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Posts Tagged ‘FUNK’

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Artista islandesa ante la que es imposible permanecer indiferente, incitante en un afán experimental con dance-pop vanguardista, ritmos electrónicos de club/dance y disposiciones heterogéneas de jazz, ambient o funk, este último tan vinculado al ritmo y los sonidos de baile, esencia de la música de Bjork, apellidada Gudmundsdóttir y nacida en Reykjavik, Islandia, el 21 de noviembre de 1965.
Con pocos años y gracias a la influencia de su padrastro, que era músico, Bjork comenzó a practicar música clásica, en especial piano y flauta, y a interpretar versiones de gente tan dispar como los Beatles o Tina Charles, siendo el primer tema cantado por Bjork que sonó en la radio islandesa una versión del clásico de la música disco “I love to love”.

A los once años, y gracias al single citado, la joven Bjork logró ver publicado su primer Lp, “Bjork” (1977), un disco aparecido en el sello local Falkinn con una portada muy oriental y estupendas ventas en Islandia.

Básicamente era un conjunto de inocentes temas de carácter infantil con algunas versiones adaptadas al islandés, como el “Fool on the hill” (“Alfur Út Úr Hól”) de los Beatles o el “Your kiss is sweet” (“Búkolla”) de Stevie Wonder.

En su temprana adolescencia la cantante y compositora islandesa abrazaría las posturas punk, formando parte a finales de los años 70 y comienzos de los 80 de grupos como Spit and Snot, Exodus y Jam 80.
En 1982 se integró en una banda punk-pop llamada Tappy Tikarrass, con quien grabó el Lp “Miranda” (1983) en el sello Gramm.

Después de Tappy Tikarras y el mismo año de la aparición de “Miranda” Bjork formaría el grupo KUKL, en donde comenzó a apostar por la experimentación con retazos góticos, pop, rock y jazz. En 1986 varios componentes de KUKL crearían The Sugarcubes, una de las bandas más importantes de Islandia que traspasaría fronteras y daría a conocer por primera vez a Bjork a nivel internacional. Uno de sus guitarristas era Thor Eldon, con quien contrajo matrimonio en 1986, el mismo año que tuvieron a su hijo Sindri.
El enlace matrimonial duraría poco y a finales de la década Bjork ya estaba manteniendo una relación con Oskar Jonasson, el director de los videoclips del grupo.

Life too good” (1988), “Here today, tomorrow next week” (1989) y “Stick around for joy” (1992) fueron Lps que llevaron a la banda al estrellato dentro del pop-rock alternativo.

Tras “Stick around for joy” y grabar el disco “Gling-Gló” (1990) junto al grupo de jazz islandés Gudmundar Ingolfssonar Trio, Bjork penetraría cada vez más en el mundo de la música de clubes, house y dance-pop, en especial tras conocer al productor Nellee Hooper (miembro de Soul II Soul), su principal mentor en la primera etapa de su carrera, no en vano en este tipo de música el trabajo de producción resulta esencial para la creación de ambientes y ritmos.
Por la época de la grabación de su disco “Debut” (1993), Bjork se había asentado en Londres. El álbum fue todo un éxito gracias a su creatividad, su riqueza en cadencias y atmósferas y su óptima expresión vocal, un álbum lúdico, mesmérico y arty con ingenuidad, sensualidad y romanticismo en formas electrónicas, dance-pop, jazz y avant-gardé. “Human behaviour”, “Venus as a boy”, “Come to me”, “Violently happy” o “Big time sensuality” son algunos de sus temas más importantes.

El disco cosechó excelentes críticas, en especial en el Reino Unido, convirtiendo a Bjork en una diva de la música pop experimental, quien por esa época co-escribiría con Madonna su tema “Bedtime stories”.
“Post” (1995), con co-producción de nuevo de Hooper, fue su segundo álbum en solitario (sin contar su disco grabado en 1977), presentado con el estupendo e intenso single “Army of me”, tema con envoltura industrial.
Este trabajo contó también con la participación en la producción, además de Nellee Hooper, de Howie B, Graham Massie y Tricky, con quien Bjork mantuvo una relación sentimental tras haber salido con anterioridad con el disc-jockey Dom T y el director de videoclips Stephane Sednaoui. Posteriormente lo haría con la estrella del jungle Goldie.
Otro nombre importante en la grabación de este disco fue el arreglista Eumir Deodato, veterano artista brasileño que trabajó con Astrud Gilberto, Antonio Carlos Jobim o Frank Sinatra.

Uno de los temas más celebrados del álbum fue una versión del “It’s oh so quiet”, una elegante tonada swing interpretada en los años 40 por Betty Hutton que había sido escrita por Hans Lang y Bert Reisfeld.

En 1996, cuando estaba residiendo en Miami, Bjork recibió un regalito de un fanático seguidor llamado Ricardo López, quien le había mandado una carta bomba con ácido. El objetivo del susodicho no se cumplió y éste, de solamente veintiún años de edad, fue encontrado muerto en su casa tras filmar en video su propio suicidio, rodeado de un sinfín de fotos de la artista islandesa, de la que estaba totalmente obsesionado.

A comienzos de 1997 Bjork publicaría “Telegram” (1997), Lp de remixes de los temas de “Post”, apareciendo en el mes de septiembre del mismo año el disco “Homogenic” (1997), trabajo que Bjork grabó en España (concretamente en El Madroñal), en donde se refugió tras el susto de Miami.
“Homogenic”, con Howie B, Mark Bell, Guy Sigsworth, Markus Dravs y Deodato como principales colaboradores técnicos, volvió a recibir plausibles comentarios entre los aficionados a la música electrónica, experimental y ambiental, con íntimas interpretaciones de apreciable hondura emocional.
El álbum, presentado con el single “Joga”, exhibía una atmósfera más oscura derivada de las agitaciones vividas en el reciente pasado.

En el año 2000 debutó como actriz en “Bailando en la oscuridad”, película dirigida por Lars Von Trier que le valió a Bjork excelentes críticas por su trabajo interpretativo, el primero y último, ya que la cantante islandesa expresó que no volvería a actuar.
“Vespertine” (2001) sería su siguiente entrega tras “Homogenic”, un disco en el que Bjork llevó casi todo el peso de la producción y arreglos, hecho que acrecienta un concepto intimista y minimalista.
“Hidden Place” y “Pagan Poetry”, tema con reminiscencias orientales, fueron los singles del álbum.

Dos años después Bjork, quien contrajo su segundo matrimonio con el artista estadounidense Matthew Barney, publicaría un disco recopilatorio, “Greatest Hits” (2003).
Posteriormente retornaría al estudio para grabar “Medulla” (2004). Su último disco es “Volta” (2007).

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Faith No More (traducido del inglés como “No Más Fe”) es una agrupación musical formada en San Francisco, California, en 1982 como “Faith No Man” por el bajista Billy Gould, el baterista Mike Bordin, el teclista Wade Worthington y el frontman Mike Morris, que luego serían reemplazados posteriormente por Roddy Bottum y Chuck Mosley respectivamente. La banda entonces pasó a llamarse Faith No More, y reclutó tiempo después al guitarrista Jim Martin. Desde sus inicios, y con su debut de 1985 We Care a Lot, se internaron en la escenaunderground alternativa. Siempre destacó su facilidad de combinar estilos, como el rock alternativo, funk,hardcore, y hip hop, mezclado con el característico sonido influenciado del heavy metal de la guitarra de Jim Martin, todo esto reflejado notoriamente en su segundo disco Introduce Yourself de 1987.

En 1988, Chuck Mosley es despedido de la banda, y en su reemplazo llega Mike Patton; al año siguiente alcanzan la fama mundial con The Real Thing y su exitoso single “Epic”. Sin embargo, Patton trajo nuevas influencias al grupo, así en 1992 lanzan Angel Dust, donde ampliaron aún más su música, incluyendo una gran variedad de estilos musicales, que iban desde la música experimental hasta el jazz, easy-listening y pop, entre muchos otros. En 1994, Jim Martin queda fuera del grupo, siendo reemplazado por Trey Spruance. En 1995 lanzan King for a Day… Fool for a Lifetime y Spruance deja la banda, por lo que el tour fue hecho con Dean Menta, quien luego sería reemplazado por Jon Hudson, con el que lanzan Album of the Year en 1997, el que es hasta el momento su último álbum de estudio. En 1998 la banda anunciaba su separación, mediante un comunicado en su página web.

El 24 de febrero de 2009, Faith No More anuncia un tour de reunión por Europa, llamado “The Second Coming Tour” con la misma formación con la que se separaron. El tour comenzó el 10 de junio, en el Brixton Academy enLondres, y finalizó el 5 de diciembre de 2010 en Santiago de Chile.

Cabe destacar que durante su carrera, tanto en estudio, como en sus presentaciones, la banda ha interpretado a numerosos artistas, entre los que está Black Sabbath, John Barry, The Commodores, Bee Gees, Burt Bacharach,Take That, Dead Kennedys, Al Martino, GG Allin, Portishead, Vanilla Ice, Public Enemy, The Cranberries, Sparks,Michael Jackson, entre otros. Con sólo 6 discos oficiales, han logrado vender alrededor de 20 millones de copias en el mundo.

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Formados en 1992, en la localidad de Bakersfield, California, Korn se puede definir como la catarsis del sonido alternativo, del metal y del funk, lo que posicionó al grupo entre los más populares y provocativos durante la era grunge. Korn comenzó su existencia en Bakersfield, basando su sonido en el metal característico de California, incluyendo en sus filas a los guitarristas James “Munky” Shaffer y Brian “Head” Welch, como bajo a Reginald “Fieldy Snuts” Arvizu, y a la batería a David Silveria. Después de publicar un LP en 1993 sus senderos se cruzados con Jonathan Davis, un estudiante de ciencias, noctámbulo y que era el lider y vocalista de la banda local Sexart; pronto preguntaron a Davis si le apetecía unirse a la banda, y nada más llegar el quinteto decide cambiarse al nombre a Korn (anteriormente se llamaban LAPD).
Tras firmar con Epic’s Immortal, publican su álbum de presentación entrado ya 1994; y gracias a una una gran gira que incluyó telonear a Ozzy Osbourne, Megadeth, Marilyn Manson y 311, el disco no dejó de subir en las listas de manera lenta pero progresiva, llegando a ser disco de oro. Su siguiente trabajo sale en 1996, “The Life Is Peachy”, siendo un éxito inmediato y llegando al número tres de las listas americanas. El verano siguiente son cabeza de cartel del Lollapalooza, pero se ven forzados a dejar la gira cuando a Shaffer se le diagnostica una meningitis.
El mayor éxito de ventas viene a partir de 1998 con “Follow The Lider”, con el que Korn llena los titulares nacionales cuando un estudiante de Zeeland, Michigan es suspendido por llevar una camiseta con el logo del grupo; el director de escuela declaró luego su música de “indecente, vulgar y obscena”. En 1999 se publica “Issues”.

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Prince nació el 7 de junio de 1958 en el hospital Monte Sinaí en Minneapolis, Minnesota. Su padre, llamado John L. Nelson, músico aficionado, formaba parte de un grupo de Jazz llamado Prince Rogers Trio, del cual tomó el nombre para su hijo. En él conoció a Mattie Shaw, cantante del grupo con la que se casó y que se convirtió en la madre de Prince.

Cuando tenía seis años sus padres se divorciaron. El padre se fue de la casa familiar pero no se llevó el piano que tenía, lo cual fue aprovechado por Prince para aprender a tocarlo él solo, aprendiendo de oído sintonías de series de televisión como ‘Batman’. Más tarde aprendió a tocar otros instrumentos: a los 13 años su padre le regaló una guitarra eléctrica, que Prince aprendió a tocar rápidamente. En sus años de instituto formó con su amigo André Cymone varios grupos, entre ellos dos llamados Champagne y Grand Central. Tocaban en fiestas de instituto y similares pero Prince no cantaba, pues consideraba que su voz no era apta para ser presentada en público. Tiempo más adelante, demostraría que su talento como cantante es tan amplio como el de instrumentista o compositor. Cuando tenía 17 años conoció a un músico llamado Pepe Willie, marido de una prima suya, que le introdujo en el mundo profesional y con el que hizo sus primeras grabaciones en estudio. Poco después un ingeniero llamadoChris Moon le convenció para que presentara sus maquetas a alguna compañía. La que se llevó el gato al agua fueWarner Bros, que le dio completa libertad artística y creativa.

En 1978 grabó su primer disco, For You, en el que todas las canciones están compuestas por él y toca todos los instrumentos que se escuchan en el disco (según sus propias palabras sabe tocar más de treinta instrumentos). Amante de los cócteles musicales más variopintos, se convirtió en la gran esperanza de la música negra tras su disco Prince (1979), en el que se incluía I Wanna Be Your Lover, primer tema de Prince en alcanzar las listas de éxitos, el clásico “I Feel For You”, que en 1984 supondría la consagración mundial de Chaka Khan al hacer una versión, o la guitarrera y provocativa “Bambi”, historia de un ligue femenino con tendencias lésbicas. En este año hace su primera gira por Estados Unidos, tanto en solitario como telonero de Rick James. Su primera banda fija estaba compuesta por: André Cymone (bajo), Gayle Chapman (teclados), Dez Dickerson (Guitarra) y Matt Fink, alias Dr. Fink (teclados)

Su siguiente disco, Dirty Mind (1980) supuso un radical cambio de estilo. Un disco de poco más de media hora, con un sonido más crudo (el disco es prácticamente una maqueta) y una imagen absolutamente provocativa, apareciendo en escena en slip y con medias de mujer debajo de una raída gabardina. Además las letras iban más allá de los límites establecidos en el tema sexual; temas como Head y Sister se convirtieron en pesadilla de censores. Su siguiente álbum, Controversy (1981) supuso una nueva vuelta de tuerca; esta vez los temas sexuales dejan paso a temática social en canciones como Ronnie, Talk To Russia o Annie Christian. Debido a lo provocativo del nuevo estilo de Prince, la teclista Gayle Chapman abandona la banda de directo y es sustituida por Lisa Coleman, joven teclista hija de músicos que no tuvo ninguna objeción a la música. Por esta época empieza a dar rienda suelta a su creatividad con grupos paralelos como The Time, a mayor gloria de su amigo Morris Day (antiguo batería de Champagne) y que sería semillero de valiosos músicos y productores como Jimmy Jam, Terry Lewis, oPaul ‘St. Paul’ Peterson.

El disco que hizo a continuación, 1999 (1982) supuso su primer gran éxito popular, y probablemente su primera gran obra maestra. La canción que dio título al disco (plagiada por Phil Collins algunos años después) se convirtió en un clásico, aunque la canción que le aupó a las listas de éxitos fue el segundo sencillo, Little Red Corvette, tema dirigido básicamente al público blanco. Antes de la gira de promoción del disco, André Cymone dejó la banda, frustrado por el egocentrismo de Prince para empezar una carrera en solitario como solista y productor. Fue sustituido al bajo por Mark Brown, rebautizado como Brownmark. En esta gira la banda tuvo por primera vez el nombre The Revolution.

Por esta época Prince empieza a pensar en hacer una película. Durante la gira de apoyo al disco 1999 empezó a anotar ideas en una libreta de color púrpura[cita requerida]. Sus representantes Cavallo, Ruffalo y Fargnoli consiguen interesar a su compañía en el proyecto. Durante el verano y otoño de 1983 se rueda la película en Minneapolis y Los Ángeles. El 8 de agosto de 1983 dio un concierto benéfico en la sala de su ciudad natal 1st Avenue. Este concierto es reseñable por dos hechos destacados; supuso el debut a la guitarra de la joven de 19 años Wendy Melvoin en la banda sustituyendo a Dez Dickerson. Wendy había sido traída a la banda por su amiga Lisa Coleman. Ambas serían la mano derecha de Prince, musicalmente hablando, durante los siguientes tres años. El otro hecho destacado fue que varios de los temas tocados serían grabados e incluidos, con pequeños retoques de estudio, en el disco que acompañó a la película.

Cuando empezó a continuar con su carrera, en el 1999 contrato a su nueva representante Ruth Arzate, en Los Ángeles California. Ayudándole a supervisar, hasta la fecha.

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En el año 1996 y en Athens, localidad de Georgia en la que han surgido grupos como The B-52’s, Elf Power, Widespread Panic o REM, se creó el proyecto liderado por Kevin Barnes, Of Montreal, un conjunto pop con influencias de la psicodelia barroca 60’s (en especial la lisergia de Brian Wilson con los Beach Boys y los Beatles) cuya trayectoria fue conociendo otras resonancias: glam (T. Rex y David Bowie), disco-funk o el techno-pop.

Barnes, como cantante, guitarra y teclista, se unió al bajista y guitarra Bryan Helium y al batería Derek Almstead para editar su primer disco como Of Montreal, un nombre derivado de un ligue fracasado de Kevin en la ciudad canadiense que les bautiza.

Ese disco, grabado en Bar/None Records se tituló “Cherry Peel” (1997) y todavía su eclecticismo sonoro no era apreciable, tendiendo a construir melodías con influencias 60’s en temas como “Everything Disappears When You Come Around” o “I Can’t Stop Your Memory”.
La manifiesta influencia de los Beatles en esta primera etapa se apuntaló con el EP “The Bird Who Continues to Eat The Rabbit’s Flower” (1997).

El segundo álbum de Of Montreal fue “The Bedside Drama: A Petite Tragedy” (1998), un disco con temas como “Panda Bear” o “Cutie Pie” que fue grabado en el sello Kindercore Records.

Después de este disco se produjeron diversos cambios en la banda. Bryan Helium decidió abandonar el proyecto, al que se unieron la teclista Dottie Alexander y el batería Jamie Huggins, pasando al bajo Derek Almstead.

“The Gay Parade” (1999), editado en Bar/None con una portada diseñada por David Barnes (hermano de Kevin), quien posteriormente fue habitual colaborador en la tarea de diseñador del grupo, es uno de los trabajos más reconocidos de Of Montreal gracias a su pop psicodélico con ambiciones conceptuales a lo “Sgt. Peppers” de los Beatles.

Poco después publicaron varias recopilaciones de temas previos, una titulada “Horse & Elephant Eatery (No Elephants Allowed)” (2000), disco en el que incluían una versión del tema de los Kinks, “The World Keeps Going Round”, y otra “The Early Four Track Recordings” (2001).

Su cuarto disco en estudio, que contó con la presencia en el grupo del guitarrista, violinista y teclista Andy González, fue otro conceptual, “Coquelicot Asleep In The Poppies: A Variety Of Whimsical Verse” (2001), un álbum con el que volvieron a Kindercore y en el que Barnes incidía en recuperar la etapa de finales de los 60 de los Beatles y los Beach Boys, sin olvidar el pop barroco de Left Banke o los Zombies.

Despues de “Aldhils Arboretum” (2002) el grupo conoció nuevas modificaciones. Derek Almstead dejó la banda y el bajo fue ocupado por Nina Barnes, la mujer del líder del grupo Kevin Barnes. Andy González también abandonó Of Montreal en vísperas de la grabación del celebrado “Satanic Panic In The Attic” (2004), álbum aparecido en Polyvinyl Record en el cual a su psicodelia barroca se incorporaban ya elementos electro-pop.

Un año antes habían editado el EP “If He Is Protecting Our Nation, Then Who Will Protect Big Oil, Our Children?” (2003), disco en el que versionaban el “Friend Of Mine” de los Zombies.

El prolífico Barnes editó más tarde “The Sunlandic Twins” (2005), trabajo con mayor presencia del techno-pop sin perder esencias lisérgicas 60’s, “Hissing Fauna, Are You The Destroyer” (2007), disco en el que su eclecticismo se acrecentaba con lugar tanto para la psicodelia como el glam-rock, o “Skeletal Lamping” (2008), disco que proseguía las pautas del previo.

Su último trabajo es “False Priest” (2010).

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Aunque David Axelrod, nacido en Los Angeles (Estados Unidos) el 17 de abril de 1936, destacó principalmente por su trabajos de producción y arreglos, realizando, para gente como los Electric Prunes o Lou Rawls, tanto discos de pop como de funk, jazz o soul, en solitario también grabó una serie de discos más que interesantes, en especial al final de la década de los 60 con “Song of Innocence” (1968) y “Songs of Experience” (1969), trabajos de cariz instrumental basados en la poesía de William Blake y realizados en Capitol que, con elegancia, belleza y sofisticación, ligaban el pop psicodélico de la costa

Estos dos LPs son sus trabajos esenciales que contaron con la participación de músicos de sesión angelinos de excepción, entre ellos la bajista Carol Kaye.
Durante los años 70 aparecieron el ecologista “Earth Rot” (1970), “Rock Messiah” (1972), “The Auction” (1974), “Heavy Axe” (1975), “Seriously Deep” (1975) y “Strange Ladies” (1978).
También dedicó un disco conceptual al holocausto judío con “Requiem: The Holocaust” (1993). Su último LP es “David Axelrod” (2001).

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Grupo de Chicago, localidad del estado norteamericano de Illinois, creado en 1967. Su nombre original era el de Chicago Transit Authority (anteriormente fueron conocidos como The Missing Links y The Big Thing) y su primera formación estaba compuesta por el guitarra y vocalista Terry Kath, el teclista y cantante Robert Lamm, el batería Danny Seraphine, el saxofonista Walter Parazaider, el trompetista Lee Loughnane y el trombonista James Pankow. A finales de año se incorporó al grupo el bajista y cantante Peter Cetera, antiguo componente de la banda The Exceptions.
Con el patrocinio de su productor y representante Jim Guercio, quien sería el encargado de bautizar definitivamente al grupo, trasladarían su residencia a la ciudad de Los Angeles. Su sonido, influenciado por bandas como Blood, Sweat & Tears o Electric Flag, fusionaría el rock con el jazz, soul, música clásica o funk. Recortado el nombre a Chicago debido a problemas legales firman con la compañía Columbia y publican el disco debut “Chicago Transit Authority” (1969), uno de sus mejores trabajos que resultó todo un éxito de ventas.
El doble Lp, dominado como sería usual en la primera época de la carrera del grupo por la composición de Robert Lamm, contenía éxitos como “Does anybody really want time it is?”, “Questions 67 and 68” y “Beginnings”.

La buena racha proseguiría con “Chicago II” (1970), otro estupendo doble album de jazz-rock que incluía entre sus surcos los conocidos temas “Make me Smile” Y “Color my world”.
Sus siguientes trabajos con producción de Guercio en los años 70, de parecida sonoridad, pero de desigual inspiración compositiva, fueron otro album doble titulado “Chicago III” (1971), el disco en vivo “Chicago IV” (1971), que incluía en su versión original cuatro vinilos, “Chicago V” (1972), el directo “Live in Japan” (1972), “Chicago VI” (1973), el doble “Chicago VII” (1974), “Chicago VIII” (1975), “Chicago X” (1976), un Lp en el cual se encuentra la preciosa balada escrita por Peter Cetera “If you leave me now” y “Chicago XI” (1977).
A pesar de la falta de consistencia general, Chicago vendió con profusión, tendiendo con el paso del tiempo y tras el gran éxito de “If you leave me now” a componer sentimentales canciones pop, generalmente baladas y tonadas soft-rock de fácil asimilación.
Esa época les proporcionó muchos triunfos en formato sencillo, con temas como “Saturday in the park”, “Just You ‘N’ Me”, “Old days”, “Baby, what a big surprise” o la bellísima balada “Wishing you were here”, en la que colaboraban los mismísimos Beach Boys.
Además, sus conciertos en los años 70 resultaban un enorme acontecimiento en cada ciudad estadounidense que actuaban.
En 1978 se produjeron varias novedades en la banda que provocaron su decadencia comercial: la desconexión con su productor y mánager Jim Guercio y la muerte accidental a causa de un disparo de Terry Kath, que sería sustituido por Donnie Dacus.
Phil Ramone les produciría “Hot Streets” (1978), un disco que no entró en puestos altos en las listas de ventas por primera vez en su carrera.
Ni el discotequero “Chicago 13” (1979), de nuevo producido por Ramone, ni el mediocre “Chicago XIV” (1980), disco que contó con la producción de Tom Dowd (colaborador de los Allman Brothers o Black Oak Arkansas) consiguieron remontar el vuelo comercial del grupo de Illinois.
La balada “Hard To Say I’m Sorry” consiguió devolver a Chicago a los primeros puestos de las listas de todo el mundo, al igual que el Lp “Chicago 16” (1982), un disco producido por David Foster que presentaba al nuevo guitarrista Bill Champlin, reemplazo de Donnie Dacus.
Tras la publicación de “Chicago 17” (1984), que contenía el tema “You’re the inspiration”, Peter Cetera, que se había convertido en la fuerza principal del conjunto, abandonó el grupo para proseguir una carrera en solitario que se había iniciado con el disco “Peter Cetera” (1981).
Anteriormente, Robert Lamm ya había publicado su primer disco propio “Skinny Boy” (1975).
Cetera fue sustituido por Jason Scheff, pero Chicago jamás retornaría a ser la triunfal banda que había sido en los años 70.
Algunos directos, recopilatorios y trabajos en estudio poco meritorios y prescindibles como “Chicago 18” (1986), “Chicago 19” (1988) o “Twenty 1” (1991) fueron los últimos trabajos en disco de la legendaria banda americana, que continuaba actuando en directo con asiduidad y éxito popular.

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