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Posts Tagged ‘HARD ROCK’

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En el recorrido sonoro por los discos de esta banda liderada por el frontman Scott Weiland se aprecia tanto la deuda hacia los sonidos grunge de Pearl Jam o Alice in Chains como su ascendencia hard rock de Led Zeppelin, a quienes versionaron con “Dancing Days”, o su tendencia hacia la música más psicodélica de los Beatles, a quienes rindieron pleitesía grabando “Revolution”.
Quizá pudiesen resultar derivativos, que lo eran, pero escribían piezas llenas de fuerza al mismo tiempo que no eran desmañados en la creación melódica, sino más bien todo lo contrario, hechos que ya significan una escritura no original pero sí lo suficientemente respetable.

El grupo californiano, derivado de otro denominado Mighty Joe Young (no sabemos si puesto en honor del bluesman del mismo nombre), se creó en el año 1992. Estaba formado por el citado cantado Scott Weiland (nacido el 28 de octubre de 1967 en Santa Cruz, California), los hermanos Dean DeLeo, guitarrista, y Robert DeLeo, bajista, y el batería Eric Kretz. Scott y Robert se habían conocido cuando ambos asistían a un concierto de Black Flag.

Su primer LP, aparecido en el sello Atlantic, sería “Core” (1992), un disco producido por Brendan O’Brien que les trajo comparaciones con incisivas bandas grunge como Pearl Jam o Alice in Chains y que les valió para conquistar desde los comienzos de su carrera las listas de ventas, alcanzando el puesto número 3 en el Billboard. Entre sus mejores temas destacan la vibrante “Sex Type Thing”, “Plush” o la balada acústica “Creep”.

“Purple” (1994), un destacado álbum que llegaría el número 1 en los Estados Unidos, prorrogaba acerados y melódicos sonidos previos, apuntando también algunos rasgos psicodélicos, y confirmaba su estatus dentro del mainstream gracias a canciones como “Vasoline” o “Intersate Love Song”.
Después de este trabajo Weiland sufrió problemas graves con las drogas ya que se encontraba muy enganchado a la heroína. Entre ellos una detención en Pasadena que le llevó a cumplir un programa para rehabilitarse de sus adicciones, las cuales seguirían castigando profesionalmente al cantante y por extensión a todo el grupo.

Su vuelta al mundo de la música sería con “Tiny Music…Songs From The Vatican Gift Shop” (1996), un disco (número 4 en el Billboard) en el cual su querencia por la psicodelia se hacía más evidente y las disposiciones sónicas presenta mayor singularidad y personalidad propia, lo que pudo perjudicarlo ante los ojos de los fans más inmovilistas del grunge.
Las aristas hardrockeras se hacían menos tangibles y su aspecto más melódico en su faceta beatleiana aparecía de manera más preponderante sin perder vigor en instrumentación.
Es uno de sus mejores discos con cortes como la excelente “Trippin’ on a hole in a paper”, “Big Bang Baby”, tema muy similar a lo ofertado por los Redd Kross, grupo admirado por Scott Weiland, o “Lady Picture Show”, en donde se aprecia su afinidad por los Beatles.

Después de “Tiny Music…Songs From The Vatican Gift Shop” Scott Weiland debutaría como solista con “12 Bar Blues” (1998), un LP producido por Daniel Lanois. Al año siguiente los Stone Temple Pilots retornarían a grabar como grupo para editar “No. 4” (1999), disco que recuperaba sonidos hard rock con piezas como la agresiva “Down” sin perder el aspecto más pop de su escritura, ejemplificado en “Sour Girl”, tema con unas estupendas armonías vocales en su pegadizo estribillo.

Con el comienzo del siglo Weiland se limpió de sus adicciones y el grupo presentó “Shangri-La Dee Da” (2001), disco, como todos los de su carrera, producido por Brendan O’Brien, que incluía, mixturando hard rock y pop, canciones como “Days of the week”, “Hello It’s late”, “Too cool queenie” o “Hollywood Bitch”. Tras este álbum el grupo decidiría romper y despedirse con un disco recopilatorio titulado “Thank You” (2003).

Scott Weiland posteriormente formaría para del grupo Velvet Revoler, creado por varios ex miembros de Guns N’ Roses.

Stone Temple Pilots volverían al estudio en el año 2010 para grabar un álbum homónimo.

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Histórica y esencial banda británica, de paradigmas mod a estrellas del hard rock, ubicados en la psicodelia o impulsores de la ópera-rock conceptual, los Who supieron desarrollar su capacidad e intensidad instrumental bajo el talento creativo de uno de los mejores compositores y guitarristas de todos los tiempos, Pete Townshend (nacido el 19 de mayo de 1945 en Chiswick). A su lado se hallaban excepcionales intérpretes, dotados de una personalidad escénica muy acusada, en especial su batería Keith Moon (nacido el 23 de agosto en 1947 en Wembley) y su cantante líder Roger Daltrey (nacido el 1 de marzo de 1944 en Hammersmith). El magnífico bajista John “The Ox” Entwistle (nacido el 9 de octubre de 1944 en Chiswick), de naturaleza más sosegada, contemplaba lo que sus salvajes compañeros destrozaban en los escenarios, conformando junto a Moon una de las secciones rítmicas más importantes que ha conocido la historia del rock.

Amantes del blues y el soul americano, el legendario cuarteto inició su carrera versionando temas populares de la música negra, de forma vibrante en la conjunción efervescente de sus instrumentos y la fenomenal voz de Daltrey, quien alternaba facetas como cantante con Pete Townshend. Las improvisaciones de Moon marcaron época y ejercieron una gran influencia en el mundo del rock, al igual que las cuatro cuerdas de Entwistle y el palpitante empuje sónico guitarrero de Townshend.

El embrión de los Who procede de las primeras incursiones musicales de Pete y John, amigos del colegio que decidieron probar fortuna en varias bandas londinenses amateur de skiffle, como los Confederates, grupo del que formaron parte a finales de los años 50. Unos años después estarían en los Aristocrats y los Scorpions (nada que ver con la banda posterior homónima), grupos principalmente de carácter instrumental.

A comienzos de la siguiente década, ambos se unieron a una banda llamada The Detours, un conjunto liderado por el cantante Colin Dawson en el que también se encontraba un muchacho llamado Roger Daltrey, quien tocaba la guitarra líder. Daltrey advirtió la capacidad de Entwistle en los Scorpios e invitó a John a unirse al grupo como bajista. John recomendaría a su amigo Pete como guitarrista rítmico. Poco después de incorporarse Townshend y Entwistle, Dawson dejaría el grupo, reemplazándolo en tareas de vocalista Daltrey. En ese momento, Pete pasaría a ocupar el puesto de guitarra líder. En febrero de 1964, los Detours, ante la presencia de otro conjunto con el mismo nombre, deciden llamarse de Who bajo la sugerencia de un compañero de la escuela de arte de Townshend llamado Richard Barnes. En marzo el batería Doug Sandom abandona su puesto incorporándose Keith Moon, un amante de la música surf y los Beach Boys, que estaba tocando su música favorita en un grupo llamado The Beachcombers.

Como The Who y con la representación de Helmut Gordon, comienzan a hacerse un hueco en los clubes londinenses tocando un enérgico R&B que es recibido con entusiasmo por su creciente número de seguidores, quienes admiran su enérgico proceder musical y la fuerza desprendida en sus conciertos. En uno de ellos, celebrado en el Marquee, Pete Townshend destrozó fortuitamente una guitarra, provocando entre la audiencia una explosión de euforia.

Este hecho sería convertido posteriormente en marca de la casa de los Who, con actuaciones violentas en las que el guitarrista rompía y golpeaba con saña su instrumento contra el suelo, interpretando la guitarra mientras saltaba sacudiendo las cuerdas con el brazo en remolino. Keith Moon destrozaba la batería a patadas y Roger Daltrey balanceaba su micrófono de manera espectacular. Un espectáculo que el bueno de Entwistle divisaba tocando de manera magistral su bajo prácticamente inmóvil. Una de estas actuaciones fue contemplada con entusiasmo por Pete Meaden, colaborador de Andrew L. Oldham a quien Gordon contrató como publicista, para convertirse con brevedad en su manager y en uno de los principales impulsores de la carrera del grupo de Londres.

Lo primero que hizo Meaden fue cambiarles el nombre. Se llamarían a partir de ahora The High Numbers. Meaden también les aseó la imagen para convertirlos en mods. En julio de 1964 aparece “I’m the face/Zoot Suit”, su primer sencillo con dos espléndidos temas mods escritos por el propio Meaden, quien pondría a la banda en manos del dúo Kit Lambert y Chris Stamp, verdaderos artífices del engrandecimiento popular de la banda, ofreciéndoles consejos sobre la estética y los sonidos que podían otorgarles la preeminencia comercial, consejos que ellos cumplirían obedientemente si se les permitía un solo deseo: volver a ser conocidos como The Who.

Otra vez con su previo nombre, los Who comenzaron a trabajar con el productor Shel Talmy y el ingeniero Glyn Johns en la Decca, grabando una composición de Townshend titulada “I Can’t Explain”, un single publicado el 15 de enero de 1965. Para la grabación Talmy trajo al músico de sesión Jimmy Page, pero tras escuchar a Pete tocar la guitarra, Page terminó tocando la rítmica y los miembros de Ivy League haciendo coros. Al principio el sencillo, el primero publicado como The Who, pasó sin pena ni gloria en las tiendas de discos pero tras la aparición del grupo en el popular programa de televisión “Ready Steady Go” todo cambió.

La audiencia millonaria de la emisión televisiva se quedaron con la boca abierta cuando en su demoledora actuación en directo, el grupo rompió sus instrumentos. Pocas veces se había visto en vivo y en televisión una demostración musical tan violenta. Este suceso les proporcionó amplia publicidad entre la gente más joven, que se lanzó a comprar el single, consiguiendo que “I can’t explain” alcanzara el puesto número 8 en las listas británicas.

Este éxito se repetiría el mismo año con temas como “Anyway, anyhow, anywhere” (número 10), compuesto por Pete y Roger, o el himno generacional “My Generation” (número 2). En el mes de diciembre de 1965 publicarían su primer Lp, “The Who sings my generation” (1965), un álbum en el cual ponían de manifiesto su tendencia por el R&B y las rítmicas píldoras mod-pop, estilos enfatizados por su virtuosismo y pujanza instrumental y vocal. El disco alcanzaría el top 5 en las listas de Lps más vendidos de Gran Bretaña.

En abril de 1966 apareció el single “Substitute” (número 5), un tema producido por los propios Who que fue continuado por “A legal matter”, sencillo producido de nuevo por Talmy, “The kids are alright” y “I’m a boy” (número 2), la primera producción para el grupo de Kit Lambert, quien impondría la obligación a cada miembro de componer por lo menos una canción, cosa que hicieron para el magistral “A quick one” (196&9, un Lp que llegó hasta el número 4 en el Reino Unido y en el cual Townshend mostraba su gran calidad como compositor en su primera mini-ópera rock titulada “A quick one while he’s away”.

Su primera obra maestra llegaría con el poppy “The Who Sell Out” (1967), un extraordinario disco conceptual con original portada en el que destacó el exitoso single psicodélico “I can see for miles” (número 19). Con anterioridad habían triunfado con “Happy Jack” (número 3) y “Pictures of Lily” (número 4). En 1967 y en plena etapa psicodélica y atracción por todo lo oriental, Pete Townshend se convirtió en seguidor del religioso hindú Meher Baba, hecho que condicionó su vida y en cierta parte, su faceta como compositor.

En julio del mismo año publicaron el single “The Last Time/Under my thumb”, versiones de los Rolling Stones que los Who hicieron en solidaridad con sus colegas londinenses como protesta por el proceso legal contra Mick Jagger y Keith Richards. También actuarían con éxito en el Festival de Monterrey. Tras singles como “Call me lightning”, “Dogs” y “Magic Bus”, el siguiente trabaj en estudio y uno de los más importantes y esenciales de toda su carrera fue “Tommy” (1969), una ópera-rock sobre un niño ciego, sordo y mudo experto en pinball que terminaría convirtiéndose en una especie de mesía. El disco, con “Pinball Wizzard” (número 4) como single estrella, sería un auténtico bombazo que les haría girar interminablemente exhibiendo sus canciones por casi todo el mundo. También se grabó una película dirigida por Ken Russell y se estrenó una obra musical en Broadway.

El fantástico directo “Live at Leeds” (1970) sería el preludio de un proyecto desechado con temática de ciencia-ficción titulado “Lifehouse” y de la grabación de otro enorme álbum, “Who’s next” (1971), un trabajo de sólido rock producido por Glyn Johns (ingeniero de sonido de Shel Talmy) que contenía temas como “Baba O’Riley”, “Won’t get fooled again” (número 9) o la bella balada “Behind blue eyes”.

El compromiso como compositor de primer nivel de Townshend tras el megaéxito de “Tommy” fue corroborado con este Lp, un trabajo menos pretencioso y más directo, en el cual los Who relegaban ambiciosas intenciones para escribir inmediatas canciones de rock’n’roll.

En 1971 también apareció el primer disco en solitario de John Entwistle, compositor y arreglista también para los Who, y brillante debutante con “Smash your head agains the wall” (1971), un Lp co-producido por Bob Irwin en el que también colaboró Keith Moon. Más tarde publicaría “Whistle Rymes” (1972). Pete Townshend en 1972 también iniciaría su trayectoria como solista con “Who came first” (1972), álbum en el que intervenían gente como Billy Nichols o Ronnie Lane. El mismo año los Who publicaron los singles “Join Together” y “Relay”. Para no ser menos, Roger Daltrey publicó “Daltrey” (1973), un disco producido nada más y nada menos que por Adam Faith.

Los Who retomarían su espíritu conceptual con “Quadrophenia” (1973), una ópera rock centrada en las vivencias y preocupaciones existenciales de un joven mod llamado Jimmy. El álbum supuso otro hito en su trayectoria, además de la filmación de otra popular película dirigida por Franc Roddan en el año 1979, etapa en la cual los Jam, que habían impulsado un revival mod, eran una de las bandas más populares del Reino Unido. Después de “Quadrophenia”, los Who se dispersarían a nivel artístico. Daltrey comenzaría una carrera como actor, prosiguiendo casi todos sus carreras sus carreras en solitario. Pete y Keith se introdujeron peligrosamente en el mundo de las drogas, en especial Moon, quien grabó un Lp como solista llamado “Two sides of Moon”, con versiones de los Beatles, John Lennon o Ricky Nelson, quien también colaboraba en un disco en el cual intervenían un sinfín de invitados. Desde Ringo Starr hasta John Sebastian, pasando por Steve Cropper o Harry Nilsson.

Después de “Odds & Sodds” (1974), un disco de rarezas, los Who publicaron “The Who by Numbers” (1975), un subestimado disco producido de nuevo por Glynn Johns que volvió a alcanzar una gran repercusión comercial gracias a sus excelentes composiciones como “However much I booze”, “How many friends” o “Success Story”, canción escrita por Entwistle. En el álbum, de naturaleza intimista, aparecía el admirable músico de sesión Nicky Hopkins. Tras varios años de sequía discográfica los Who sacaron al mercado “Who are you” (1978), un competente disco en el que colaboró Rod Argent, el ex componente de los Zombies y miembro de Argent.

El 7 de septiembre de 1978, el carismático batería Keith Moon fallecería a causa de una sobredosis de somníferos, dejando a los Who sin una pieza clave en su formación, ya que a pesar del reclutamiento de otro experto músico amigo de la banda, el ex Small Faces y Faces Kenny Jones, el grupo no volvería jamás a grabar discos comparables a sus pretéritas obras. “Face Dances” (1981), con “You better you bet”, “It’s hard” (1982) y el directo “Who’s Last” (1984), supusieron la despedida momentánea de la legendaria banda británica, que volvería a reunirse años más tarde para girar en directo. John Entwistle fallecería el 27 de junio del año 2002 tras un ataque al corazón. “Endless Wire” (2006) es su último trabajo en estudio. Un disco presentado con el single “It’s Not Enough”.

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El supergrupo Velvet Revolver surge tras el encuentro entre Scott Weiland, vocalista de Stone Temple Pilots, el antiguo guitarra de Wasted Youth Dave Kushner y tres componentes de Guns N’ Roses: el guitarrista Slash, el bajista Duff McKagan y el batería Matt Sorum.

Este proyecto comenzó a germinarse en el año 2002, cuando Slash, McKagan y Sorum hicieron una aparición el 29 de abril en un concierto tributo a Randy Castillo, batería de la Ozzy Osbourne Band fallecido en marzo del 2002.

El trío de GNR estaba acompañado en escena por el cantante de Buckcherry, Josh Todd, actuando con el nombre de Buck N’ Roses.

Tras comprobar que existía la química suficiente para organizar un grupo en serio, el cuarteto se rebautizó como Cherry Roses. Lamentablemente unos meses después, el terceto expulsó a Todd por incompatibilidad de estilos.

El grupo, conocido ahora como The Project, estuvo durante un tiempo intentando hallar al vocalista adecuado, publicando un anuncio en la prensa en el cual se pedía un cantante y compositor que recordase a los primeros Alice Cooper y Steven Tyler y al mismo tiempo que pudiese ofrecer el aspecto más duro de Lennon y McCartney.
En octubre prueba fortuna el cantante de Neurotica, Kelly Shaeffer. Tras una serie de audiciones termina siendo ignorado por el trío, al igual que, entre otros, Travis Meeks (Days of the New) o Todd Kerns (The Age of Electric).

En abril del año 2003 Scott Weiland graba con Slash, Duff y Matt una versión del tema “Money” de Pink Floyd que aparecerá en la película “The Italian Job”. Más tarde aparece “Set me free”, canción que será incluida en la banda sonora de “Hulk”. Weiland es aceptado con los brazos abiertos en el grupo para la grabación de su Lp debut, que contará también con el guitarra rítmico Dave Kushner. En este momento la banda es llamada de manera provisional Reloaded.
El 5 de junio confirman un nuevo nombre, Velvet Revolver. Revolver es sugerido por Slash, quien se acordó del famoso disco de los Beatles, y Velvet por Scott Weiland, quien en principio había sugerido Black Velvet. Fichan por la RCA y preparan su disco debut, “Contraband” (2004).

Su segundo álbum es “Libertad” (2007), disco producido por Brendan O’Brian que contiene los singles “She Builds Quick Machines” y “The Last Fight”.

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A pesar de sus continuos cambios de formación, la banda británica Uriah Heep, con una excitante sinergia instrumental y textos de rasgos místicos, se ha convertido desde sus inicios en los años 70 en uno de los grupos progresivos más consistentes y duraderos de la historia del hard-rock.

La senda de la banda, influenciada por Led Zeppelin, Pink Floyd o Deep Purple, se trazó a finales de los años 60, cuando dos músicos procedentes del grupo The Stalkers, el guitarrista Mick Box y el cantante David Byron y dos ex componente del grupo The Gods (banda en la que estuvo Mick Taylor y Greg Lake), el guitarra y teclista Ken Hensley y el bajista Paul Newton se unieron junto al batería Alex Napier para desarrollar el proyecto Spice, una banda de rock que tras publicar el sencillo “What about the music”, se rebautizaría como Uriah Heep, nombre que tomaron de la famosa novela de Charles Dickens, “David Copperfield”.

Estos componentes grabarían en 1970 el single “Lady in black/Simon the bullet freak”, que pasaría bastante desapercibido. Napier abandonaría el grupo antes de grabar el primer Lp, siendo reemplazado en las baquetas por Nigel Olsson. “Very ‘eavy…Very ‘umble” (1971), disco debut grabado en el sello Vertigo, fue un trabajo producido por Gerry Bron (productor de bandas como Colosseum o The Bonzo Dog Band), en el cual ya se percibía su atractiva mezcolanza entre hard rock y rock progresivo. El single “Gypsy” se convirtió en uno de las piezas emblemáticas de la banda.

En “Salisbury” (1971), su segundo y magnífico album se incorporó a la batería Keith Baker, tras la marcha de Olsson, que se fue a tocar con Elton John. El disco destaca por temas como “Bird of prey”, “Lady in black” o la extensa pieza que da título al album.
La inestabilidad en la batería prosiguió cuando Baker afirmó que al no poder seguir el elevado ritmo de conciertos del grupo, decidía dejar a sus compañeros. El sustituto sería Ian Clarke, quien aparece en los créditos de “Look at yourself” (1971), su tercer larga duración que fue publicado en el sello Broze, creado por su productor, Gerry Bron.

Este disco, uno de sus mejores trabajos gracias a composiciones como “July Morning”, el single homónimo o “Love Machine”, los colocaría por primera vez en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 39 en los Lps mas vendidos en Inglaterra.
Para la grabación del magistral “Demons and Wizards” (1972), una de las cumbres de su carrera, se produjeron nuevos cambios, entrando Gary Thain (antiguo miembro de Keef Harley Band) como bajista (quien sustituyó al ex Colosseum Mark Clarke, quien estuvo brevemente en el grupo) y Lee Kerslake (ex The Gods) como batería.

La audiencia de Uriah Heep se expandió tras la publicación de este sensacional Lp de lírica de corte fantástico, con el cual llegaron hasta el puesto 20 en listas de ventas británicas y consiguieron estimables resultados comerciales en tierras estadounidenses.
Los singles elegidos serían “The Wizzard” y “Easy Livin'”, dos espléndidas canciones, como lo son todas las piezas del disco con el dominio compositivo de Ken Hensley, entre ellas “Traveller in time”, “Rainbow Demon” o “Paradise/The Spell”.

A raíz de este trabajo comenzó una etapa espléndida de Uriah Heep, en donde su popularidad alcanzó sus mejores cotas, sus atiborrados conciertos ofrecían vibrantes actuaciones y sus resultados comerciales eran más que estimables.
Todo ello gracias a plausibles trabajos como “The Magician’s Birthday” (1972), el directo “Uriah Heep Live” (1973) “Sweet freedom” (1973), “Wonderworld” (1974) o “Return to Fantasy” (1975).

Los cambios entre componentes se sucedieron, lo que provocó su mengua artística.
Gary Thain fue expulsado por su fuerte adicción a las drogas, que le llevaría a la muerte por sobredosis de heroína en 1975. El ex miembro de Family y King Crimson, John Wetton (quien ya participó en “Return to Fantasy”), sería el encargado de suplir su ausencia.

El cantante David Byron, inmerso en problemas de alcohol, se marchó en 1977, tras el irregular “High and Mighty” (1976). Sería sustituido en principio por John Lawton.

“Innocent Victim” (1977), “Firefly” (1977), “Fallen Angel” (1978) o “Conquest” (1980) fueron adocenados discos con algunos pasajes interesantes que preludiaron el sorprendente “Abominog” (1982), un gran trabajo producido por Ashley Howe (colaborador de grupos como Osibisa o Hawkwind, que ya había trabajado con Uriah Heep previamente como ingeniero de sonido) y el cual ya sólo contaba con Mick Box como integrante original de la banda.
Con posterioridad, continuarían editando discos, pero en su mayoría directos y recopilaciones.

Otros miembros del grupo, como Ken Hensley, que se había marchado de la banda tras “Fallen Angel” (1978), mantuvo una carrera en solitario, que se había iniciado en 1973 con la publicación de “Proud words on a dusty shelf” (1973) y que fue continuada por Lps como “Eager to please” (1975) o “Free Spirit” (1981). A mediados de la década de los 80 se unió al grupo de rock sureño Blackfoot.
Por su parte, David Byron publicó dos discos como solista, “Take no prisoners” (1975) y “Baby Faced Killer” (1977), además de formar parte del grupo Rough Diamond, con quien grabó un Lp homónimo en 1977.

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En este más que mediocre período para el rock, es lamentable ver como bandas de talento desaparecen ante la nula perspectiva comercial de sus grandes trabajos discográficos. Una de ellas fue Urge Overkill.
Ni el esfuerzo del bueno de Quentin Tarantino, utilizando un cover de Neil Diamond en “Pulp Fiction”, ni su atractiva apariencia de rock star de glamourosa estética, ni la grabación de dos Lps sensacionales, desplegando piezas de rock alternativo, hard rock y power pop, con huellas sónicas de Cheap Trick, Rolling Stones, Thin Lizzy, Raspberries, AC/DC o T. Rex, pudieron preservar la trayectoria de esta meritoria banda de Chicago.

Urge Overkill se crea a mediados de los años 80, constituido en su primera formación por el cantante, guitarrista y teclista Nash Kato (de nombre real Nathan Katruud, también llamado National Kato), el vocalista, guitarra y bajista Eddie “King” Roeser, y el batería Pat Byrne.
El nombre del grupo lo toman del texto de la canción de Parliament “Funkentelechy”.
Influidos por el noise-rock de su ciudad natal, Urge Overkill dan inicio a su carrera discográfica con el EP “Strange, I…” (1986), un trabajo publicado en Ruthless que estaba producido por el íntimo amigo de Kato, Steve Albini. Ambos habían sido compañeros de habitación en su período estudiantil.

Sin mucho éxito comercial, el grupo era bien recibido por sus actuaciones en vivo por los locales de Chicago. Cambian de batería, sustituyendo Kris Bataille a Byrne y consiguen firmar con el sello Touch & Go Records. En esta compañía independiente graban su primer Lp “Jesús Urge Superstar” (1989), un disco poco destacado en el cual prosiguen con esta primeriza etapa de noise rock y punk-rock.
Con Jack “The Jaguar” Watt en las baquetas y la producción de Butch Wig, Urge Overkill publican “Americruiser” (1990), otro Lp menor en el cual van progresando en el pulimiento de sus composiciones, alejándose del genérico punk-rock a pautas más rockeras y estilosas.

La incorporación del batería Blackie Onassis (de nombre real Johnny Rowan) sería decisiva. Con su llegada el grupo adopta una estética llamativa, lustren de manera extrema su vestimenta e intentan aparentar hábitos y comportamientos de estrella.

Publican en Touch & Go un notable álbum autoproducido, “The Supersonic Storybook” (1991), un disco más powerpopero que los muestra con un sonido más lijado sin perder la energía, actitud de rock star y composiciones más competentes que amalgamaban penetrantes riffs rockeros y conseguidas melodías pop con resonancias de los Stones, AC/DC, Raspberries, Neil Young y sobre todo, Cheap Trick, en brillantes piezas como la fantástica “The Candidate”, su primer single.

Girar con Nirvana les supuso también un impulso popular, lo que unido a las excelentes críticas recibidas por su disco, predisponía a la banda a su ansiado estrellato.
Tras “The Supersonic Storybook”, Urge Overkill graban con Kramer (Mark Kramer) como co-productor una de sus obras cumbre, el EP “Stull” (1992). En el disco aparece una versión de un tema de Neil Diamond, “Girl, you’ll be a woman soon”. Urge Overkill se convierte en uno de los grupos favoritos de un joven llamado Quentin Tarantino, quien cuando se convierta en director de cine, empleará este tema en su película “Pulp Fiction”.
Surgidos en la escena independiente pero con anhelos de grandeza, Urge Overkill abandonan Touch & Go ante las críticas de sus antiguos compañeros indies, en especial Steve Albini, quien comienza a desprestigiarlos tachándolos de artificiosos, petulantes y pomposos.

Ellos mientras tanto firman con Geffen y enfatizan su estética glamourosa. Lucen extravagantes ropajes, se pasean con lujosos descapotables, beben martinis y champán. Todo ello en claro contraste con el sonido grunge y la imagen desarrapada de los grandes grupos del estilo. Ellos se declaran como rock stars y tienen claro que la imagen es importante. Muchos comienzan a definir su proyecto como “estilo sin sustancia”.
Seguramente ellos no hayan escuchado “Saturation” (1993), magistral disco producido por los Butcher Bros. con gloriosos cortes como “Bottle of Fur”, “Tequila Sundae”, “Sister Havana” o “Back on me”, en donde se aunan en excelentes composiciones potencia, melodía, clase y sagaces textos.

Después de esta obra maestra, uno de los mejores y más disfrutables discos de rock de los años 90, Urge Overkill saboreó el mainstream con la citada recuperación de “Girl, you’ll be a woman soon” por parte de Tarantino en 1995, tema que sonó profusamente en las radios y listas de éxitos de todo el mundo.
Tras este sorprendente ascenso a la popularidad el grupo grabó de nuevo con los Butcher Bros. el plausible disco “Exit the Dragon” (1995), el trabajo que tendría que encumbrarlos a lo más alto. A pesar de que su calidad compositiva está a la altura de “Saturation”, gracias a cortes como “Need some air”, “Somebody else’s body”, “The Mistake”, “Last night/Tomorrow” o “View of the rain”, el Lp no fue recibido con el entusiasmo deseado y la promoción de la compañía resultó insuficiente.

Problemas con drogas, Blackie fue detenido por posesión de heroína, y el enfrentamiento creciente entre Nash Kato y King Roeser condujo a la marcha del guitarrista líder del grupo, quien sería sustituido por Nils St. Cyr.
Kato, Onassis y Cyr no renovaron con Geffen y consiguieron firmar con el sello 550 Music, pero esta compañía no aceptó las grabaciones del terceto y rompió el contrato sin publicar el disco.

Desconcertados por esta situación, el grupo terminó desapareciendo en 1997. Tras un largo período de incertidumbre, Nash Kato reaparecería con “Debutante” (2000), un disco con retazos de Urge Overkill pero sin la excitación que producen sus dos últimos Lps.
Eddie formaría el grupo Electric Airlines con su hermano John Roeser.

A finales del año 2003 y para satisfacción de los seguidores del grupo, Nash Kato y King Roeser, sin Blackie Onassis, volvieron a reunirse como Urge Overkill para girar de nuevo durante todo el año 2004. En el año 2011 editaron un nuevo disco en estudio, “Rock&Roll Submarine”.

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Supertrío rock formado en la ciudad californiana de Los Angeles por el cantante y guitarrista Josh Homme, antiguo componente de Kyuss y, entre muchos proyectos, miembro de Queens Of The Stone Age y Eagles Of Death Metal, por John Paul Jones, bajista y teclista de los legendarios Led Zeppelin, y por el batería y vocalista Dave Grohl, ex miembro de Nirvana y líder de Foo Fighters.

El proyecto, con base en sonidos clásicos de los 60 y 70 de hard rock, boogie rock, acid rock y blues rock (Blue Cheer, Cream, Jimi Hendrix Experience, los propios Led Zeppelin, Vanilla Fudge, Steppenwolf…), debutó en estdio con un disco homónimo, “Them Crooked Vultures” (2009), álbum que contiene el single “New Fang”.

En sus actuaciones en directo el grupo cuenta con la colaboración del guitarrista rítmico Alain Johannes, miembro de la banda hard rock y prog rock Eleven.

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Terry Reid, nacido el 13 de noviembre de 1949, pudo convertirse en una superestrella de rock si aceptase la invitación de Jimmy Page para incorporarse como cantante a Led Zeppelin. Sin embargo Reid le recomendó el nombre de Robert Plant.
También poco después rechazaría convertirse en el vocalista de otro gran conjunto de los Deep Purple. No fue así y el nombre de Terry Reid permanece injustamente desconocido.

La trayectoria del cantante y guitarrista Terry, con una miscelánea entre hard rock, soul, pop y folk, se remonta a mediados de los años años 60, cuando formaba parte de Peter Jay & The Jaywalkers.

Tras el contacto con el productor Mickey Most daría inicio a su trayectoria como solista, con “Bang Bang You’re Terry Reid” (1968), LP en el cual estaba acompañado por el teclista Pete Solley y el batería Keith Webb. Además de sus temas propios, como “Tinker Taylor” o “Sweater”, el disco incluía versiones de Sonny & Cher (“Bang Bang”), Gene Pitney (“Something’s gotten hold of my heart”), Eddie Cochran (“Summertime blues”) y Donovan (“Season of the witch”).

Most también le produjo “Terry Reid” (1969), uno de sus mejores trabajos con temas de Bob Dylan (“Highway 61 revisited”), Lorraine Ellison (“Stay with me baby”) o de nuevo Donovan (“Superlungs my supergirl”).

En los años 70 y tras un tiempo sin grabar a causa de conflictos legales con Most, Terry Reid retornó a las tiendas de discos con “River” (1973), LP aparecido en Atlantic y producido por Tom Dowd. En el álbum, con temas como “Dean”, “Avenue”, “Dream” o “River”, colaboraba el multiinstrumentista David Lindley, antiguo miembro de Kaleidoscope.

Asentado en los Estados Unidos desde comienzos de los 70, Reid, que colaboraría en discos con Jackson Browne y Bonnie Raitt, editaría con posterioridad “Seed of memory” (1976), nada más y nada menos que producido por Graham Nash, y “Rogue Waves” (1979), LP que incluía varias revisitaciones de Phil Spector y una versión de los Everly Brothers (“All I have to do is dream”).

Este último trabajo no fue bien recibido por la crítica de la época lo que provocó el alejamiento de Terry Reid de los estudios de grabación.

“The Driver” (1991) y “Silver white light” (2004), directo que recogía su actuación en la Isla de Wight en 1970, fueron otro de sus trabajos discográficos.

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