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Posts Tagged ‘JAZZ’

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Van Morrison es uno de los solistas más importantes y prolíficos que ha conocido la música británica gracias a su conjunción entre lírica introspectiva, expresión con trascendente hondura emocional, mística y sonidos blues, jazz, soul, folk, country, swing y gospel.

George Ivan Morrison nació el 31 de agosto de 1945 en Belfast, la capital de Irlanda del Norte.
Desde que era un niño en su hogar se escuchó todo tipo de música, en especial jazz, blues y folk, ya que su madre era cantante y su padre, que trabajaba en un astillero, se dedicaba en su tiempo libre al coleccionismo de discos, acumulando con avidez vinilos de jazz y blues, sonidos, junto al folk y el soul, que marcarían su trayectoria profesional como artista.

En su adolescencia Morrison, admirador de gente como Ray Charles, Sam Cooke, Willie Dixon, Bob Dylan, John Lee Hooker o Little Richard, lo intentó con varias bandas de skiffle, de moda entre la juventud a finales de los años 50 en Gran Bretaña.
No era un buen estudiante y abandonó el instituto a temprana edad con la intención de hacerse un hueco en el mundillo musical de la zona. Pasó por grupos, entre ellos Dennie Sands and The Javelins y The Monarchs, formación ésta en donde comenzó a practicar R&B.

En 1963 se alió con algunos miembros de un combo denominado The Gamblers y, junto a otros componentes de los Monarchs, formó Them, una banda que contaba con la producción de Bert Berns. Grabó dos excelentes discos antes de sufrir diferentes tensiones con Berns y abandonar al grupo.
No obstante, Bert y Van limaron asperezas y más tarde, en el sello discográfico del primero, Bang Records, debutó en 1967 con el single “Brown eyed girl”, un excelente clásico grabado en la ciudad de Nueva York.
Poco después aparecería, ante la sorpresa de un Morrison que no había dado su consentimiento para la edición, su primer LP, “Blowin’ your mind” (1967). Unos meses más tarde fallecería Bert Berns de un ataque al corazón, abriéndose así una nueva etapa para el cantante de Belfast, en donde se alejaba del enérgico R&B de los Them y mostraría su aspecto más intimista, reflexivo y espiritual, exquisito en texturas sónicas.

Tras la muerte de Berns, Van, quien en 1967 se había casado con Janet Planet, fichó por la Warner y con producción de Lewis Merenstein grabó una de sus obras maestras, “Astral Weeks” (1968), un álbum lleno de poesía en el cual Morrison exhibía unas tonadas que amalgamaban ecos jazz, blues, gospel, folk y soul. Entre ellas “Sweet thing”, “Ballerina”, “Madame George”, “The way young lovers do” o “Cyprus Avenue”.

Su siguiente Lp sería el fantástico “Moondance” (1970), con piezas como “And it stoned me”, “Caravan”, “Into the mystic”, “Glad tidings”, “Crazy love” o el single “Come running”. El vinilo estaba producido por el propio Van Morrison, quien confirmaba su magisterio compositivo con este gran trabajo.

Con el cambio de década Morrison se trasladó a vivir con Janet a la Costa Oeste de los Estados Unidos.
Allí grabó discos meritorios como “His Band and the Street Choir” (1970), con “Domino”, “Give me a kiss” o “Blue money”, “Tupelo Honey” (1971), disco co-producido con Ted Templeman (ex miembro de los Tikis y Harpers Bizarre) con “Wild night”, “I wanna roo you”, “Old old Woodstock” o “Starting a new life”, o “Saint Dominic’s Preview” (1972), Lp de calado soul con cortes como “Listen to the Lion”, “Jackie Wilson said (I’m in heaven with your smile) o “Gypsy”.

En 1971 Morrison había creado la Caledonia Soul Orchestra, quien le acompañaría en estudio y en sus interpretaciones en vivo.

El año de la salida de “Hard nose the highway” (1973), Van y Janet se divorciarían, hecho que llevo de nuevo al cantante irlandés a afincarse de nuevo en Belfast. En 1973 también editaría el disco en vivo “It’s too late to stop now” (1973).
Su calado sensible y reflexivo se volvió a mostrar en su esplendor en el estupendo “Veedon fleece” (1974), en el cual aparecían temas como “Fair play”, “Who was that masked man” o “Streets of Arklow”.

Aquí terminaría la etapa más significativa de la carrera de Van Morrison.
Posteriormente seguiría grabando discos plausibles pero la grandeza de este primer período no volvería a manifestarse de una manera tan prominente.

Tras unos años alejado de los estudios Morrison, que aparecería junto a The Band en su concierto de despedida, acontecido en 1976, retornaría a las tiendas de discos con “A period of transition” (1977), un disco co-producido nada más y nada menos que por el Dr. John.

Los años 70 terminaron para Van con notorios LPs como “Wavelenght” (1978), con colaboración de Pete Bardens (ex compañero de Morrison en Them), e “Into the music” (1979), disco en el cual introducía su guitarra Ry Cooder.

En décadas posteriores, al margen de modas, con su estilo definido y las raíces sonoras claras, Van Morrison volvió a publicar con regularidad discos recibidos con júbilo por sus numerosos seguidores, como “Common one” (1980), “Beautiful vision” (1982), “Inarticulate speech of the heart” (1983), “A sense of wonder” (1984), “Poetic champions compose” (1985), “No guru, no method, no teacher” (1986), “Irish heartbeat” (1988), en donde colaboraba con los veteranos The Chieftains, “Avalon sunset” (1989), “Enlightenment” (1990), “Hymns to the silence” (1991), “Too long in exile” (1993), el directo “A night in San Francisco” (1994), “Days like this” (1995), “How long has this been going on” (1996), “Tell me something: The songs of Mose Allison” (1996), “The healing game” (1997), la colección “The philosopher’s stone” (1998), “Back on top” (1999), “You win again” (2000), disco grabado junto a Linda Gail Lewis, “Down on the road” (2002) o “What’s wrong with this picture?” (2003).

Su último trabajo es “Magic time” (2005), disco en el que incluye temas propios como “Stranded”, “Gypsy in my soul” o “Celtic new year”, además de versiones de Fats Waller (“Lonely and blue”), Frank Sinatra (“This love of mine”) y Perry Como (“I’m confessin’).

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El cantante y multi-instrumentista Steve Winwood fue uno de los principales talentos surgidos en los años 60 en el Reino Unido. Después de comandar la banda de R&B Spencer Davis Group, al joven Winwood se le quedó pequeña la simulación enérgica de sus ascendencias negras y en tiempos de hippismo, psicodelia y experimentación sónica, con discos como “Revolver” o “Sgt Peppers” de los Beatles revolucionando el panorama musical, decidió abandonar en 1967 a Spencer Davis para desarrollar su nuevo proyecto en un grupo al que llamó Traffic.
Al cantante, guitarrista y teclista Steve Winwood (nacido el 12 de mayo de 1948 en Birmingham), un joven prodigio de diecinueve años dispuesto a adoptar la lisergia como principal basamento de su nueva música, ecléctica y muy interesante, ya que no desdeñaba sonidos soul, jazz, folk o blues, se le unieron el guitarrista y vocalista Dave Mason (nacido el 10 de mayo de 1947 en Worcester), ex componente de Deep Feeling, el batería, teclista y vocalista Jim Capaldi (nacido el 24 de agosto de 1944 en Evesham), quien también había tocado en Deep Feeling, y el saxo y flauta Chris Wood (nacido el 24 de junio de 1944 en Birmingham), quien había estado previamente en el grupo Locomotive.

El cuarteto decidió asumir también una filosofía vital de flower power, trasladandose en plan comuna con sus familias a vivir conjuntamente en una casa de campo ubicada en Aston Tirrold, Berkshire.
Ficharon por Island Records y allí, en 1967, publicaron su primer sencillo, “Paper Sun”, un tema psicodélico co-escrito entre Jim Capaldi, principalmente como letrista, y Steve Winwood, principalmente la música, que llegó al número 5 en el Reino Unido.

El mismo año tuvieron más éxito con “Hole in my shoe” (número 2), una canción escrita por Dave Mason y menos, dentro de una sucesión de grandes éxitos, con “Here we go round the Mulberry Bush” (número 8), tema compuesto por todos los componentes de la banda.
El LP, aparecido en el mes de diciembre, “Mr. Fantasy” (1967), producido por Jimmy Miller, fue un disco ejemplar del período, todo un clásico de la psicodelia británica en el cual se apreciaba el consumo habitual de drogas para estimular el proceso creativo y su significación ecléctica en unos temas psicodélicos que se desarrollaban de manera progresiva, con elementos blues y jazz.
Algunos de sus mejores cortes, sin los tres singles en su versión original, son “Heaven is in your mind”, la balada “No face, no name, no number” (número 40), cuarto single del grupo, “Dealer”, “Dear Mr. Fantasy”, tema que fue versionado por Grateful Dead, o “Coloured Rain”.
“Mr. Fantasy” alcanzó el puesto 8 en la lista de ventas de LPs en Gran Bretaña.

En 1967, Mason, con un sentido compositivo más melódico que el resto de la banda, dejó el grupo durante un tiempo debido a tensiones internas, pero retornó pocos meses después.
“Traffic” (1968) fue su segundo y gran LP (número 9 en el Reino Unido), otro estupendo trabajo producido por Miller, con, dentro de la psicodelia, incisiones R&B, jazz, soul, country y folk-rock, ecos de The Band y Buffalo Springfield, y composiciones importantes como “Feelin’ alright”, su quinto single que conoció versiones de Grand Funk Railroad o Joe Cocker, “Who knows what tomorrow might bring”, “You can all join in”, “Don’t be sad” o “40.000 Headmen”, tema del cual hicieron un cover Blood, Sweat & Tears.
Después de este disco Dave Mason dejó definitivamente el grupo tras ser despedido por el restante trío. Este hecho haría tambalear la formación ya que el propio Winwood se marcharía para integrarse durante su corta existencia en el supergrupo Blind Faith.

A comienzos de 1969 Traffic dejó de existir o eso parecía por los derroteros tomados por sus principales miembros. Pocos meses después Island editó “Last Exit” (1969), un disco con temas en estudio y canciones en vivo. En esta etapa se publicó el single “Medicated Goo”, un tema imbuido de funk y soul en el cual se aprecia bien la influencia clave de Steve Winwood en Paul Weller.

“Last Exit” se proclamó en su tiempo como el último LP de la banda, pero finalmente, junto tras Blind Faith dejó de existir y Steve estaba ideando su primer álbum en solitario, “Mad Shadows”, Winwood se unió a Jim Capaldi y a Chris Wood de nuevo para proseguir de manera magistral con Traffic al grabar su cuarto LP, “John Barleycorn must die” (1970), un fenomenal disco producido por Chris Blackwell y Guy Stevens, quien había producido anteriormente a Free, Mott The Hoople o Mighty Baby.
“Glad”, “Freedom rider”, “Empty pages” formaban parte de un álbum sensacional (número 11), con jazz-rock, folk, blues, funk y rock psicodélico, el cual mostraba que sin la presencia de Mason el grupo, dominado por el virtuosismo de Winwood, podía seguir deparando momentos musicales indelebles.

Tras este LP al terceto se le unió el bajista Rick Grech, ex miembro de Family y Blind Faith, que intervino en la grabación del directo “Welcome to the canteen” (1971), disco en el cual incluían una versión de un conocido tema de Steve Winwood para Spencer Davis Grupo, “Gimme some lovin’”. En el álbum también tocaron el percusionista Reebop Kwaku Baah (que había tocado con Dizzy Gillespie), el batería Jim Gordon y el mismísimo Dave Mason, quien participó en algunos conciertos para desaparecer de nuevo del seno del grupo.

En 1971 también apareció “Low spark of high heeled boys” (1971), un sobresaliente disco progresivo producido por el propio Winwood que cosechó un mejor recibimiento en los Estados Unidos que en su propio país, alcanzando en el Billboard el puesto número 7 gracias a temas como “Rock and roll Stew”, “Light up or leave me alone” o la extensa pieza homónima, que recogía bien la música ecléctica del conjunto británico.
Después del álbum Grech y Gordon dejaron Traffic.
El subestimado “Shoot out at the Fantasy Factory” (1973), con “Roll right stones” o “Evening Blue”, prosiguió su senda jazz-rock, “On the road” (1974) fue un directo que mostraba su habilidad instrumental, y “When the eagles flies” (1975) puso punto y final a su segunda etapa (tras la salida de Mason) con un disfrutable disco que incluía entre sus temas canciones como “Dream Gerrard” o “Walking in the wind”.

Después de este álbum sus miembros siguieron rumbos en solitario. Steve Winwood debutó en solitario con “Steve Winwood” (1977), en el cual colaboraban antiguos miembros de Traffic. Posteriormente siguió en los años 80 una carrera de, por lo generral, bajo interés con sonidos inanes y rutinarios de soul blanco.
Jim Capaldi, que había iniciado su trayectoria como solista en 1972 con “Oh, How we danced” (1972), cuando Winwood sufrió una enfermedad, la peritonitis, que le impidió girar y grabar con la banda, retomó esta carrera poco prominente al margen de Traffic.
En 1994, de manera sorprendente, Winwood y Capaldi reavivaron Traffic para girar en directo y grabar un último disco, “Far from home” (1994), un disco aceptable pero alejado de la calidad de sus mejores obras.
Jim Capaldi fallecería el 28 de enero del año 2005 a la edad de 60 años a causa de un cáncer de estómago.

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The Steampacket fue un proyecto ideado en el año 1965 por el manager Giorgio Gomelsky, quien reunió en la banda al teclista Brian Auger, de la Brian Auger Trinity, con el vocalista Long John Baldry y la cantante Julie Driscoll. Baldry incorporó al combo otro nombre más, el del cantante Rod Stewart, miembro de sus Hoochie Coochie Men.

Considerado el primer supergrupo de la historia, The Steampacket nunca publicaron sus grabaciones en su corta carrera, pero sus ejecuciones repletas de R&B, rock, jazz y soul fueron recogidas en discos recopilatorios posteriores.

En su corto período de existencia, The Steampacket, que contaban con los ex componentes de la Brian Auger Trinity Vic Briggs a la guitarra, Rick Brown al bajo y Mickey Waller a la batería (también tocaron en algunas actuaciones Peter Green y Mick Fleetwood), telonearon a los Rolling Stones, Animals y, entre otros, The Walker Brothers.

Cuando en el verano de 1966 el grupo se descompuso, Rod Stewart formó parte de la banda Shotgun Express, Long John Baldry creó Bluesology, y Julie Driscoll y Brian Auger se unieron para retomar la Brian Auger & The Trinity.

Estos Steampacket no deben ser confundidos con el grupo sueco 60’s del mismo nombre, también conocido como Steampacket II o The Longboatmen.

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Detrás del seudónimo de Zoot Money se hallaba el cantante y teclista inglés George Bruno (nacido el 17 de julio de 1942 en Dorset), quien, acompañado por The Big Roll Band, formación creada en los comienzos de los años 60, fue una de las principales sensaciones dentro del circuito londinense de R&B del período, ejecutando sus interpretaciones jazz, R&B y soul con una clase que le emparentaba con otro de los grandes nombres del momento, Georgie Fame.

La banda de Zoot estaba compuesta por el guitarrista Andy Summers (llamado en ese momento Andy Somers), el bajista Paul Williams, el batería Colin Allen y los saxos Clive Burrows y Nick Newall.

El grupo logró gracias a sus directos una buena aceptación entre los muchos aficionados al blues, el soul y el jazz (en especial entre los mods de la capital británica), gracias a competentes versiones de maestros negros como James Brown, Ray Charles, Lee Dorsey o Art Blakey.

Tras tocar con la Blues Incorporated de Alexis Korner, Zoot y la Big Roll Band prosiguieron actuando en clubs, con especial incidencia en el Flamingo.
En 1964 debutaron en disco con el sencillo “The Uncle Willie”, un tema grabado en Decca que cosechó cierta resonancia comercial, al igual que su LP debut “It should have been me” (1965), publicado en Columbia Records.
Ese mismo año aparecieron los singles “Good”, “Please stay”, “Something Is Worrying Me” o “The Many Faces of Love”.

Con el reemplazo de Johnny Almond, quien también aparecía en el primer álbum, por Clive Burrows y el añadido del trompetista Jeff Condon, la banda grabó “Zoot!- Live at Klook’s Kleek” (1966), un directo producido por Gus Dudgeon que recogía sus pujantes interpretaciones en vivo.

En 1966 editaron como singles las estupendas piezas “Let’s Run for Cover”, “The Star of the Show (The La La Song)” y “Big time Operator”, su mayor triunfo comercial en single que alcanzó el puesto 25 en Gran Bretaña.

La llegada del flower power desde los Estados Unidos influyó en la creación en 1967 de una formación paralela de tipo psicodélico llamada Dantalion’s Chariot, formada por Zoot Money, Andy Summers, Colin Allen y el bajista Pat Donaldson. Un año después retornaron a su habitual sonido con “Transition” (1968).
El mismo año de la publicación de “Transition”, Money junto a Summers se integraron en la nueva formación de los Animals, ahora radicados en los Estados Unidos.

Posteriormente publicarían “Welcome to my head” (1969) y “Zoot Money” (1970), dos meritorios trabajos producidos por Vic Briggs (miembro de los New Animals) que fueron el preludio de una carrera profesional en el mundo de la televisión.

El guitarrista Andy Summers alcanzó el éxito a finales de los años 70, cuando formó parte del trío Police junto a Sting y Stewart Copeland.

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http://www.youtube.com/watch?v=FHjkyddpLoY

A finales de los años 90 surgieron en la ciudad de Chicago los Zelienople, un combo formado por el vocalista, guitarra y bajista Matt Christensen, el batería Mike Weiss, y el guitarrista y teclista Brian Harding, ocupado también en tocar el clarinete.

Sus sonidos psicodélicos con trazas ambient, jazz, blues, techno y folk, el acertado trato melódico, la riqueza en texturas, la sutileza minimalista, las disonancias, y las atmósferas oscuras, evocativas, espaciales o melancólicas, conocieron su inicial materialización en disco con el single “It’s Hard to Steal Cars”, incluido en su primer LP “Pajama Avenue” (2002), editado en Loose Thread Records.

La aparición profusa de su discografía es un tanto singular y editada en diferentes sellos. Dos años después de su debut grabaron “Sleeper Coach” (2004), otro álbum de esencia shoegazer, y más tarde “Ink” (2005), un LP editado originariamente y de forma limitada sólo en Finlandia, “Ghost Ship” (2005), otro disco de corta difusión que en su día fue publicado en Nueva Zelanda, y “Stone Academy” (2006), aparecido en su primera edición en vinilo con una tirada de 300 copias. El sello Root Strata también editaría este disco en CD.

Al margen de estos álbums, los Zelienople (nombre derivado de una pequeña localidad de Pennsylvania) también han publicado varios CD-R, como “Bachelors Grove” y “Enemy Chorus”.

Su último trabajo es “His/Hers” (2007), disco editado en el sello inglés Type Records que contiene canciones como “Moss Man” y “Family Beats”.

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Sarah Lois Vaughn fue una de las grandes damas del jazz, una de las mejores cantantes que jamás ha existido, capaz de engrandecer cualquier composición con su clase y talento vocal, lleno de estilo, sofisticación y apasionamiento.

Sarah (Sassy para sus íntimos) nació el 27 de marzo de 1924 en la localidad estadounidense de Newark, ubicada en el estado de New Jersey. Su padre era un carpintero que solía tocar la guitarra en sus tiempos libres mientras que su madre era lavandera y cantaba en una iglesia baptista, lugar en donde Sarah dio sus primeros pasos como cantante y organista, después de estudiar piano desde los siete años de edad.

Su gran oportunidad para dedicarse profesionalmente al mundo de la música como vocalista fue tras ganar un concurso de talentos organizado en el Teatro Apolo, interpretando “Body and Soul”. Sarah fue descubierta por Billy Eckstine, quien la recomendó al fenomenal pianista Earl Hines para incorporarla en 1943 a la Grand Terrace Orchestra como segunda vocalista y pianista. En este período coincidió por primera vez con gente tan importante como el trompetista Dizzy Gillespie o el saxofonista Charlie Parker.
En la banda de Earl Hines también se encontraba su citado mentor, el esencial cantante Billy Eckstine, quien abandonó el conjunto de Hines para formar su propia big band en 1944, especializada en bebop, jazz que avivaba el tempo del swing e improvisaba sobre la progresión de acordes con mayor autonomía y complejidad en la ejecución instrumental y expresión emocional. Maestros e impulsores del bebop fueron los citados Charlie Parker y Dizzy Gillespie, quienes también tocaron con Eckstine, quien, por supuesto, invitó a Sassy a unirse a su nuevo proyecto.

En 1944 grabaron con el sello Continental, para posteriormente publicar discos con Musicraft, como “Lover man” o “Motherless child”. Después de cantar brevemente junto a John Kirby Sarah lo intentaría en solitario a partir de 1945 en Columbia. Algunas de sus canciones más conocidas de este período son “Tenderly”, “Summertime”, “Goodnight my love”, “Black Coffee” o “It’s Magic”.
En 1947 Sarah Vaughan se casaría con el trompetista George Treadwell.
En los años 50 y 60 alternó el jazz con tonadas de pop tradicional y piezas de aire latino, expandiendo su popularidad con sus magníficas interpretaciones en vivo y grabaciones en Mercury, en donde grababa sus piezas más comerciales, EmArcy, sello de Mercury en donde publicaba temas más complejos y puramente jazz, y en Roulette. De esta época son canciones como “Sassy”, “Make yourself comfortable”, “Whatever Lola wants”, “Mr. Wonderful”, “Broken hearted melody”, “Smooth Operator” o “After Hours”.

En la segunda mitad de la década de los 50 Sarah se divorció de Treadwell, contrayendo matrimonio con C. B. Atkins en 1958. La pareja se rompería en 1962.
En los años 70 y 80 grabó con las compañías Mainstream y Pablo, consiguiendo en 1982 un premio Grammy a la mejor interpretación vocal femenina de jazz por el disco “Gershwin Live!”, grabado con la Orquesta Filarmónica de Los Angeles.
Sara Vaughan, que colaboró, además de los citados, con gente como Count Basie, Miles Davis, Oscar Peterson, Joe Pass, Hugo Peretti, Clifford Brown, Lester Young o Jimmy Jones, e interpretó como nadie temas escritos por George e Ira Gershwin, Cole Porter, Johnny Mercer o Duke Ellington, falleció a causa de un cáncer de pulmón (era una gran fumadora) el 3 de abril de 1990. Tenía 66 años.

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Una de las primeras grandes estrellas en la historia de la música moderna que supo fusionar con éxito el jazz, el rock, la psicodelia y el blues con ritmos de procedencia latina fue Carlos Santana, quien con su banda se convirtió en una de las más originales propuestas musicales surgida en la ciudad de San Francisco a finales de la década de los 60.

Santana nació el 20 de julio de 1947 en la población mexicana de Autlán. El joven Carlos creció en un ambiente muy musical, ya que su padre tocaba el violín en un conjunto de mariachis, y comenzó a imitar el proceder de su progenitor a la vez que aprendía a rasguear la guitarra desde muy niño.
Después de trasladarse a Tijuana, la familia Santana se ubicó definitivamente a principios de la década de los 60 en la ciudad californiana de San Francisco. Carlos amaba la música tradicional heredada de sus ancestros, pero estaba muy interesado en desarrollar esa raigambre sonora en el espectro del rock, el blues y el jazz, estilos por los que se sentía muy atraído.

En 1966 formó la Santana Blues Band, un grupo que había ideado con el cantante y teclista Gregg Rolie. A la pareja se les unió el bajista David Brown, el batería Bob Livingstone y el percusionista Marcus Malone.

Pronto comenzaron a actuar en los locales de San Francisco, en especial en el Fillmore West, propiedad de Bill Graham. La intensidad en vivo de la banda quedó reflejado en el disco “Live at the Fillmore 1968”, un trabajo que no vio la luz en su día y que fue publicado casi tres décadas después.

1969 fue un año clave para la Santana Blues Band. Recortaron su nombre simplemente a Santana, actuaron con gran éxito en el popular Festival de Woodstock, y publicaron su primer disco grande oficial titulado “Santana” (1969), un espléndido álbum que alcanzó el puesto número 4 en listas de LPs más vendidos gracias a temas como “Soul sacrifice”, “Evil Ways”, “Waiting” o “Jingo”.
En la grabación de este disco y en Woodstock ya no estaban en la formación Marcus Malone y Bob Livingstone, quienes fueron sustituidos en el trabajo de batería y percusión por Mike Caravello, Michael Shrieve y José “Chepito” Areas, responsables de proporcionar ese aroma afrocubano tan característico de su propuesta musical.

Si con “Santana” había ocupado puestos de honor entre público y crítica, con su obra maestra “Abraxas” (1970), el grupo de Carlos Santana elevó a lo más alto su amalgama de influencias sonoras.

El LP llegó al número 1, permaneciendo en ese puesto durante largo tiempo. Las memorables revisitaciones de Tito Puente en “Oye como va” y de los Fleetwood Mac de Peter Green en “Black Magic Woman”, junto a las soberanas aportaciones compositivas del propio Santana (“Samba pa ti”), Carabello (“Singing Winds, Crying Best”), Rolie (“Mother’s Daughter”) o Areas (“El Nicoya)”, hacen de este álbum uno de los mejores discos en la historia de la banda de San Francisco y uno de los más interesantes de su efervescente período.

“Santana III” (1971) fue la continuación de “Abraxas”. Supuso la estabilidad de la buena marcha del grupo tanto a nivel artístico como comercial (volvió a alcanzar el puesto número 1) con temas como “Everybody’s Everything”, “Batuka”, “No one to depend on” o “Everything’s coming our way”. En este disco se incorporó al conjunto un nuevo miembro, el guitarrista Neal Schon.

Poco después de este exitoso trabajo el grueso de Santana terminó por despedazarse, ya que problemas con drogas de varios de los miembros y las crecientes inclinaciones espiriturales de Carlos, que había abrazado las creencias del gurú bengalí Sri Chinmoy, provocaron un cambio radical en sus comportamientos, imagen y forma de ver la vida, con un talante mucho más reflexivo, místico y pacifista.
Al mismo tiempo decidió hacerse llamar Devadip y se cortó el cabello. Por esa época colaboró con el batería Buddy Miles en una gira y un disco en directo llamado “Carlos Santana & Buddy Miles! Live!” (1972).

En “Caravanserai” (1972) enfatizaron más su pasión por el jazz logrando atraer a su masivo público con piezas como “Just in time to see the sun” o “Look up (To see what’s coming down)”.
En ese prolífico año publicó tambien junto a John McLaughlin (seguidor asimismo de las corrientes religiosas de Sri Chinmoy) y su Mahavishnu Orchestra el disco “Love Devotion and Surrender” (1972), una gema de jazz-rock con base espiritual.

En “Welcome” (1973) ya no participó Gregg Rolie (sustituido por Leon Thomas) que abandonó a Santana para formar con Neal Schon el grupo Journey.
El disco fue de inferior calidad que sus primeras obras, pero mantenía las eclécticas constantes que hicieron triunfar a la banda.

Los cambios en la formación marcaron el devenir de Santana en los siguientes años, época en la que publicaron el álbum en directo “Lotus” (1974), la colaboración de Carlos con Alice Coltrane (viuda del mito del jazz John Coltrane) en “Illuminations” (1974) o el aprovechable LP “Amigos” (1976).
Discos menores como “Borboletta” (1975), “Festival” (1977), “Moonflower” (1977), un álbum en donde versionaba el tema de los Zombies “She’s not there”, “Inner Secrets” (1978) y “Oneness: Silver Dreams Golden Realities” (1979), su primer álbum firmado en solitario, consiguieron mantener un alto estatus comercial pero el esparcimiento sonoro nunca sonó tan compacto y fascinante como sus tres primeros LPs.

En las décadas de los 80 y 90 continuó publicando discos en estudio y directos de desigual entidad, entre ellos el excelente “Blues for Salvador (1987), hasta su espectacular resurgimiento comercial en 1999, con la grabación de “Supernatural” (1999), un trabajo que consiguió numerosos premios Grammy y llegó de nuevo el número 1 en las listas americanas, confirmando que el buen hacer de este mago de las seis cuerdas y su colosal aportación a la fusión musical permanecía imperturbable al inapelable paso del tiempo.

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