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Posts Tagged ‘GLAM ROCK’

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Bauhaus es un banda de rock británica (formada en Northampton en 1978) que fue popular en los 80. La banda tomó su nombre de la escuela de diseño alemana Bauhaus creada durante la segunda década del siglo XX, aunque en un principio se llamaron Bauhaus 1919, perdiendo la última parte antes del primer año.

A pesar de que había bandas precursoras del estilo gótico, muchos consideran a Bauhaus la primera banda gótica. Bauhaus combinaban un gran número de influencias punk y glam rock. Su sonido influyó, inspiró y llamó la atención sobre un conjunto de grupos post-punk generando el estilo intenso y triste que acabó siendo el rock gótico.

Su single de debut, “Bela Lugosi’s Dead”, se publicó en agosto de 1979. Es una canción de 9 minutos de duración y grabada en directo en el estudio de una sola toma, que no entró en las listas de éxitos británicas, pero se siguió vendiendo durante muchos años. Con diferencia su trabajo más famoso, es un trabajo minimalista, una mezcla libre de The Doors, los Pink Floyd del inicio y algunas bandas de Krautrock experimental como Can y Neu!. La canción fue la banda sonora de la película “The Hunger” de Tony Scott del año 1983.

En 1980 grabaron su primer L.P. “In The Flat Field”, un álbum claustrofóbico y denso, que seguía los derroteros marcados por su single de debut y que los situó entre los abanderados del movimiento gótico/siniestro junto a bandas como Siouxsie & The Banshees, The Cure o Joy Division. Con su segundo L.P. “Mask” editado en 1981 y una sucesión de singles de éxitos, la banda logró consolidarse en el mercado europeo y subir alto en las listas con una versión del tema “Ziggy Stardust” de David Bowie.

Su siguiente trabajo “The Sky´s Gone Out” mostraba una evolución del grupo hacia sonidos más experimentales, y fue editado en 1982 acompañado de un disco en directo llamado “Press The Eject And Give Me The Tape”. En esas fechas comenzaron los problemas internos de la banda debido al excesivo protagonismo de su vocalista Peter Murphy, que se volvió la cara principal de publicidad de las cintas de cassette Maxel y que realizó una aparición estelar en el prologo de la película “El Ansia” (The Hunger) de Tony Scott ahí donde se suponía debían aparecer todos los miembros de la banda.

Ya en 1983, Bauhaus presentó su último disco “Burning From The Inside” que fue su mayor éxito de ventas y que mostraba al grupo en su faceta más comercial con singles como “She´s In Parties”. El disco lo comenzaron a grabar los miembros de la banda mientras Peter Murphy se encontraba hospitalizado debido a una neumonía, este detalle y el hecho de que cuando Murphy se presentó a grabar las voces del disco Daniel Ash y David J habían grabado sus voces en algunos temas, fueron el detonante para la disolución de la banda.

Antes de que Bauhaus se separaran (1983), todos los miembros del grupo hicieron varios trabajos como solistas. El cantante Peter Murphy trabajó de forma temporal con el bajista Mick Karn de Japan en la bandaDali’s Car antes de tocar solo en discos como Deep y Love Hysteria. Daniel Ash también grabó y publicó discos en solitario bajo el nombre de Tones on Tail con Kevin Haskins y Glen Campling, roadie de Bauhaus. David J ha publicado múltiples discos en solitario y ha colaborado con varios músicos a lo largo de los años. Actualmente trabaja “en artes visuales”. Kevin Haskins ha estado creando música electrónica para videojuegos y también ha producido a artistas como Gary Numan.

En 1985, David, Daniel y Kevin formaron Love and Rockets que consiguieron entrar en la lista de éxitos de Estados Unidos en 1989 con “So Alive”. La banda se separó después de siete discos en 1998.

En 1998, Bauhaus se reunieron para el “Resurrection Tour” que incluía dos nuevas canciones (“Severance”, original de Dead Can Dance y “The Dog’s a Vapour” que también estaba publicada en la BSO de la película “Heavy Metal 2”). Un disco en directo grabado durante la gira, Gotham, fue publicado ese mismo año.

En 2005, Bauhaus tocaron en una actuación de reunión en el Festival de Música y Artes de Coachella Valley en Indio (California) el 30 de abril de 2005. No se esperaban canciones nuevas, pero Peter Murphy continuó tras la actuación de Coachella con su gira en solitario para promocionar su nuevo disco. Él no solía tocar canciones de Bauhaus en sus actuaciones en solitario.

Después de la gira en solitario de 2005 de Peter Murphy, Bauhaus empezó una gira completa entre el otoño de 2005 (Norteamérica, México) y primavera de 2006 (Europa).

En marzo de 2008 lanzó su último disco de estudio, luego de más de 20 años sin grabar. “Go Away White”, es el nombre del oscuro disco, el cual ha sido alabado hasta el momento por su contenido misceláneo y preciso, con temas que van desde sonidos de rock clásico (“Too much 21th century”, “Black Stone Heart”) hasta los temas más oscuros y profundos de su carrera discográfica (“Saved”, “The Dog’s a Vapour”)

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Después de liderar en Birmingham el grupo The Move e institurse junto a Jeff Lynne (también componente de los Move) como cabeza visible del proyecto Electric Light Orchestra, Roy Wood (nacido el 8 de noviembre de 1946) decidió abandonar, tras un primer y valioso LP, a la E.L.O. para crear en 1972 un nuevo y colorista combo glam-rock al que llamó Wizzard.

Con ropajes estrafalarios, el pelo pintarrajeado y la cara ornamentada con espeso maquillaje y una estrella en la frente, Wood, como cantante y multi-instrumentista, estaba acompañado en el grupo por el bajista y vocalista Rick Price, los baterías Keith Smart y Charlie Grima, el teclista Bill Hunt, los saxofonistas Mike Burney y Nick Pentelow, y el violoncelista Hugh McDowell.

Tras actuar en Wembley, Roy sus chicos grabaron en el sello Harvest Roy su primer single, “Ball park incident”, un tema que llegó al número 6 en Gran Bretaña y que ejemplificaba su nuevo sonido: una mezcla festiva entre el clásico rock’n’roll 50’s y el muro de sonido de Phil Spector.

En 1973, año en el que editó su LP “Wizzard Brew” (1973), consiguió sus mayores logros comerciales en su país (fuera de él y, especialmente, en los Estados Unidos, la música de Wizzard pasó bastante desapercibida) con dos números 1 consecutivos: “See my baby jive” y “Angel fingers”.

Otro single del período fue “I wish it could be Christmas” (número 4), en donde se apreciaba su amor por Spector y los Beach Boys, su grupo favorito.

Al margen de su trabajo con Wizzard, Roy Wood también sacó al mercado su primer y excelente disco en solitario que llevó por título “Boulders” (1973). En el trabajo técnico Roy, como productor y arreglista, fue ayudado por Alan Parsons como ingeniero de sonido.

Un año más tarde volvió a maquillarse para publicar con Wizzard “Introducing Eddy & The Falcons” (1974), un álbum en el que establecía un homenaje a pioneros nombres del rock, como Elvis Presley, Del Shannon, Gene Vincent o el referido Phil Spector.

En 1974 también aparecieron los singles “Rock’n’roll winter” (número 6), “This is the story of my love” (número 34), “You’ve got me running” y “Are you ready to rock?” (número 4).

Tras este LP y problemas con Don Arden, representante de la banda, Roy Wood aparcó el glam de Wizzard para dar inicio a otro proyecto bautizado como The Wizzo Band, en el cual se escuchaban sonoridades jazz y funk.

“Mustard” (1975) fue su segundo e imprescindible disco grande en solitario en los años 70.

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Una de las bandas más exitosas del glam-rock británico de los 70 fue The Sweet, una formación característica del glitter, una versión más lúdica del estilo iniciado por T. Rex, que enfatizaba las posturas teatrales y acentuaba sus propuestas básicas de diversión sonora, con canciones de punzantes riffs, excitantes ritmos rockeros, pegadizas melodías pop/bubblegum y diversión de esencia juvenil, con provocativa tendencia a materias sexuales.

The Sweet se formaron en Londres el año 1966 y estaban compuestos por el cantante Brian Connolly (nacido el 5 de octubre de 1949 en Hamilton, Escocia), el guitarrista Frank Torpey, el bajista Steve Priest (nacido el 23 de febrero de 1950 en Hayes) y el batería Mick Tucker (nacido el 17 de julio de 1949 en Harlesden).
Tucker y Connolly habían estado previamente en la banda Wainwright’s Gentleman.

El cuarteto comenzó a actuar bajo el nombre inicial de Sweetshop, grabando con Fontana un single en 1968 titulado “Slow Motion”, que pasaría sin pena ni gloria por las listas de ventas, al igual que los siguientes sencillos publicados en Parlaphone, como “The Lollipop Man”, “All you’ll ever get for me” y “Get on the line”.
En 1970 recortarían su nombre haciéndose llamar The Sweet, produciéndose un cambio en la formación con la marcha del guitarrista Torpey, que sería sustituido por Mick Stewart. Posteriormente Stewart dejaría el puesto en las seis cuerdas a Andy Scott (nacido el 30 de junio de 1949 en Wrexham, Gales), ex componente de la Elastic Band.

A finales de 1970 conocieron a una pareja de compositores y productores que conseguirían llevar al grupo al estrellato musical: Nicky Chinn y Mike Chapman, especialistas en escribir contagiosas piezas de apariencia rock y esencia pop.
Chinn/Chapman se convertirían también en sus representantes, logrando en 1971 un contrato con la RCA, en donde debutarían con el single “Funny Funny”, una canción que consiguió alcanzar el puesto 13 en los charts británicos.

Sería el inicio de unos años repletos de triunfos, en los cuales The Sweet se convertirían en abanderados del glam más asequible y festivo, alcanzando una enorme popularidad entre la juventud de su país gracias a temas como “Co-Co” (número 2), “Poppa Joe” (número 11), “Little Willy” (número 4), “Wig Wam Bam” (número 4) o “Blockbuster” (número 1).
A nivel Lp, el sello Music for Pleasures, aprovechando la coyuntura publicó el disco “Gimem Dat Ding” (1971), un album en el cual incluían los singles previos a su entrada en la RCA en la cara A, ocupando toda la cara B composiciones del grupo de Tony Burrows The Pipkins.

Su primer Lp “oficial” sería “Funny how seet co-co can be” (1971), en el que incluían temas de Chinn/Chapman, composiciones propias y dos versiones, una de los Lovin’ Spoonful con “Daydream” y “Reflections”, un tema Motown que habían interpretado con anterioridad los Four Tops.
El espectacular éxito de The Sweet se veía reflejado en numerosas actuaciones públicos, siendo visitantes asiduos de programas de televisión como el “Top of the Pops”.

En 1973 proseguirían con su imparable retahíla de éxitos, habíendo endurecido su sonido sin perder su sentido contagioso de la melodía y el himno-estribillo. “Hell Raiser” (número 2) y “Ballroom Blitz” (número 2) en 1973 y “Teenage Rampage” (número 2) y “The six teens” (1974) fueron las canciones que mantenían a The Sweet como uno de los mayores fenómenos comerciales del período glam.
A finales de 1974, Brian Connolly y compañía decidieron abandonar a Chinn/Chapman e intentarlo en solitario.
Grabaron el Lp “Sweet Fanny Adams” (1975) y se lanzaron como banda de tendencias más hard-rock. En “Sweet Fanny Adams”, album producido por Phil Wainman, aparecían dos composiciones de Chinn/Chapman, “AC/DC” y “No You Don’t”.

Su mejor canción en single al margen de las composiciones de los temas escritos por sus mentores sería “Fox on the run”, una sensacional pieza que los llevó al número 2 en las listas británicas y que vendría incluida en “Desolation Boulevard” (1974), un disco en el cual aparecían también viejos éxitos del grupo como “Ballromm Blitz” o “The Six Teens”.
El album tendría una excelente acogida comercial en gran parte del mundo.

Los singles “Action” (número 15) y “Lies in your eyes” (número 35) sería sus últimas entradas en listas durante un largo período, en el cual publicarían discos de escasa entidad como el doble “Strung up” (1975), “Give us a wink” (1976), “Off the record” (1977) o “Level Headed” (1978), un Lp en el cual incluían su último gran éxito, “Love is like oxygen”, sencillo que alcanzó el número 9 en Gran Bretaña.
En 1982 y tras una serie de olvidables trabajos y cambios en la formación, The Sweet se separarían.
Con posterioridad algunos miembros se reunirían de nuevo para girar por Inglaterra en dos formaciones paralelas, lideradas por Brian Connolly y Andy Scott.
Lamentablemente, el rubio vocalista Connolly falleció en el año 1997 a causa de una larga enfermedad muscular.

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Dentro de la explosión glam en la Gran Bretaña de los primeros años 70, una figura rockera femenina pudo competir en cuanto a actitud subversiva y llamativa con gente tan popular del movimiento como The Sweet o Slade.

Enfundada en brillantes trajes de cuero negro, la americana Suzi Quatro consiguió destacar en un sector artístico predominantemente hombruno y fue clara precursora de los talantes y procederes de nombres surgidos con posterioridad como L7, The Donnas, Hole, The Runaways o Joan Jett.

Suzi nació el 3 de junio de 1950 en la ciudad de Detroit, en el seno de una familia muy aficionada a la música, no en vano su padre lideraba una banda local de jazz en la cual la propia Suzie desde niña tocaba los bongos.

A mediados de los 60 y ya más crecidita, Suzie se unió para ocuparse del bajo y la voz al grupo The Pleasure Seekers, en el que se encontraban sus hermanas Patti y Arlene.

Con The Pleasure Seekers, un combo de garage-rock totalmente femenino grabó un par de sencillos sin demasiada fortuna e incluso fueron a apoyar con su sugestiva presencia al ejército estadounidense en plena guerra del Vietnam.

Con la llegada de los 70, Suzie formó un nuevo grupo llamado Cradle y su hermana Patti se unió con posterioridad al grupo Fanny.
En 1972, tras una actuación de Cradle en un local de su ciudad natal, a Suzie se le acercó un personaje diciéndole que le encantaría lanzarla como solista en su propio sello. Este personaje era el popular manager y productor inglés Mickie Most y el sello, su compañía RAK. Suzie no lo dudó, hizo la maleta y cruzó el charco hasta tierras británicas.

En Inglaterra publicó un single titulado “Rolling Stone”, que no tuvo demasiada fortuna comercial.
Tras la publicación del mismo, Mickey Most puso la carrera de Suzie Quatro en manos de una pareja ya mítica dentro de los anales del glam, Mike Chapman y Nicky Chinn, responsables de grandes éxitos para gente como The Sweet o Mud.
Su actitud natural rockera, su vestimenta en lustroso cuero negro y las canciones gla hard-rock escritas por el citado dúo, hicieron de Suzie una de las principales figuras femeninas dentro de la música europea de principios de década setentera. En Estados Unidos, sin embargo y por esos momentos, pasaba totalmente desapercibida.

Acompañada por músicos (ella tocaba el bajo) como el guitarrista Len Tuckey (ex Nashville Teens), el teclista Alistair McKenzie (ex The Birds) y el batería Keith Hodge presentó el primer single escrito en 1973 por Chinn/Chapman, una canción llamada “Can The Can”. La varita mágica para la creación de éxitos de la pareja no falló y Suzie alcanzó el número 1 en listas británicas.

Posteriormente vinieron otros hits importantes como “Devil Gate Drive” (su segundo número 1), “Daytona Demon” o “48 crash”.
También versionó con acierto temas clásicos del rock’n’roll como “Keep a Knockin'”, “Wake Up Little Susie” o “All Shook Up”.

En el año 1973 publicó su primer disco grande homónimo (“Suzi Quatro”), en 1974 su segundo llamado “Quatro” y en 1975 el más que notable “Your mama won’t like me”, trabajos que obtuvieron una aceptable carrera comercial.

Además de los sencillos compuestos por Mike Chapman y Nicky Chinn, Suzie también escribió temas (en especial destinados a rellenar los Lps) junto a Tuckey, quien se convirtió en su primer marido.

Superado el meridiano de los años 70 y con el período del glam desvaneciendose, la música de Suzie Quatro se tranquilizó notablemente. Los grandes hits del inicio tampoco se repitieron y su mayores éxitos los obtuvo con piezas como la excelente canción “If You Can’t Give Me Love”, publicada en el año 1978.

Curiosamente, Suzie logró la fama en su país natal en 1977 como actriz televisiva gracias a su papel de Leather Tuscadero en la comedia de situación “Happy Days”, consiguiendo a raíz de esta aparición en la pequeña pantalla entrar en el puesto 9 de las listas americanas con el single “Sumblin’ In”, cantando junto al componente de Smokie, Chris Norman.

Suzie continua actuando en vivo recordando sus tiempos de gloria con la ayuda de su segundo marido, el promotor de conciertos alemán Rainer Haas, con el que reside en Gran Bretaña, el país que le convirtió en influyente estrella del rock femenino.

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A comienzos de la década de los 90 el grupo británico Suede consiguió hacerse un importante hueco entre el panorama musical internacional con su reciclaje de las mejores pautas de los clásicos del glam-rock, con huellas del “Ziggy Stardust” de David Bowie, “Electric Warrior” de T. Rex o el “All the young dudes” de Mott The Hoople.
Tampoco en sus primeros y mejores trabajos se olvidaban de los sonidos de guitarras de bandas más actuales, como Stone Roses o los Smiths, recreando en sus textos una angustia generacional envuelta en sexualidad, drogas y alienación, que evolucionaron hacia posturas más lúdicas y de descarga hedonista.

El grupo se formó en el año 1989, cuando el cantante Brett Anderson (nacido el 29 de septiembre de 1967), quien había integrado bandas como The Pigs o Geoff, forma equipo con el bajista Mat Osman para crear Suede, un grupo en donde emular a sus ídolos, David Bowie y Morrissey, de quien toman el nombre del grupo al recortar el título de su canción “Suedehead”.

Para completar la banda se incorporó al batería Simon Gilbert (sustituyendo al ex Smiths Mike Joyce, quien pasaría brevemente por la banda) y al guitarrista Bernard Butler (nacido el 1 de mayo de 1970), otro fan de los Smiths con fijación por los sonidos creados por Johnny Marr y por John Squire, que había respondido un anuncio publicado en el New Musical Express.

En 1991 también se unió al grupo la guitarrista Justine Frischmann, novia por aquellos momentos de Anderson, quien tras unos meses abandonaría la formación para crear Elastica.
En 1992 consiguen firmar con Nude Records y, producidos por Ed Buller, logran publicar su primer single, “The Drowners”. Con anterioridad a la aparición del single la revista Melody Maker les dedica una portada promocionándolos como la mejor banda nueva del Reino Unido.

El sentido melodramático, atmosférico, emocional y teatral de sus ejecuciones, la apostura glam y el hálito taciturno, irónico y sexual que envuelve sus textos, las melódicas texturas instrumentales y el desconsuelo vocal se convierten en el cimiento de su primera oferta músical. El disco alcanza el puesto 49 en las listas británicas, posición superada por sus siguientes sencillos, “Metal Mickey” (número 17) y “Animal Nitrate” (número 7).

El Lp “Suede” (1993), con una foto de dos mujeres besándose realizada por Tee A. Corrine en la portada, se convierte en uno de los discos debut más vendidos de la historia de Gran Bretaña, entrando directamente al número 1. Posteriormente aparecerá otro single y una de sus mejores canciones, “So Young” (número 22).
El grupo, que juega en sus declaraciones y en pos de su perfil glam con sus verdaderas inclinaciones sexuales, alcanza el éxito en toda Europa, aunque en los Estados Unidos pasa bastante desapercibido.

Además de sus singles, con riffs derivados del clásico glam-rock de los 70 destacan evocativas baladas de elevada carga dramática como “The Next Life”, “Pantomime Horse” o “Sleeping Pills”, algunos temas que impulsaron el denominado neo-glam en las Islas Británicas y conformaron el poso para el venidero brit-pop, con las referidas citadas de Stone Roses, Smiths, Bowie y T. Rex.
Su lanzamiento en los Estados Unidos, en donde no encontraron nunca la repercusión deseable, se topó con un contratiempo. La cantante de folk Suzanne DeBronkhart había registrado el nombre de Suede y el grupo terminó siendo conocido en el país norteamericano como London Suede.
A comienzos del año 1994, Suede publicarían un nuevo single, “Stay Together”, una brillante pieza (número 3) que epitomiza bien la confluencia en su música de los Smiths con David Bowie.

“We are the pigs” (número 18), un excelente tema glam de corte sociopolítico con un fenomenal estribillo, fue el adelanto de “Dog Man Star” (1994), su segundo disco grande ahora con una foto de los años 70 realizada por la artista Joanne Leonard, quien había fotografiado a su esposo desnudo encima de la cama.
Producido de nuevo por Ed Buller, ese trabajo resultó mucho más pretencioso que su debut, reteniendo las constantes iniciales y ensanchando con orquestaciones e incluso mayor carga dramática y teatral un tratamiento sonoro más ambicioso, con algún apunte progresivo.

Algunos de los momentos más importantes del disco (número 3 en Inglaterra), con Anderson adoptando en algunos pasajes su faceta más crooner, son “The Wild Ones” (número 18 en single), la balada épica “The Asphalt World”, el single “New Generation” (número 21) o “Daddy’s Speeding”, un tema tributo a James Dean con un sobrecogedor piano que ayuda a resaltar su tono melancólico.
Lamentablemente, la relación entre sus dos líderes compositivos, Brett Anderson, quien para la escritura de este disco había consumido una ingente cantidad de drogas, y el guitarrista Bernard Butler, había empeorado hasta el punto de que Butler dejó el grupo antes de la publicación del álbum, grabando algunas partes de guitarra el propio vocalista.
Butler formaría en 1995 un dúo con David McAlmont, fusionando el soul con el glam-rock. Tras romper esta asociación en 1996 y colaborar con diferentes artistas, Bernard publicaría “People move on” (1998) su primer disco en solitario.

A Suede se incorporaría el joven guitarrista de 17 años Richard Oakes, quien, al igual que Butler, también se unió al grupo después de contestar un anuncio en la prensa. Junto a Oakes también se añadió al teclista Neil Codling.
Tras el single “Trash” (número 3), canción compuesta por Anderson y Oakes, y de nuevo con Butler como productor, el grupo británico publicaría “Coming Up” (1996). La salida de una de sus principales fuerzas creativas, Butler, supuso que este Lp no fuese valorado en su auténtica valía por gente significada por su crónico alelamiento.

“Coming up” resultó ser un sensacional álbum con una gradación más despreocupada y vitalista que sus anteriores Lps, una sucesión de cortes directos y entusiastas que desplegaban gozosas e irónicas viñetas de explosión concupiscente y que recogían la inmediatez de los singles de Bolan y compañía, con rítmicos temas glam-pop y baladas muy bien escritas en los que incluso parece escucharse las voces de Howard Kaylan y Mark Volman.
Este fantástico disco, con la citada “Trash” y grandes canciones como “Beautiful Ones” (número 8), “Saturday Night” (número 6), “Lazy” (número 9) o la magistral “Filmstar” (número 9), una irónica perspectiva sobre la fama que podría formar parte del mejor repertorio de T. Rex, alcanzó el número 1 en Gran Bretaña y se convirtió en su Lp más vendido en todo el mundo.

En 1997 apareció “Sci-Fi Lullabies”, un interesante doble álbum que recopilaba caras b, el preludio de su cuarto álbum, “Head Music” (1998). El cambio de productor, con Ed Buller dejando su puesto para Steve Osborne (Happy Mondays o New Order), no sentó demasiado bien a la banda y su música se volvió menos excitante y más trivial, al adoptar músicas electrónicas, ritmos de baile con algunos sonidos funk y soul, y letras de escasa trascendencia que poco hacían para engrandecer sus primeras propuestas, las cuales perdieron en el proceso originalidad y fuerza emocional.
A pesar de ello, el álbum volvió a alcanzar el número 1 en la lista de ventas británica.

Entre sus mejores canciones destacan “Electricity” (número 5) el primer single con un incitante ritmo y decentes texturas guitarreras, “She’s in fashion” (número 13), un pegadizo tema iniciado con unos teclados cuasi orientales y un feeling cuasi a lo Marvin Gaye, o “Everything will flow” (número 24), una balada que, sin resultar extraordinaria, tiene una construcción básica con una melodía aceptable y un efectivo estribillo.

Mejor que “Head Music” fue “New Morning” (2002), un disco (número 24) presentado con el single “Posivity” (número 16) que fue producido por Stephen Street (Blur, Cranberries o Smiths). Los textos proseguían siendo bastante insustanciales, el glam-rock permanecía muy lejano pero contenía algunas disfrutables canciones, como “Obsessions” (número 29), “Beautiful loser”, en donde se recuperan ciertos destellos glam, o la fenomenal balada acústica “Lost in TV”.
En el año 2003 publicaron una colección de “Singles” (2003), con un single nuevo llamado “Attitude”, una canción cuyo concepto musical podría ser ejecutado por Britney Spears. Esperemos nuevos trabajos…

En el año 2005 Anderson y Butler volverían a trabajar juntos en un nuevo proyecto, The Tears, debutando con el disco “Here comes The Tears” (2005).

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Slade fue uno de los conjuntos glam más populares de comienzos de los años 70 en el Reino Unido. Sus festivas y agresivas interpretaciones, básicos y comerciales temas con demoledores estribillos y riffs guitarreros amplificados causaron furor entre los adolescentes del período.

En el momento de lograr esta resonancia los componentes de Slade ya eran unos veteranos en esto de la música. Varios de sus componentes habían tocado desde mediados de los años 60 en bandas como The Vendors, posteriormente The In-Be-Tweens, o los Steve Brett & The Mavericks.

A finales del decenio se hicieron llamar Ambrose Slade y más tarde simplemente Slade. Estaba compuestos por el cantante y guitarrista Noody Holder (nacido el 15 de junio de 1946 en Walsall), el guitarrista Dave Hill (nacido el 4 de abril de 1946 en Kingsbride), el bajista Jimmy Lea (nacido el 14 de junio de 1949 en Wolverhampton) y el batería Don Powell (nacido el 10 de septiembre de 1946 en Bilston).

Sin demasiada repercusión en sus inicios el grupo tendría la fortuna de que Chas Chandler, el famoso bajista de los Animals, se hiciese cargo de su carrera en calidad de representante y productor.
La primera idea de Chas fue convertirlos en skinheads con el fin de promocionarlos dentro de este sector juvenil.
Poco duró esta estrategia ya que a comienzos de los años 70 Chandler les propuso que se dejasen crecer las greñas, se calzaran las plataformas, se maquillasen y luciesen llamativa vestimenta para integrarse en el glam-rock tras haber grabado en Fontana Records un disco en 1969 titulado “Beginnings” (1969).

En Polydor aparecería su segundo larga duración, “Play it loud” (1970), disco que incluía los singles “Shape of things to come”, un tema escrito por Barry Mann y Cynthia Weil, y “Know who you are”, de cosecha propia.

La explosión de Slade en las listas de ventas se produciría en 1971 con el sinuoso single “Coz I luv you” (conscientemente, como muchos otros títulos de la banda, mal escrito). Este tema se complementaría el mismo año con el previo “Get down and get with” (número 16), pura explosión rockanrolera en una versión de un tema de Bobby Marchan.

Al año siguiente apareció el directo “Slade Alive!” (1972), álbum en el cual se manifestaba el poderío en vivo del grupo, que versionaba a Lovin’ Spoonful con “Darling be home soon” y a Steppenwolf con “Born to be wild”. “Slayed?” (1972), LP en el cual aparecían “Coz I luv you”, “Mama weer all crazee now” (número 1) o “Gudbuy T’Jane” (número 1), confirmó el éxito de Slade en las Islas Británicas.
En los Estados Unidos era otro cantar ya que su música pasó bastante desapercibida.

Fuera del disco y también en 1972 se editaron otros singles de enorme relevancia comercial, casi siempre con los nombrecitos escritos de pena (mejor dicho, de coña), como “Look wot you dun” (número 4) o “Take me bak’ home” (número 1).
El LP también alcanzaría el número 1 tras llegar al 2 con el anterior disco en directo, fortaleciendo a Slade y a su principal pareja de compositores, Holder/Lea, como uno de los grandes hacedores de triunfos comerciales del momento.

Llegarían de nuevo a lo más alto con el recopilatorio “Sladest” (1973) y con “Old new borrowed and blue” (1974), su cuarto álbum en estudio que incluía la balada de piano “Everyday” (número 3).
En 1973 habían alcanzando cuarto número uno en formato 45 rpm con su clásico “Cum on feel the noize” (con el conocido himno-estribillo), el quinto con el vocinglero “Skweeze me, pleeze me” y el sexto y último con “Merry Xmas Everybody”.
Junto a canciones como “My friend Stan” (número 2), “Bangin’ man” (número 3) y “Far far away” (número 2) terminó la etapa más célebre del grupo británico.

Traspasado el ecuador de la década de los 70 el atractivo comercial de Slade se menguó notablemente, alcanzando su punto más bajo con la llegada del punk, un movimiento cuya provocación y energía tomaba mucho prestado del glam-rock.
No obstante consiguieron hacerse notar en 1975 con piezas como “How does it feel” (número 15), una bonita canción lenta con preponderancia de los sonidos de piano, “In for a penny” (número 11) y “Thanks for the memory” (número 7).

El mismo año protagonizaron la película “In flame” (1975), cuya banda sonora también se convirtió en un apreciable disco (número 6 en el Reino Unido) que intentó variar sus postulados sónicos con texturas más diversas.

“Let’s call it quits” (número 11), tema aparecido en 1976, fue uno de sus últimos éxitos en esta primera etapa de un grupo que retornaría en los años 80 a los primeros puestos de las listas británicas con canciones hard rock como “We’ll bring the house down” (número 10) o “Run run away” (número 7), himnos como “All join hands” (número 15), o baladas como “My oh my” (número 2). Incluso a comienzos de los años 90 pegó fuerte “Radio wall of sound” (número 19).

Otros LPs de Slade son “Nobody’s fool” (1976), “Whatever happened to Slade?” (1977), “Slade Alive, Vol. 2” (1978), “Return to base” (1979), “Till deaf do us part” (1981), “We’ll bring the house down” (1981), “Slade on stage” (1982), “The amazing kamikaze syndrome” (1983), “Keep your hands off my power supply” (1984), “Rogues gallery” (1985) o “Your boyz make big noize” (1987).

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Asentados en la extravagancia como pilar estético, en la falta de pretensiones y el hedonismo en el concepto, con la diversión como funcionalidad y un sentido sexy y kitsch del espectáculo es lo que ofrecen este grupo estadounidense, los Scissor Sisters, compuesto por un grupo de amantes de la música de los 70, en especial del primer Elton John y de David Bowie, el espíritu del burlesque, y el synth-pop de los 80 filtrado por una óptica contemporánea de electro-glam.

Creados en Nueva York, el quinteto Scissor Sisters, nombre en slang del sexo entre lesbianas, está compuesto por los vocalistas Jake Shears y Ana Matronic, los guitarristas Derek G y Del Marquis, el bajista y teclista Babydaddy y el batería Paddy Boom.
Después de firmar con Polydor el grupo consiguió saltar a la fama con el single “Comfortably Numb”, bailable cover de Pink Floyd que fue recibido con entusiasmo por gran parte de la prensa internacional después de que su primer single, “Laura”, pasase bastante desapercibido en el momento de su primera impresión. Poco después aparecería su Lp “Scissor Sisters” (2004), trabajo que les convertiría en una de las revelaciones del año.

Dos años después editarían un nuevo trabajo, “Ta-Dah” (2006), disco que contaba con la participación de Elton John, Carlos Alomar y Paul Williams.

Su tercer álbum fue “Night Works” (2010).

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