab, además de Mejor álbum pop vocal por Back to Black, pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que en un primer momento, Estados Unidos le denegó el visado debido «a uso y abuso de narcóticos», y aunque esta decisión fue reconsiderada, el visado no llegó a tiempo para que la artista pudiera asistir a la gala. Finalmente intervino vía satélite desde Londres, interpretando dos de sus canciones más exitosas.

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Van Morrison es uno de los solistas más importantes y prolíficos que ha conocido la música británica gracias a su conjunción entre lírica introspectiva, expresión con trascendente hondura emocional, mística y sonidos blues, jazz, soul, folk, country, swing y gospel.

George Ivan Morrison nació el 31 de agosto de 1945 en Belfast, la capital de Irlanda del Norte.
Desde que era un niño en su hogar se escuchó todo tipo de música, en especial jazz, blues y folk, ya que su madre era cantante y su padre, que trabajaba en un astillero, se dedicaba en su tiempo libre al coleccionismo de discos, acumulando con avidez vinilos de jazz y blues, sonidos, junto al folk y el soul, que marcarían su trayectoria profesional como artista.

En su adolescencia Morrison, admirador de gente como Ray Charles, Sam Cooke, Willie Dixon, Bob Dylan, John Lee Hooker o Little Richard, lo intentó con varias bandas de skiffle, de moda entre la juventud a finales de los años 50 en Gran Bretaña.
No era un buen estudiante y abandonó el instituto a temprana edad con la intención de hacerse un hueco en el mundillo musical de la zona. Pasó por grupos, entre ellos Dennie Sands and The Javelins y The Monarchs, formación ésta en donde comenzó a practicar R&B.

En 1963 se alió con algunos miembros de un combo denominado The Gamblers y, junto a otros componentes de los Monarchs, formó Them, una banda que contaba con la producción de Bert Berns. Grabó dos excelentes discos antes de sufrir diferentes tensiones con Berns y abandonar al grupo.
No obstante, Bert y Van limaron asperezas y más tarde, en el sello discográfico del primero, Bang Records, debutó en 1967 con el single “Brown eyed girl”, un excelente clásico grabado en la ciudad de Nueva York.
Poco después aparecería, ante la sorpresa de un Morrison que no había dado su consentimiento para la edición, su primer LP, “Blowin’ your mind” (1967). Unos meses más tarde fallecería Bert Berns de un ataque al corazón, abriéndose así una nueva etapa para el cantante de Belfast, en donde se alejaba del enérgico R&B de los Them y mostraría su aspecto más intimista, reflexivo y espiritual, exquisito en texturas sónicas.

Tras la muerte de Berns, Van, quien en 1967 se había casado con Janet Planet, fichó por la Warner y con producción de Lewis Merenstein grabó una de sus obras maestras, “Astral Weeks” (1968), un álbum lleno de poesía en el cual Morrison exhibía unas tonadas que amalgamaban ecos jazz, blues, gospel, folk y soul. Entre ellas “Sweet thing”, “Ballerina”, “Madame George”, “The way young lovers do” o “Cyprus Avenue”.

Su siguiente Lp sería el fantástico “Moondance” (1970), con piezas como “And it stoned me”, “Caravan”, “Into the mystic”, “Glad tidings”, “Crazy love” o el single “Come running”. El vinilo estaba producido por el propio Van Morrison, quien confirmaba su magisterio compositivo con este gran trabajo.

Con el cambio de década Morrison se trasladó a vivir con Janet a la Costa Oeste de los Estados Unidos.
Allí grabó discos meritorios como “His Band and the Street Choir” (1970), con “Domino”, “Give me a kiss” o “Blue money”, “Tupelo Honey” (1971), disco co-producido con Ted Templeman (ex miembro de los Tikis y Harpers Bizarre) con “Wild night”, “I wanna roo you”, “Old old Woodstock” o “Starting a new life”, o “Saint Dominic’s Preview” (1972), Lp de calado soul con cortes como “Listen to the Lion”, “Jackie Wilson said (I’m in heaven with your smile) o “Gypsy”.

En 1971 Morrison había creado la Caledonia Soul Orchestra, quien le acompañaría en estudio y en sus interpretaciones en vivo.

El año de la salida de “Hard nose the highway” (1973), Van y Janet se divorciarían, hecho que llevo de nuevo al cantante irlandés a afincarse de nuevo en Belfast. En 1973 también editaría el disco en vivo “It’s too late to stop now” (1973).
Su calado sensible y reflexivo se volvió a mostrar en su esplendor en el estupendo “Veedon fleece” (1974), en el cual aparecían temas como “Fair play”, “Who was that masked man” o “Streets of Arklow”.

Aquí terminaría la etapa más significativa de la carrera de Van Morrison.
Posteriormente seguiría grabando discos plausibles pero la grandeza de este primer período no volvería a manifestarse de una manera tan prominente.

Tras unos años alejado de los estudios Morrison, que aparecería junto a The Band en su concierto de despedida, acontecido en 1976, retornaría a las tiendas de discos con “A period of transition” (1977), un disco co-producido nada más y nada menos que por el Dr. John.

Los años 70 terminaron para Van con notorios LPs como “Wavelenght” (1978), con colaboración de Pete Bardens (ex compañero de Morrison en Them), e “Into the music” (1979), disco en el cual introducía su guitarra Ry Cooder.

En décadas posteriores, al margen de modas, con su estilo definido y las raíces sonoras claras, Van Morrison volvió a publicar con regularidad discos recibidos con júbilo por sus numerosos seguidores, como “Common one” (1980), “Beautiful vision” (1982), “Inarticulate speech of the heart” (1983), “A sense of wonder” (1984), “Poetic champions compose” (1985), “No guru, no method, no teacher” (1986), “Irish heartbeat” (1988), en donde colaboraba con los veteranos The Chieftains, “Avalon sunset” (1989), “Enlightenment” (1990), “Hymns to the silence” (1991), “Too long in exile” (1993), el directo “A night in San Francisco” (1994), “Days like this” (1995), “How long has this been going on” (1996), “Tell me something: The songs of Mose Allison” (1996), “The healing game” (1997), la colección “The philosopher’s stone” (1998), “Back on top” (1999), “You win again” (2000), disco grabado junto a Linda Gail Lewis, “Down on the road” (2002) o “What’s wrong with this picture?” (2003).

Su último trabajo es “Magic time” (2005), disco en el que incluye temas propios como “Stranded”, “Gypsy in my soul” o “Celtic new year”, además de versiones de Fats Waller (“Lonely and blue”), Frank Sinatra (“This love of mine”) y Perry Como (“I’m confessin’).

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El cantante y multi-instrumentista Steve Winwood fue uno de los principales talentos surgidos en los años 60 en el Reino Unido. Después de comandar la banda de R&B Spencer Davis Group, al joven Winwood se le quedó pequeña la simulación enérgica de sus ascendencias negras y en tiempos de hippismo, psicodelia y experimentación sónica, con discos como “Revolver” o “Sgt Peppers” de los Beatles revolucionando el panorama musical, decidió abandonar en 1967 a Spencer Davis para desarrollar su nuevo proyecto en un grupo al que llamó Traffic.
Al cantante, guitarrista y teclista Steve Winwood (nacido el 12 de mayo de 1948 en Birmingham), un joven prodigio de diecinueve años dispuesto a adoptar la lisergia como principal basamento de su nueva música, ecléctica y muy interesante, ya que no desdeñaba sonidos soul, jazz, folk o blues, se le unieron el guitarrista y vocalista Dave Mason (nacido el 10 de mayo de 1947 en Worcester), ex componente de Deep Feeling, el batería, teclista y vocalista Jim Capaldi (nacido el 24 de agosto de 1944 en Evesham), quien también había tocado en Deep Feeling, y el saxo y flauta Chris Wood (nacido el 24 de junio de 1944 en Birmingham), quien había estado previamente en el grupo Locomotive.

El cuarteto decidió asumir también una filosofía vital de flower power, trasladandose en plan comuna con sus familias a vivir conjuntamente en una casa de campo ubicada en Aston Tirrold, Berkshire.
Ficharon por Island Records y allí, en 1967, publicaron su primer sencillo, “Paper Sun”, un tema psicodélico co-escrito entre Jim Capaldi, principalmente como letrista, y Steve Winwood, principalmente la música, que llegó al número 5 en el Reino Unido.

El mismo año tuvieron más éxito con “Hole in my shoe” (número 2), una canción escrita por Dave Mason y menos, dentro de una sucesión de grandes éxitos, con “Here we go round the Mulberry Bush” (número 8), tema compuesto por todos los componentes de la banda.
El LP, aparecido en el mes de diciembre, “Mr. Fantasy” (1967), producido por Jimmy Miller, fue un disco ejemplar del período, todo un clásico de la psicodelia británica en el cual se apreciaba el consumo habitual de drogas para estimular el proceso creativo y su significación ecléctica en unos temas psicodélicos que se desarrollaban de manera progresiva, con elementos blues y jazz.
Algunos de sus mejores cortes, sin los tres singles en su versión original, son “Heaven is in your mind”, la balada “No face, no name, no number” (número 40), cuarto single del grupo, “Dealer”, “Dear Mr. Fantasy”, tema que fue versionado por Grateful Dead, o “Coloured Rain”.
“Mr. Fantasy” alcanzó el puesto 8 en la lista de ventas de LPs en Gran Bretaña.

En 1967, Mason, con un sentido compositivo más melódico que el resto de la banda, dejó el grupo durante un tiempo debido a tensiones internas, pero retornó pocos meses después.
“Traffic” (1968) fue su segundo y gran LP (número 9 en el Reino Unido), otro estupendo trabajo producido por Miller, con, dentro de la psicodelia, incisiones R&B, jazz, soul, country y folk-rock, ecos de The Band y Buffalo Springfield, y composiciones importantes como “Feelin’ alright”, su quinto single que conoció versiones de Grand Funk Railroad o Joe Cocker, “Who knows what tomorrow might bring”, “You can all join in”, “Don’t be sad” o “40.000 Headmen”, tema del cual hicieron un cover Blood, Sweat & Tears.
Después de este disco Dave Mason dejó definitivamente el grupo tras ser despedido por el restante trío. Este hecho haría tambalear la formación ya que el propio Winwood se marcharía para integrarse durante su corta existencia en el supergrupo Blind Faith.

A comienzos de 1969 Traffic dejó de existir o eso parecía por los derroteros tomados por sus principales miembros. Pocos meses después Island editó “Last Exit” (1969), un disco con temas en estudio y canciones en vivo. En esta etapa se publicó el single “Medicated Goo”, un tema imbuido de funk y soul en el cual se aprecia bien la influencia clave de Steve Winwood en Paul Weller.

“Last Exit” se proclamó en su tiempo como el último LP de la banda, pero finalmente, junto tras Blind Faith dejó de existir y Steve estaba ideando su primer álbum en solitario, “Mad Shadows”, Winwood se unió a Jim Capaldi y a Chris Wood de nuevo para proseguir de manera magistral con Traffic al grabar su cuarto LP, “John Barleycorn must die” (1970), un fenomenal disco producido por Chris Blackwell y Guy Stevens, quien había producido anteriormente a Free, Mott The Hoople o Mighty Baby.
“Glad”, “Freedom rider”, “Empty pages” formaban parte de un álbum sensacional (número 11), con jazz-rock, folk, blues, funk y rock psicodélico, el cual mostraba que sin la presencia de Mason el grupo, dominado por el virtuosismo de Winwood, podía seguir deparando momentos musicales indelebles.

Tras este LP al terceto se le unió el bajista Rick Grech, ex miembro de Family y Blind Faith, que intervino en la grabación del directo “Welcome to the canteen” (1971), disco en el cual incluían una versión de un conocido tema de Steve Winwood para Spencer Davis Grupo, “Gimme some lovin’”. En el álbum también tocaron el percusionista Reebop Kwaku Baah (que había tocado con Dizzy Gillespie), el batería Jim Gordon y el mismísimo Dave Mason, quien participó en algunos conciertos para desaparecer de nuevo del seno del grupo.

En 1971 también apareció “Low spark of high heeled boys” (1971), un sobresaliente disco progresivo producido por el propio Winwood que cosechó un mejor recibimiento en los Estados Unidos que en su propio país, alcanzando en el Billboard el puesto número 7 gracias a temas como “Rock and roll Stew”, “Light up or leave me alone” o la extensa pieza homónima, que recogía bien la música ecléctica del conjunto británico.
Después del álbum Grech y Gordon dejaron Traffic.
El subestimado “Shoot out at the Fantasy Factory” (1973), con “Roll right stones” o “Evening Blue”, prosiguió su senda jazz-rock, “On the road” (1974) fue un directo que mostraba su habilidad instrumental, y “When the eagles flies” (1975) puso punto y final a su segunda etapa (tras la salida de Mason) con un disfrutable disco que incluía entre sus temas canciones como “Dream Gerrard” o “Walking in the wind”.

Después de este álbum sus miembros siguieron rumbos en solitario. Steve Winwood debutó en solitario con “Steve Winwood” (1977), en el cual colaboraban antiguos miembros de Traffic. Posteriormente siguió en los años 80 una carrera de, por lo generral, bajo interés con sonidos inanes y rutinarios de soul blanco.
Jim Capaldi, que había iniciado su trayectoria como solista en 1972 con “Oh, How we danced” (1972), cuando Winwood sufrió una enfermedad, la peritonitis, que le impidió girar y grabar con la banda, retomó esta carrera poco prominente al margen de Traffic.
En 1994, de manera sorprendente, Winwood y Capaldi reavivaron Traffic para girar en directo y grabar un último disco, “Far from home” (1994), un disco aceptable pero alejado de la calidad de sus mejores obras.
Jim Capaldi fallecería el 28 de enero del año 2005 a la edad de 60 años a causa de un cáncer de estómago.

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Artista único, ecléctico e inquieto, de voz lijosa, abrigado a la escritura beatnik de William Burroughs o Jack Kerouac y a los sonidos primarios del jazz, el blues, el cabaret, las composiciones pop del Tin Pan Alley, la vanguardia, Lenny Bruce, Harry Partch, Louis Armstrong, el burlesque, Kurt Weill o el rock experimental.
Creador y espejo de outsiders dados al alcohol y a la bohemia que pueblan ambientes tan sórdidos como románticos, tan míseros como fascinantes, tan teatrales como reales, Tom Waits es uno de los grandes personajes de la historia del rock, un crooner noctívago del lumpen, de los clubes de barrios bajos henchidos de alcohol y humo.

Thomas Alan Waits nació el 7 de diciembre de 1949 en la localidad californiana de Pomona (Estados Unidos), teniendo su familia ascendencia noruega, irlandesa y escocesa. Sus padres, ambos maestros de escuela, eran Jessee Frank Waits y Alma Johnson McMurray. Cuando tenía diez años sus padres se divorciaron, yéndose él a residir con su madre y sus dos hermanas a National City, en San Diego.
Desde su adolescencia se empapó de música, especialmente jazz y blues, apreciando asímismo y sobremanera la capacidad lírica de Bob Dylan, uno de sus ídolos.
Tom, al mismo tiempo que estudiaba, trabajaba a mediados de los años 60 en la pizzería Napoleone Pizza House de National City. De su estancia allí, lugar en el cual escuchó mucha música en el jukebox del local durante cinco años, dará buena cuenta en algunas posteriores grabaciones, como “The ghost of Saturday night”.
En esa época, cuando tenía 15 años, formó parte de su primera banda, The Systems, un combo que interpretaba temas soul y R&B.
A finales de la década de los 60 comienza a leer a los escritores de la Generación Beat, como Burroughs o Kerouac, quienes influenciarían de manera notable sus composiciones, las cuales son interpretadas en directo por primera vez a finales de 1970 bajo el nombre de Thomas Waits. En junio del siguiente año Waits es descubierto por Herb Cohen en el club angelino Troubadour. Cohen, mánager de Frank Zappa, se convertirá en el representante de Tom, que se traslada definitivamente desde San Diego a Los Angeles, ciudad en la que reside en principio, durante un breve tiempo, en su propio coche.

Graba sus primeras demos para Cohen, que serán publicadas posteriormente en el recopilatorio “The Early Years”, y en 1973 es contratado por el sello de David Geffen, Asylum, para grabar su primer Lp, “Closing Time” (1973), un melancólico álbum debut producido por Jerry Yester, ex miembro de Lovin’ Spoonful y productor de Association o Tim Buckley, que singulariza su pasión por el jazz y el blues en temas como “Martha”, “Ol’ 55” o “I hope that I don’t fall in love with you”. “Martha” sería versionada posteriormente por Tim Buckley o Meatloaf, mientras que “Ol’ 55” conoció covers de los Eagles o los Smashing Pumpkins, y “I hope that I don’t fall in love with you” conocería revisitaciones de Bon Jovi o 10.000 Maniacs.
Waits, cuando no actuaba en solitario con su piano, su guitarra y su singular voz, era acompañado en directo por esa época por el bajista Bob Webb, el guitarrista John Forsha y el trompetista Rich Phelps.

Su segundo álbum fue “The heart of Saturday Nights” (1974), el primer disco producido por Bones Howe, personaje que había colaborado con Association, Fifth Dimension y los Turtles. El disco, incidiendo en su perspectiva poética beatnik, gradación taciturna y sus sonidos lo-fi de cimiento jazz, estaba arreglado por Mike Melvoin y contenía cortes como el single “San Diego Serenade”, “Diamonds on my winshield” o la propia “The heart of Saturday nights”, canción versionada por Jonathan Richman.
En la época de “The heart of Saturday Nights” Tom se trasladó a vivir en el motel Tropicana.
En “Nighthawks at the dinner” (1975) traslada el ambiente en directo de club al estudio, conformando un doble álbum jazz en vivo con sabor a alcohol y olor a nicotina y canciones como “Warm beer and cool women”, “Nighthawk postcards” o “Eggs and sausage”. También escribía varios cortes junto a otro personaje afín a la lírica beatnik, Chuck Weiss. En la actuación, grabada ante un puñado de amigos, también aparecía una stripper llamada Dwana y un grupo de músicos de acompañamiento, como Jim Hughart del bajo, Pete Christlieb del saxo, Bill Goodwyn de la batería y Melvoin a los teclados.

“Small Change” (1976) fue su cuarto álbum y uno de los mejores discos del autor californiano en Asylum Records, quien tanto sabe expandir su poesía con momentos nostálgicos y macilentos como puntuar la lírica beat con sentido del humor. “Step right out”, corte revisitado por Violent Femmes, “The piano has been drinking” o la hermosa balada “Tom Traubert’s Blues”, tema versionado por Rod Stewart, son algunos de los momentos cumbres de un Lp que se convirtió en el más vendido de su carrera hasta ese momento.
Para presentar el álbum en vivo Waits formó una banda de acompañamiento llamada The Nocturnal Emissions, la cual estaba conformada por el bajista Fitzgerald Jenkins, el saxofonista Frank Vicari y Chip White en la batería.

Por esa época mantenía relaciones con Rickie Lee Jones, cantautora que aparece en la portada de su disco “Foreing affairs” (1977), en donde establece, con bases jazz y blues, un homenaje a Jack Kerouac y Neal Cassidy con “Jack & Neal”, colaborando también con Bette Midler en la elegante balada jazz “I never talk to strangers”, con Tom emulando a otro de sus iconos favoritos, Louis Armstrong. Otros cortes destacados del disco son “Burma Shave” y “Foreign affair”.
En 1978 se aprovecha su innata teatralidad como interprete y debuta como actor con la película de Sylvester Stallone “La cocina del infierno” (1978), título para el que escribe el tema principal “(Meet me in) Paradise Alley”.

“Blue Valentine” (1978) sería su siguiente álbum, el cual, con Ricky Lee de nuevo presente, fue presentado con el single “Somewhere”, extraído de la banda sonora de “West Side Story”. Sus concomitancias jazzísticas, impregnadas por aromas etílicos e imaginería y narraciones de outsider de corte cinematográfico continuaban asentando su escritura, ahora trasladada con una vocalidad cada vez más rasposa, que ahonda en las emociones descritas.
“Romeo is bleeding”, “Christmas card from a hooker in Minneapolis”, “Whistlin’ past the graveyard”, tema que sería versionado por Screamin’ Jay Hawkins, o “Kentucky Avenue” son algunos de sus mejores cortes de este álbum, el penúltimo en su etapa de Asylum y probablemente el más conseguido de este sello. El último sería “Heartattack and vine” (1980), un disco interesante con canciones como “On the nickel” o “Jersey Girl”, pieza grabada posteriormente por Bruce Springsteen. Sería la última colaboración con el productor Bones Howe.

El tema estaba dedicado a Kathleen Brennan, con quien Tom se casó el 10 de agosto de 1980 tras romper con Ricky Lee Jones. Brennan era colaboradora de Francis Ford Coppola, con quien Waits iniciaría una duradera amistad, extensible al clan Coppola, como Nicolas Cage. Con Kathleen tendrá a sus tres hijos, Kellesimone, Casey Xavier y Sullivan.
En la gira de “Heartattack and wine” es acompañado por el bajista Greg Cohen y el saxofonista Teddy Edwards.
En 1982 escribe junto a la cantante y compositora Crystal Gayle la banda sonora del film de Coppola “Corazonada”, “One from the heart” (1982), publicado en CBS y producido por Gray Frederickson. Un año después vuelve a trabajar como Coppola actuando en “Rebeldes” y “La ley de la calle”. Más tarde aparecería en “Cotton Club” o “Drácula”, película en la cual incorporaba el personaje de Renfield.
Su separación de Howe y su entrada en Island Records va a producir una varianza en el sonido de Tom Waits, alejándose de las pautas tradicionales del jazz, el Tin Pan Alley y el blues, y penetrando en mundos más experimentales y complejos, empleando para su expresión artística mayor opulencia instrumental, con énfasis en la percusión y menos en el clásico piano, acerando su voz para convertirla en su principal instrumento, expandiendo sus historias de perdedores urbanos con imaginería muchas veces en base al cut-up y a la experimentación aunque con la esencia de arreglos jazz y blues, lo que impregna de surreal algunas narrativas, extremando la teatralidad y la ínfula avant-gardé, añadiendo a sus influencias trazas de Captain Beefheart, Kurt Weill o Harry Partch.

El primer álbum en Island sería “Swordfishtrombones” (1983), con portada con semblante de cabaret germano, es el disco que produce en solitario por primera vez en su carrera. “16 shells from a thirty-ought six”, “Down, Down, Down”, “In the neighborhood” “Swordfishtrombones” o “Shore Leave” son algunos de los mejores temas de un disco revolucionario en su sonido.
Después de componerle en 1984 un tema a Marianne Faithfull, “Strange weather”, Waits grabaría otras gemas en Island como el excelente album “Rain Dogs” (1985), con temas como“Downtown train”, “Singapore”, “Time” o “Big Black Mariah”, canción en la que toca la guitarra nada más y nada menos que Keith Richards. “Downtown train” se convirtió en uno de los cortes más populares de su trayectoria como cantautor, siendo versionado por Rod Stewart, Patti Smith o Everything but the girl.

Tras colaborar con los Rolling Stones en el mediocre disco “Dirty Work” y actuar para Jim Jarmusch en “Bajo el peso de la ley” (1986), Tom grabó “Franks wild year” (1987), adaptación en disco de la obra musical que co-escribió junto a su esposa Kathleen, preludio del directo “Big time” (1988) y “Bone Machine (1992), un álbum en el cual colabora de nuevo Richards. También aparece Les Caypool, bajista de Primus. Entre sus mejores temas, muchos escritos al alimón con Kahtleen, se encuentran “Jesus gonna be here”, “I don’t wanna grow up”, “Who are you” o “Earth die screaming”.

Tras “Bone Machine” y la colaboración con William Burroughs en “The Black Rider” (1993), Lp que adaptaba su propia opereta, Waits dejaría Island Records para grabar en Anti-Epitaph interesantes discos de aspecto cetrino, freakiesco, reflexivo y nocturnal, cada vez con mayor incidencia de Brennan en su proyección, que removían de manera experimental los cánones clásicos del jazz y el blues, como “Mule Variations” (1999), “Blood Money” (2002), y “Alice” (2002), disco centrado en la figura de Alice Liddell, la musa de Lewis Carroll para su obra maestra “Alicia en el país de las maravillas”.
Después de grabar en el año 2003 para el disco de tributo a los Ramones “We’re a happy family” el tema “Return of Jackie and Judy” Tom publicó su último trabajo, “Real Gone” (2004).

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http://www.youtube.com/watch?v=FHjkyddpLoY

A finales de los años 90 surgieron en la ciudad de Chicago los Zelienople, un combo formado por el vocalista, guitarra y bajista Matt Christensen, el batería Mike Weiss, y el guitarrista y teclista Brian Harding, ocupado también en tocar el clarinete.

Sus sonidos psicodélicos con trazas ambient, jazz, blues, techno y folk, el acertado trato melódico, la riqueza en texturas, la sutileza minimalista, las disonancias, y las atmósferas oscuras, evocativas, espaciales o melancólicas, conocieron su inicial materialización en disco con el single “It’s Hard to Steal Cars”, incluido en su primer LP “Pajama Avenue” (2002), editado en Loose Thread Records.

La aparición profusa de su discografía es un tanto singular y editada en diferentes sellos. Dos años después de su debut grabaron “Sleeper Coach” (2004), otro álbum de esencia shoegazer, y más tarde “Ink” (2005), un LP editado originariamente y de forma limitada sólo en Finlandia, “Ghost Ship” (2005), otro disco de corta difusión que en su día fue publicado en Nueva Zelanda, y “Stone Academy” (2006), aparecido en su primera edición en vinilo con una tirada de 300 copias. El sello Root Strata también editaría este disco en CD.

Al margen de estos álbums, los Zelienople (nombre derivado de una pequeña localidad de Pennsylvania) también han publicado varios CD-R, como “Bachelors Grove” y “Enemy Chorus”.

Su último trabajo es “His/Hers” (2007), disco editado en el sello inglés Type Records que contiene canciones como “Moss Man” y “Family Beats”.

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