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Posts Tagged ‘FOLK’

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Tracy Chapman (n. Cleveland, Ohio, 30 de marzo de 1964) es una cantante estadounidense ganadora de variospremios Grammy y conocida por el éxito de canciones como “Fast Car”, “Talkin’ Bout a Revolution”, “Baby Can I Hold You” y “Give Me One Reason”.

Nacida en Cleveland, Tracy Chapman comenzó a tocar la guitarra y a escribir canciones con tan sólo 11 años. Fue aceptada en la organización orientada a reclutar niños afrodescendientes con aptitudes para destacar en diferentes campos, por lo que entró a estudiar en la Wooster School y posteriormente en la Tufts University de Medford,Massachusetts.

En 2004, la Tufts University le concedió el título de Doctor honoris causa.

Durante sus estudios universitarios, Chapman comenzó a tocar en la calle y en cafés de la ciudad de Cambridge enMassachusetts. Tras su graduación fichó por la compañía Elektra Records, lanzando el disco Tracy Chapman en1988. El álbum fue muy bien acogido por la crítica, y ella comenzó una gira donde fue captando a un gran número de fans. Tras su actuación en el concierto homenaje a los 70 años de Nelson Mandela, la canción Fast Carcomenzó a subir en las listas americanas hasta alcanzar el Top 10. El álbum alcanzaría ventas elevadas llegando al disco de platino y Tracy lograría tres grammys en la edición de ese año.

Su siguiente álbum Crossroads lanzado en 1989 tuvo menos éxito comercial que su predecesor y para el siguienteMatters of the Heart Chapman preparó una gira en recintos de poca capacidad para recalcar el aire intimista del disco. Para sorpresa de la industria musical su cuarto álbum New Beginning, fue todo un éxito comercial que llegó a vender 3 millones de copias tan sólo en Estados Unidos. Este álbum incluía el hit Give Me One Reason que ganó elGrammy a la mejor canción de Rock del año y se convirtió en el single de mayor éxito de Chapman hasta la fecha. El siguiente álbum fue Telling Stories editado en el año 2000, y que supuso un giro hacia el rock frente al sonido folk dominante en los discos precedentes. Del disco el single Telling Stories fue muy difundido en las radiodifusoras europeas. Su sexto disco fue Let It Rainlanzado en 2002. En septiembre de 2005 lanzó el disco Where You Live y en noviembre de 2008, Our Bright Future.

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Van Morrison es uno de los solistas más importantes y prolíficos que ha conocido la música británica gracias a su conjunción entre lírica introspectiva, expresión con trascendente hondura emocional, mística y sonidos blues, jazz, soul, folk, country, swing y gospel.

George Ivan Morrison nació el 31 de agosto de 1945 en Belfast, la capital de Irlanda del Norte.
Desde que era un niño en su hogar se escuchó todo tipo de música, en especial jazz, blues y folk, ya que su madre era cantante y su padre, que trabajaba en un astillero, se dedicaba en su tiempo libre al coleccionismo de discos, acumulando con avidez vinilos de jazz y blues, sonidos, junto al folk y el soul, que marcarían su trayectoria profesional como artista.

En su adolescencia Morrison, admirador de gente como Ray Charles, Sam Cooke, Willie Dixon, Bob Dylan, John Lee Hooker o Little Richard, lo intentó con varias bandas de skiffle, de moda entre la juventud a finales de los años 50 en Gran Bretaña.
No era un buen estudiante y abandonó el instituto a temprana edad con la intención de hacerse un hueco en el mundillo musical de la zona. Pasó por grupos, entre ellos Dennie Sands and The Javelins y The Monarchs, formación ésta en donde comenzó a practicar R&B.

En 1963 se alió con algunos miembros de un combo denominado The Gamblers y, junto a otros componentes de los Monarchs, formó Them, una banda que contaba con la producción de Bert Berns. Grabó dos excelentes discos antes de sufrir diferentes tensiones con Berns y abandonar al grupo.
No obstante, Bert y Van limaron asperezas y más tarde, en el sello discográfico del primero, Bang Records, debutó en 1967 con el single “Brown eyed girl”, un excelente clásico grabado en la ciudad de Nueva York.
Poco después aparecería, ante la sorpresa de un Morrison que no había dado su consentimiento para la edición, su primer LP, “Blowin’ your mind” (1967). Unos meses más tarde fallecería Bert Berns de un ataque al corazón, abriéndose así una nueva etapa para el cantante de Belfast, en donde se alejaba del enérgico R&B de los Them y mostraría su aspecto más intimista, reflexivo y espiritual, exquisito en texturas sónicas.

Tras la muerte de Berns, Van, quien en 1967 se había casado con Janet Planet, fichó por la Warner y con producción de Lewis Merenstein grabó una de sus obras maestras, “Astral Weeks” (1968), un álbum lleno de poesía en el cual Morrison exhibía unas tonadas que amalgamaban ecos jazz, blues, gospel, folk y soul. Entre ellas “Sweet thing”, “Ballerina”, “Madame George”, “The way young lovers do” o “Cyprus Avenue”.

Su siguiente Lp sería el fantástico “Moondance” (1970), con piezas como “And it stoned me”, “Caravan”, “Into the mystic”, “Glad tidings”, “Crazy love” o el single “Come running”. El vinilo estaba producido por el propio Van Morrison, quien confirmaba su magisterio compositivo con este gran trabajo.

Con el cambio de década Morrison se trasladó a vivir con Janet a la Costa Oeste de los Estados Unidos.
Allí grabó discos meritorios como “His Band and the Street Choir” (1970), con “Domino”, “Give me a kiss” o “Blue money”, “Tupelo Honey” (1971), disco co-producido con Ted Templeman (ex miembro de los Tikis y Harpers Bizarre) con “Wild night”, “I wanna roo you”, “Old old Woodstock” o “Starting a new life”, o “Saint Dominic’s Preview” (1972), Lp de calado soul con cortes como “Listen to the Lion”, “Jackie Wilson said (I’m in heaven with your smile) o “Gypsy”.

En 1971 Morrison había creado la Caledonia Soul Orchestra, quien le acompañaría en estudio y en sus interpretaciones en vivo.

El año de la salida de “Hard nose the highway” (1973), Van y Janet se divorciarían, hecho que llevo de nuevo al cantante irlandés a afincarse de nuevo en Belfast. En 1973 también editaría el disco en vivo “It’s too late to stop now” (1973).
Su calado sensible y reflexivo se volvió a mostrar en su esplendor en el estupendo “Veedon fleece” (1974), en el cual aparecían temas como “Fair play”, “Who was that masked man” o “Streets of Arklow”.

Aquí terminaría la etapa más significativa de la carrera de Van Morrison.
Posteriormente seguiría grabando discos plausibles pero la grandeza de este primer período no volvería a manifestarse de una manera tan prominente.

Tras unos años alejado de los estudios Morrison, que aparecería junto a The Band en su concierto de despedida, acontecido en 1976, retornaría a las tiendas de discos con “A period of transition” (1977), un disco co-producido nada más y nada menos que por el Dr. John.

Los años 70 terminaron para Van con notorios LPs como “Wavelenght” (1978), con colaboración de Pete Bardens (ex compañero de Morrison en Them), e “Into the music” (1979), disco en el cual introducía su guitarra Ry Cooder.

En décadas posteriores, al margen de modas, con su estilo definido y las raíces sonoras claras, Van Morrison volvió a publicar con regularidad discos recibidos con júbilo por sus numerosos seguidores, como “Common one” (1980), “Beautiful vision” (1982), “Inarticulate speech of the heart” (1983), “A sense of wonder” (1984), “Poetic champions compose” (1985), “No guru, no method, no teacher” (1986), “Irish heartbeat” (1988), en donde colaboraba con los veteranos The Chieftains, “Avalon sunset” (1989), “Enlightenment” (1990), “Hymns to the silence” (1991), “Too long in exile” (1993), el directo “A night in San Francisco” (1994), “Days like this” (1995), “How long has this been going on” (1996), “Tell me something: The songs of Mose Allison” (1996), “The healing game” (1997), la colección “The philosopher’s stone” (1998), “Back on top” (1999), “You win again” (2000), disco grabado junto a Linda Gail Lewis, “Down on the road” (2002) o “What’s wrong with this picture?” (2003).

Su último trabajo es “Magic time” (2005), disco en el que incluye temas propios como “Stranded”, “Gypsy in my soul” o “Celtic new year”, además de versiones de Fats Waller (“Lonely and blue”), Frank Sinatra (“This love of mine”) y Perry Como (“I’m confessin’).

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El cantante y multi-instrumentista Steve Winwood fue uno de los principales talentos surgidos en los años 60 en el Reino Unido. Después de comandar la banda de R&B Spencer Davis Group, al joven Winwood se le quedó pequeña la simulación enérgica de sus ascendencias negras y en tiempos de hippismo, psicodelia y experimentación sónica, con discos como “Revolver” o “Sgt Peppers” de los Beatles revolucionando el panorama musical, decidió abandonar en 1967 a Spencer Davis para desarrollar su nuevo proyecto en un grupo al que llamó Traffic.
Al cantante, guitarrista y teclista Steve Winwood (nacido el 12 de mayo de 1948 en Birmingham), un joven prodigio de diecinueve años dispuesto a adoptar la lisergia como principal basamento de su nueva música, ecléctica y muy interesante, ya que no desdeñaba sonidos soul, jazz, folk o blues, se le unieron el guitarrista y vocalista Dave Mason (nacido el 10 de mayo de 1947 en Worcester), ex componente de Deep Feeling, el batería, teclista y vocalista Jim Capaldi (nacido el 24 de agosto de 1944 en Evesham), quien también había tocado en Deep Feeling, y el saxo y flauta Chris Wood (nacido el 24 de junio de 1944 en Birmingham), quien había estado previamente en el grupo Locomotive.

El cuarteto decidió asumir también una filosofía vital de flower power, trasladandose en plan comuna con sus familias a vivir conjuntamente en una casa de campo ubicada en Aston Tirrold, Berkshire.
Ficharon por Island Records y allí, en 1967, publicaron su primer sencillo, “Paper Sun”, un tema psicodélico co-escrito entre Jim Capaldi, principalmente como letrista, y Steve Winwood, principalmente la música, que llegó al número 5 en el Reino Unido.

El mismo año tuvieron más éxito con “Hole in my shoe” (número 2), una canción escrita por Dave Mason y menos, dentro de una sucesión de grandes éxitos, con “Here we go round the Mulberry Bush” (número 8), tema compuesto por todos los componentes de la banda.
El LP, aparecido en el mes de diciembre, “Mr. Fantasy” (1967), producido por Jimmy Miller, fue un disco ejemplar del período, todo un clásico de la psicodelia británica en el cual se apreciaba el consumo habitual de drogas para estimular el proceso creativo y su significación ecléctica en unos temas psicodélicos que se desarrollaban de manera progresiva, con elementos blues y jazz.
Algunos de sus mejores cortes, sin los tres singles en su versión original, son “Heaven is in your mind”, la balada “No face, no name, no number” (número 40), cuarto single del grupo, “Dealer”, “Dear Mr. Fantasy”, tema que fue versionado por Grateful Dead, o “Coloured Rain”.
“Mr. Fantasy” alcanzó el puesto 8 en la lista de ventas de LPs en Gran Bretaña.

En 1967, Mason, con un sentido compositivo más melódico que el resto de la banda, dejó el grupo durante un tiempo debido a tensiones internas, pero retornó pocos meses después.
“Traffic” (1968) fue su segundo y gran LP (número 9 en el Reino Unido), otro estupendo trabajo producido por Miller, con, dentro de la psicodelia, incisiones R&B, jazz, soul, country y folk-rock, ecos de The Band y Buffalo Springfield, y composiciones importantes como “Feelin’ alright”, su quinto single que conoció versiones de Grand Funk Railroad o Joe Cocker, “Who knows what tomorrow might bring”, “You can all join in”, “Don’t be sad” o “40.000 Headmen”, tema del cual hicieron un cover Blood, Sweat & Tears.
Después de este disco Dave Mason dejó definitivamente el grupo tras ser despedido por el restante trío. Este hecho haría tambalear la formación ya que el propio Winwood se marcharía para integrarse durante su corta existencia en el supergrupo Blind Faith.

A comienzos de 1969 Traffic dejó de existir o eso parecía por los derroteros tomados por sus principales miembros. Pocos meses después Island editó “Last Exit” (1969), un disco con temas en estudio y canciones en vivo. En esta etapa se publicó el single “Medicated Goo”, un tema imbuido de funk y soul en el cual se aprecia bien la influencia clave de Steve Winwood en Paul Weller.

“Last Exit” se proclamó en su tiempo como el último LP de la banda, pero finalmente, junto tras Blind Faith dejó de existir y Steve estaba ideando su primer álbum en solitario, “Mad Shadows”, Winwood se unió a Jim Capaldi y a Chris Wood de nuevo para proseguir de manera magistral con Traffic al grabar su cuarto LP, “John Barleycorn must die” (1970), un fenomenal disco producido por Chris Blackwell y Guy Stevens, quien había producido anteriormente a Free, Mott The Hoople o Mighty Baby.
“Glad”, “Freedom rider”, “Empty pages” formaban parte de un álbum sensacional (número 11), con jazz-rock, folk, blues, funk y rock psicodélico, el cual mostraba que sin la presencia de Mason el grupo, dominado por el virtuosismo de Winwood, podía seguir deparando momentos musicales indelebles.

Tras este LP al terceto se le unió el bajista Rick Grech, ex miembro de Family y Blind Faith, que intervino en la grabación del directo “Welcome to the canteen” (1971), disco en el cual incluían una versión de un conocido tema de Steve Winwood para Spencer Davis Grupo, “Gimme some lovin’”. En el álbum también tocaron el percusionista Reebop Kwaku Baah (que había tocado con Dizzy Gillespie), el batería Jim Gordon y el mismísimo Dave Mason, quien participó en algunos conciertos para desaparecer de nuevo del seno del grupo.

En 1971 también apareció “Low spark of high heeled boys” (1971), un sobresaliente disco progresivo producido por el propio Winwood que cosechó un mejor recibimiento en los Estados Unidos que en su propio país, alcanzando en el Billboard el puesto número 7 gracias a temas como “Rock and roll Stew”, “Light up or leave me alone” o la extensa pieza homónima, que recogía bien la música ecléctica del conjunto británico.
Después del álbum Grech y Gordon dejaron Traffic.
El subestimado “Shoot out at the Fantasy Factory” (1973), con “Roll right stones” o “Evening Blue”, prosiguió su senda jazz-rock, “On the road” (1974) fue un directo que mostraba su habilidad instrumental, y “When the eagles flies” (1975) puso punto y final a su segunda etapa (tras la salida de Mason) con un disfrutable disco que incluía entre sus temas canciones como “Dream Gerrard” o “Walking in the wind”.

Después de este álbum sus miembros siguieron rumbos en solitario. Steve Winwood debutó en solitario con “Steve Winwood” (1977), en el cual colaboraban antiguos miembros de Traffic. Posteriormente siguió en los años 80 una carrera de, por lo generral, bajo interés con sonidos inanes y rutinarios de soul blanco.
Jim Capaldi, que había iniciado su trayectoria como solista en 1972 con “Oh, How we danced” (1972), cuando Winwood sufrió una enfermedad, la peritonitis, que le impidió girar y grabar con la banda, retomó esta carrera poco prominente al margen de Traffic.
En 1994, de manera sorprendente, Winwood y Capaldi reavivaron Traffic para girar en directo y grabar un último disco, “Far from home” (1994), un disco aceptable pero alejado de la calidad de sus mejores obras.
Jim Capaldi fallecería el 28 de enero del año 2005 a la edad de 60 años a causa de un cáncer de estómago.

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http://www.youtube.com/watch?v=FHjkyddpLoY

A finales de los años 90 surgieron en la ciudad de Chicago los Zelienople, un combo formado por el vocalista, guitarra y bajista Matt Christensen, el batería Mike Weiss, y el guitarrista y teclista Brian Harding, ocupado también en tocar el clarinete.

Sus sonidos psicodélicos con trazas ambient, jazz, blues, techno y folk, el acertado trato melódico, la riqueza en texturas, la sutileza minimalista, las disonancias, y las atmósferas oscuras, evocativas, espaciales o melancólicas, conocieron su inicial materialización en disco con el single “It’s Hard to Steal Cars”, incluido en su primer LP “Pajama Avenue” (2002), editado en Loose Thread Records.

La aparición profusa de su discografía es un tanto singular y editada en diferentes sellos. Dos años después de su debut grabaron “Sleeper Coach” (2004), otro álbum de esencia shoegazer, y más tarde “Ink” (2005), un LP editado originariamente y de forma limitada sólo en Finlandia, “Ghost Ship” (2005), otro disco de corta difusión que en su día fue publicado en Nueva Zelanda, y “Stone Academy” (2006), aparecido en su primera edición en vinilo con una tirada de 300 copias. El sello Root Strata también editaría este disco en CD.

Al margen de estos álbums, los Zelienople (nombre derivado de una pequeña localidad de Pennsylvania) también han publicado varios CD-R, como “Bachelors Grove” y “Enemy Chorus”.

Su último trabajo es “His/Hers” (2007), disco editado en el sello inglés Type Records que contiene canciones como “Moss Man” y “Family Beats”.

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Dúo de folk británico compuesto por Sally y su hermano menor Mike Oldfield (nacido el 15 de mayo de 1953 en Reading, Inglaterra).

La música siempre fue parte importante en la vida de la familia Oldfield, ya que su padre, el médico Raymond Henry Oldfield era un gran melómano, afición derivada de su madre, una concertista de piano.

Sally, que tenía veinte años y Mike, solamente con quince, iniciaron en Essex su andadura profesional en 1967 como SallyAngie, apelativo proveniente de añadirle al nombre de Sally el título de la canción favorita de su hermano Mike, “Angie”, un tema del cantante escocés folk Bert Jansch.
La sonoridad de la pareja llamó la atención de John Renbourne, miembro del grupo de folk Pentangle (banda de la que también formó parte Jansch).

Gracias a Renbourne, Sallyangie firmaron un contrato discográfico con el sello Transatlantic, debutando en 1968 con el Lp “Children of the sun”, un interesante disco producido por Nathan Joseph (colaborador de Ian Campbell y Alexis Corner) que desplegaba influencias de la Incredible String Band, del Marc Bolan acústico y por supuesto de Pentangle.
Entre los músicos que colaboraron en la grabación del álbum se encontraban el batería Terry Cox (miembro de Pentangle) y el flautista Ray Warleigh.

El proyecto de Sallyangie duraría poco, pues a finales del año 1969 terminaron separándose. Mike formó junto a su hermano Terry Oldfield la banda de rock Barefoot, que tampoco tuvo continuidad. A finales de la década de los 70, Sally daría inicio a una carrera en solitario como cantante folk.
Después de Barefoot, Mike Oldfield fue invitado en 1969 por Kevin Ayers para que formara parte de su grupo The Whole Wide World, principiando más tarde una exitosa carrera en solitario.

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Conocida principalmente por sus affaires amorosos, en especial su romance con Mick Jagger, Marianne Faithfull es una de las beldades femeninas más reconocibles de la Gran Bretaña de los años 60, que al margen de sus variadas relaciones sentimentales, mantuvo desde mediados de década una volátil carrera como actriz y cantante, impulsada por el productor de los Rolling Stones, Andrew L. Oldham.
Marianne nació el 29 de diciembre de 1946 en Hampstead, Londres (Inglaterra), en el seno de una familia acomodada, siendo hija del mayor y profesor universitario de filología Gynn Faithfull y de la austríaca Eva, la baronesa Edisso, descendiente de Leopold von Sacher-Masoch, el autor del libro “La venus de las pieles”, de quien deriva la palabra masoquista.

La rubia joven pasaría por un convento antes de convertirse en los años 60 en una de las musas más conocidas del Swinging London, después de ser descubierta en una fiesta por Oldham.

El 13 de agosto de 1964 apareció en el mercado su primer single “As tears go by”, una canción escrita por Mick Jagger y Keith Richards, que posteriormente los propios Stones grabarían. El tema de Marianne fue producido y arreglado por Oldham, convirtiéndose en un éxito inmediato en Inglaterra, llegando al puesto número 9 en ventas.
Posteriormente, en el mes de noviembre, publicaría una versión del conocido tema de Bob Dylan “Blowin’ in the wind”, y en febrero de 1965 grabaría “Come and stay with me”, canción que llegó al puesto número 4 en el Reino Unido, puesto que repitiría con “This little bird”. En 1965 aparecerían tres LPs, uno de semblante folk “Come my way” (1965), otro con sus éxitos pop “Marianne Faitfhfull” (1965) y otro una mezcolanza de ambos, “Go away from my world” (1965), el cual contenía los singles “Summer Nights” y “Yesterday”, cover de los Beatles.
Por esa época llegó a girar por los Estados Unidos con Roy Orbison y Gene Pitney, con quien mantuvo un breve romance.

En 1965 contrajo matrimonio con John Dunbar, de quien se divorciaría al año siguiente tras haber dado inicio a su conocida relación amorosa con Mick Jagger. Durante este período Marianne consumió abundantes drogas y estuvo involucrada junto a los Stones en varios escándalos derivados de tal consumo y posesión, que llevaron a Jagger, Keith Richards y Brian Jones a los tribunales.

“North country maid” (1966), con una versión de Donovan, “Sunny Goodge Street”, acercaba más a la cantante a posturas folk, una música por la que sentía gran afinidad.
En 1967, año en el cual aparecería su último disco de la década, “Love in a mist” (1967), Marianne Faithfull debutaría como actriz cinematográfica al intervenir en la película “Georgina” (1967), un título que dirigió Michael Winner. Con posterioridad apareció en títulos como “La chica de la motocicleta” (1968) o “Hamlet” (1969). Al margen de la pantalla también hacía sus pinitos en el teatro.
En 1967 los Hollies también le dedicarían su tema “Carrie-Anne”, ya que no sólo Jagger fue merecedora de sus favores sexuales, sino una buena pléyade de conocidas figuras de la historia del rock, entre ellos Allan Clarke (miembro de los Hollies), Brian Jones, Keith Richards, David Bowie, Jimi Hendrix o Jeremy Clyde (del dúo Chad & Jeremy).
También mantuvo encuentros amoros con mujeres, como Anita Pallenberg, Sadia o Angie Bowie.

En la época de la película “Ned Kelly” (1970), protagonizada por Mick Jagger, Marianne, que iba a ser la co-protagonista, sufrió una sobredosis que le tuvo al borde de la muerte. Parece que la sobredosis había sido premeditada, aunque su intento de suicidio no obtuvo el objetivo que ella buscaba.
“Sister Morphine”, un tema escrito entre Mick, Keith y la propia Marianne en 1969, aparecería en el LP de los Rolling Stones “Sticky Fingers” (1971).
Tras romper con Jagger a comienzos de los años 70 Marianne pasó un decenio poco fructífero a nivel profesional y problemático a nivel personal, ya que continuó enganchada a la heroína. A mediados de los años 70 hizo una versión de Waylong Jennigs, “Dreaming my dreams”, que no obtuvo repercusión popular, al igual que el LP “Dreaming my dreams” (1977), y su continuación, “Faithless” (1978).

En 1979 se casó con Ben Briefly, año en el que publicó “Broken English” (1979), un disco en el que exhibía una voz rota y desgarrada y que le servía para retornar con meritoria resonancia al seno de la industria musical. Entre las versiones destaca el cover del “Working class hero” de John Lennon. Cada vez con mayor confianza compositiva Marianne publicó posteriormente discos como “Dangerous Acquaintances” (1981) o “A child’s aventure” (1983), “Strange Weather” (1987) o “Rich Kid Blues” (1981), disco que recogía grabaciones sin editar de comienzos de los años 70.
En los años 90 apareció el directo “Blazing away” (1990), y los discos en estudio “A secret life” (1995), en colaboración con Angelo Badalamenti, “20Th Century Blues” (1997) y “The seven deadly sins” (1998), discos en los cuales adaptaba a Kurt Weill y Bertolt Brecht, “Vagabond ways” (1999), con colaboraciones de Roger Waters o Emmylou Harris, “Kissin’ Time” (2002), con el acompañamiento en la escritura de Beck, Jarvis Cocker, Dave Stewart, Blur y Billy Corgan, y “Before the poison” (2004), un estupendo trabajo en el que contaba con el apoyo de P. J. Harvey, Nick Cave o Damon Albarn.

Al margen de sus discos, la ya legendaria Marianne Faithfull, que contrajo matrimonio por tercera vez con Giorgio Dellaterza, fue requerida por bandas y solistas de distinta índole para colaborar en grabaciones, entre ellos Ryan Adams o Metallica, para quienes puso voces en el tema “The Memory Remains”.

Su última entrega discográfica es “Easy Come, Easy Go” (2008), álbum doble de versiones que cuenta con la colaboración de Keith Richards, Nick Cave o Jarvis Cocker.

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Mark Lanegan fue la pieza vocal de los Screaming Trees, una de las bandas más excitantes de los años 80 y 90.
Sin la asociación compositiva y fuerza instrumental aportada por los hermanos Conner, Gary Lee y Van, Lanegan se centró tras el fantástico “Dust” en su carrera en solitario, con inclusiones en Queens of the Stone Age, marcada por la búsqueda serena de un nuevo y diferente rumbo como cantautor introspectivo, desarrollando sus temas en una combinación entre blues, folk, country y rock.

Mark Lanegan nació el 25 de noviembre de 1964 en Ellensburg, localidad ubicada en el estado de Washington (Estados Unidos). A comienzos de los años 80 y en Seattle, Lanegan, junto al guitarrista Gary Lee Conner, el bajista Van y el batería Mark Pickerel (posteriormente Barrett Martin) dio inicio a una carrera como Screaming Trees, banda que se revelaría como una de las menos populares pero más interesantes surgidas en la hornada grunge, dejando discos para la historia como, por no decir toda su esencial discografía, “Sweet Oblivion” (1992) o “Dust” (1996).

En paralelo a los Screaming Trees, el cantante de voz profunda, amante de la música tradicional americana como el blues y el folk, ya había iniciado una carrera en solitario en el sello SubPop con “The Winding Sheet” (1990), álbum de cimiento bluesy muy diferente al sonido de los Screaming Trees que fue grabado con la colaboración de Mike Johnson (Dinosaur Jr.), Chris Novoselic, Kurt Cobain, Jack Endino, Steve Fisk y el batería de los Trees, Pickerel, que denotaba su tendencia al enfocar sus trabajos en solitario como cantautor introspectivo, emocional y de tonos sombríos.
“The Winding Sheet” incluía una versión del mítico bluesman Leadbelly, “Where did you sleep last night?”.

En 1994 Lanegan publicó su segundo disco en solitario, “Whiskey for the holy ghost” (1994), co-producido por Johnson, volvió a incidir en su querencia por el blues, folk y country, la profundización en emociones en temas de predominio acústico con taciturnas atmósferas de humo y alcohol, más calmosos que los grabados junto a los Conner y elevados por su inconmensurable voz.

Después de separarse los Screaming Trees, Mark Lanegan grabaría de nuevo con Mike Johnson “Scraps at midnight” (1998), un Lp que proseguía el rumbo sonoro iniciado con “The Winding Sheet” y que continuaría con “I’ll take care of you” (1999), un disco compuesto exclusivamente de versiones de algunos de sus artistas predilectos, como Tim Hardin, Bobby Bland, Fred Neil, Buck Owens o Tim Rose, y “Field Songs” (2001), con colaboraciones de Mike Johnson, Duff McKagan y Ben Shepherd.
A partir del año 2000 junto a sus incursiones en solitario Lanegan participó en la banda Queens of The Stone Age.
En el año 2003 aparecería el Ep “Here comes that weird chill” (2003), en donde versionaba a Captain Beefheart (“Clear Spot”).

Su Lp “Bubblegum” (2004) mostraría sus raíces más blues, con influencias también de Johnny Cash o Tom Waits.

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