Feeds:
Entradas
Comentarios

Posts Tagged ‘NOISE POP’

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

.

Una serie de amigos universitarios de Cardiff, Gales, formaron este conjunto pop de nombre en español. Al estilo de los Ramones, Aleksandra, Ellen, Garreth, Harriet, Neil, Ollie y Tom se añadieron como apellido artístico el nombre del grupo y comenzaron a actuar en directo y a grabar sus primeras canciones en el año 2006 con un rítmico sonido tan deudor del noise pop como de la new wave, el pop punk o el post-punk.

Autopromocionados en Internet, el grupo llamó la atención de la prensa británica y pronto se convirtió en una de las nuevas sensaciones del indie pop de su país gracias a singles como “Don’t Tell Me To Do The Math(s)” y “We Throw Parties, You Throw Knives”.

Estas canciones se incluyeron en su álbum debut, “Hold On Now, Youngster…” (2008), disco editado en Wichita Recordings que contó con la producción de David Newfeld.

El mismo año publicaron otro álbum, “We Are Beautiful, We Are Doomed” (2008), un trabajo con sonido dance-rock similar a su primer disco que fue producido por John Goodmanson (colaborador de bandas como Bikini Kill, Nada Surf o Sepultura) y que contiene canciones como “Miserabilia” o “Ways To Make It Through The Wall”.

Su tercer trabajo en estudio es “Romance Is Boring” (2009), un disco en el que vuelven a ser asistidos técnicamente por Goodmanson y que fue presentado con los singles “These Are Listed Building” y “Romance Is Boring”.

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

.

Junto a Oasis, el grupo Blur fue uno de los nombres más populares del brit-pop de los años 90, término acuñado por la inefable prensa británica, muy suya ella, para englobar a bandas que retomaban las pautas compositivas más melódicas y guitarreras de las bandas inglesas más conocidas de los años 60, como los Beatles, los Who, los Small Faces, los Rolling Stones o los Kinks, que previamente ya habían recogido, en especial los sonidos más psicodélicos del período, otro de los ascendientes de Blur, especialmente en sus inicios, como son los Stone Roses o Happy Mondays.
También en su música se apreciarán ecos de Madness, XTC, David Bowie, los Jam, los Smiths, Sonic Youth o Pavement.

A diferencia del conjunto liderado por los hermanos Gallagher, iterativa hasta decir basta aunque con un apreciable talento para la creación melódica, la música de Blur resulta mucho más variada, imaginativa y creativa, perviviendo en su disposición sónica pop-rock de recovecos psicodélicos, noise, art, lo-fi o dance, textos de cierta causticidad e ironía en su comentario social.
La banda está formada por el cantante, teclista y frontman Damon Albarn (nacido el 23 de marzo de 1968), el guitarrista Graham Coxon (nacido el 12 de marzo de 1969), el bajista Alex James y el batería Dave Rowntree. El cuarteto comenzó su andadura a finales de los años 80 bajo el nombre de The Circus, apelativo que cambiarían en breve a Seymour.
Albarn, que había crecido en un ambiente musical, aprendiendo a tocar varios instrumentos en su infancia, como el piano o el violín, previamente había estudiado interpretación.

Tras actuar en vivo por varios locales londinenses Seymour consiguieron firmar un contrato con Food Records para grabar sus primeras canciones. Fue en ese momento cuando cambiaron de nombre, a instancia de Dave Balfe y Andy Ross, los dueños de la compañía discográfica.
“Leisure” (1991) fue su álbum debut, en el cual se incluían sus singles “She’s so high” (número 48 en el Reino Unido), “There’s no other way” (número 8) y “Bang!” (número 24), en un disco producido por Stephen Street (productor e ingeniero de los Smiths, otra de las referencias de Blur) bastante influenciado por los grupos de Manchester Stone Roses o Happy Mondays, en el cual se combinaba un aceptable trato melódico con prominentes sonidos guitarreros y preponderancia de atmósferas lisérgicas.
Se trata de un álbum con aciertos parciales que presagiaba mejores trabajos venideros.

Tras “Leisure” Blur publicaron el single “Pop Scene” (número 32), que marca un antes y un después en su carrera, y uno de sus LPs más destacados, “Modern life is rubbish” (1993), un gran y subestimado disco, producido de nuevo por Street tras desecharse una colaboración con el miembro de XTC Andy Partridge, en el cual las letras comenzaban a tener mayor enjundia y sentido irónico, las melodías y estructuras manifestaba talento para la labor compositiva, la instrumentación se enriquece notablemente, y el sonido comenzaba a aposentarse, sin perder un criterio propio, en los grupos de los años 60, en especial los Kinks, los Who o los Beatles.
En el álbum (número 15 en Inglaterra), una de las cumbres de su carrera, aparecían los singles “For tomorrow” (número 28), “Chemical World” (número 28) y “Sunday Sunday” (número 26).

Con “Parklife” (1994), otro magnífico y ecléctico disco (pop de guitarras, indie rock, psicodelia, ambientes circenses, disco, folk-rock, new wave …), brillante en melodías, atmósferas, arreglos y producción, Blur alcanzó la fama en Europa (número 1 en Gran Bretaña) gracias a singles como “Parklife” (número 10), “Girls & Boys” (número 5), “End of a century” (número 9) o “To the end” (número 16), siendo las mejores canciones del disco otras piezas como “Trouble in the message centre”, “Badhead”, “London loves” o “Magic America”.
De nuevo Damon Albarn se mostraba perspicaz en las letras, ganando comparaciones entre la prensa inglesa con el mismísimo Ray Davies. Y es que los Kinks y David Bowie eran en este período una de las bandas faro del grupo Blur.
Su herencia mod fue objeto de tributo con la aparición de Phil Daniels, el protagonista de “Quadrophenia”, en el videoclip de “Parklife”.

Mientras en Europa Blur alcanzaban el éxito, en los Estados Unidos su música pasaba bastante desapercibida. En esta etapa, mediados de los años 90, surgieron a su estela un buen número de grupos que recogían características similares, en especial ascendencias sonoras. Entre ellos bandas como Oasis, con quienes rivalizaron para alcanzar el mayor prestigio del movimiento a nivel popular.
A diferencia de Blur, la banda liderada por Liam y Noel Gallagher, sí logró hacerse notar en el país que vio nacer el rock, especialmente tras la publicación de “(What’s the story) Morning Glory?” y temas bien construidos como “Wonderwall”.
Este hecho los elevó hasta la cima mundial, siendo celebrados como la nueva salvación del rock’n’roll. Al final se quedaron en un grupo derivativo capaz de ofertar más o menos buenos discos de clara inspiración Beatles.
Por su parte Blur seguía cosechando triunfos comerciales en Gran Bretaña, como el LP “The Great Escape” (1995), un disco (número 1) que incluía los temas “Country House” (número 1), “The Universal” (número 5), “Stereotypes” (número 7) y “Charmless Man” (número 5). De nuevo excelentemente arreglado y producido, con una gradación más cetrina que el previo, el álbum no alcanza la categoría de “Modern Life is Rubbish” y “Parklife”, sus dos mejores obras, pero forma parte de una interesante trilogía dentro del rock inglés de los 90, subestimada por lo general por cafres que no han escuchado jamás un disco completo de la banda.

Si después de “Leisure” se produjo una reconducción del sonido del grupo, tras “The Great Escape” se llevará a cabo otra. Los sonidos de Bowie y la Invasión Británica, en especial la de Ray Davies y los Kinks, serán ensanchados con otras influencias, las de bandas más contemporáneas de Blur como Pavement o Sonic Youth. Es decir, la música pop-rock independiente estadounidense y los sonidos lo-fi.
Después del directo “Live at The Budokan” (1996), se publica “Blur” (1997), que marca el inicio de esta etapa, más pretenciosa y probablemente impulsada por Coxon, la pieza clave del grupo junto a Damon Albarn.
Con el single “Beetlebum” vuelven al número 1 en singles en su país, mientras que la explosiva “Song 2” llega al puesto 2 y logra por primera vez entrar con notoriedad en las listas americanas. “On your own” (número 5) y “M.O.R.” (número 15) son otros sencillos de un disco más experimental, ruidista y agresivo que sus previos trabajos.

Tras “Blur” Graham Coxon grabó su primer disco en solitario “Sky is too high” (1998).
Otro directo llegó con “Live in Holland” (1998) antes de aparecer “13” (1999), que prosiguió con similares derroteros sónicos, con enfoques eclécticos, texturas trabajadas y collages sónicos, a su anterior trabajo, ahora con producción de William Orbit, ex miembro de Torch Song y Spill.
El disco incluía singles como “Tender” (número 2), “Coffe & TV” (número 11) y “No distance left to run” (número 14).
En el año 2000 Damon crea Gorillaz, un proyecto de hip hop que debuta un año después con un disco grande homónimo, “Gorillaz” (2001). Coxon proseguiría su carrera en solitario con títulos como “Golden D” (2000), “Crow sit on blood tree” (2001) o “The Kiss of morning” (2002).
El último trabajo de Blur, con la pérdida del guitarrista Graham Coxon tras fricciones con Albarn, es “Think Thank” (2003).
Producido de nuevo por Orbit, el álbum es uno de sus trabajos menos satisfactorios, autocomplaciente, blando y desenfocado, con algún acierto atmosférico y singles como “Out of time” (número 5), “Crazy beat” (número 18) o “Good song” (número 22).

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

A comienzos de los años 90 se creó en Halifax (Canadá) este conjunto formado por el cantante y bajista Chris Murphy, los vocalistas y guitarristas Patrick Pentland y Jay Ferguson, y el batería y vocalista Andrew Scott.
Varios de ellos habían coincidido en una escuela de arte de Nova Scotia.

Sus primeros trabajos discográficos fueron el EP “Peppermint EP” (1992) y el álbum “Smeared” (1992), discos en el cual el grupo estaba influenciado por el grunge y el noise pop de la época, con influencias de Sonic Youth y Nirvana.

Dos años después sus ascendencias cambiaron, siendo el power pop y el pop psicodélico de los 60, y gente como los Beatles, los Kinks, Big Star, Hollies, Cheap Trick, The Turtles, Who, Teenage Fanclub, Posies o Raspberries, los influjos de “Twice Removed” (1994), un disco con canciones como “People Of The Sky”, “Coax Me” o “I Hate My Generation” .
Su orientación power pop no gustó a Geffen Records, quien deseaba que el grupo sonase como el contexto comercial de las radiofórmulas de la época.

Después de “Twice Removed”, Sloan volvieron a un sello independiente para grabar otro trabajo con influencias melódicas de los Beatles, “One Chord To Another” (1996), disco con los singles “The Good In Everyone”, “Everything You’ve Done Wrong” y “The Lines You Amend”.

Un año después de “One Chord To Another”, Sloan grabaron “Recorded Live At Sloan Party” (1997), un álbum de versiones en donde tanto cabían los Hollies (“I Can’t Let Go”) como Roxy Music (“Over You”).

Su senda power pop continuó con “Navy Blues” (1998), uno de sus mejores trabajos gracias a temas como “Money City Maniacs” o “She Shays What She Means”, y “Between The Bridges” (1999), en donde seguían reciclando con talento sus influencias de los años 60 y 70.

“Pretty Together” (2001) y “Action Pact” (2003) mostraron un ligero cambio a sonidos más rock setenteros sin desprenderse de la herencia beatleiana, y “Never Heard The End Of It” (2004) les recuperaba en buena forma con su mezcla de sonidos psico-pop, garage-rock, hard-rock, power pop, soft-rock… Algo reiterado en “Parallel Lines” (2008), un disco con canciones como “Believe In Me” o “Cheap Champagne”.

Su último disco es “The Double Cross” (2011).

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Escocia se ha manifestado siempre como un lugar idóneo para emanar internacionalmente buenas bandas de pop guitarrero independiente con mirada hacia la música de los 60.
Una de las mejores y pioneras son The Pastels, grupo de Glasgow con buen sentido melódico y disposiciones jangle-pop y noise-pop con ecos de los Byrds, Jonathan Richman o, sobre todo, la Velvet Underground de Lou Reed. Tal ascendencia se refleja también en que Stephen Pastel no deja de tener cierto parecido con la voz de Nico.

El grupo pivota en la presencia del citado Stephen “Pastel” McRobbie, cantante, guitarrista y compositor que se hizo acompañar a lo largo de su trayectoria de diferentes músicos que fueron entrando y saliendo del proyecto, como los guitarristas Brian “Superstar” Taylor y David Keegan, el bajista Martin Hayward, los baterías Chris Gordon, Bernice Simpson y Katrina Mitchell, también vocalista, o la teclista, bajista y vocalista Aggi Wright.

Sus inicios en los comienzos de los años 80 se presentaron con la grabación de varios singles en diferentes sellos, incluyendo temas como “Songs for Children”, “I Wonder Why”, “Something’s Goin’ On”, “A Million Tears”, la psicodélica “Baby Honey” o “Truck Train Tracktor”, canción que parece mezclar a los Ramones con la Velvet.

Su primer LP fue “Up for a Bit with The Pastels” (1987), disco producido por John Rivers que incluía temas como “Ride”, “Crawl Babies” o “I’m alright with you”. Al año siguiente recopilaron varios de sus previas grabaciones en el álbum “Suck on The Pastels” (1988).

”Sittin Pretty” (1990), con producción de Richard Mazda, colaboración de Eugene Kelly y cortes como la atmosférica balada noise-pop “Baby, You’re Just You” o “Nothin’ to Be Done”, notable tema con una atractiva combinación de voces entre Stephen y Aggi Wright, es uno de los mejores trabajos del grupo escocés, que colaboraría con Jad Fair (como así hizo también más adelante Teenage Fanclub, grupo con próximos contactos con The Pastels) antes de editar “Mobile Safari” (1995), un álbum producido por Paul Chisholm (productor del “Bandwagonesque” de Teenage Fanclub) en el cual participaban nombres importantes dentro del indie pop, como Dean Wareham, Norman Blake y Gerard Love.
“Yoga”, “Esploration Team” o “Exotic Arcade” son algunas de las mejores piezas de unos Pastels oficialmente compuesto en su última etapa por el terceto Stephen Pastel, Aggi Wright y Katrina Mitchell.

Dos años después apareció “Illumination” (1997), LP en el cual además de los nombres citados sonaba el cello de Isobel Campbell, componente de Belle & Sebastian. El último disco de este influyente grupo es la banda sonora de la película “The Last Great Wilderness” (2003).

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Pavement surgieron en tierra estadounidense a finales de los años 80 como puntales de la música alternativa, es decir música rock que suena y conceptúa su propuesta sonora fuera de los cauces más comerciales.
Con producción lo-fi, líricas crípticas y agudas de calado literario, apariencias sónicas íntimas, crudas, escrituras fracturadas con querencia por la distorsión sin descuidar la melodía, y principales influencias de la Velvet Underground, The Fall o el noise-pop de los Pixies, con trazas puntuales de Dinosaur Jr., los Kinks, R.E.M., The Cure o Sonic Youth, el grupo liderado por Stephen Malkmus se convirtió en uno de los conjuntos independientes más destacados de la década de los 90.

Creados en la localidad californiana de Stockton el proyecto Pavement se materializa en 1989 cuando el cantante y guitarrista Stephen Malkmus (nacido el 30 de mayo de 1966 en Santa Monica) termina la carrera de historia en la Universidad y decide formar una banda de rock. Para ello se une a su amigo Scott Kannberg, guitarra y vocalista.
Breve tiempo antes Stephen había creado junto a David Berman y Bob Nastanovich un trío llamado Ectoslavia, que sería el embrión del futuro grupo de comienzos de los años 90 The Silver Jews.
Pavement inician su trayectoria discográfica con el EP “Slay Tracks” (1989), publicado en el sello Treble Kicker. En el disco aparecen acreditados como componentes SM (Malkmus), Spiral Stairs (Kannberg) y el batería Gary Young. Más tarde publican otros EPs, como “Demolition Plot J-7” (1990), aparecido en Drag City, compañía en la cual también publican “Perfect sound forever” (1991).

En el año 1991 debutan en Matador en formato LP con el magnífico “Slanted and Enchanted” (1991), un disco noise-pop clave para la banda que contenía grandes temas como “Here”, “Summer babe”, la pixiana “In the mouth of a desert” o la abrasiva “Perfume V”.
Las herencias de Frank Black, Mark E. Smith y Lou Reed aparecen por todos los ángulos de un álbum recibido con entusiasmo por la prensa americana y que supone la primera gran piedra de toque del talento de Malkmus.
Un año después publicaron el EP “Watery Domestic” (1992) y el recopilatorio “Westing (By Musket and Sextant)” (1993), preludios de su segundo álbum, “Crooked rain, Crooked Rain” (1994), un disco más límpido y comercial que el previo en el cual se incluía el tema “Cut your hair”, la canción más popular de la banda (en la que se nota su influencia en el grupo británico Blur), que había incorporado al bajista Mark Ibold, al percusionista Nastanovich y al batería Steve West, después de que el excéntrico Young dejara el grupo antes de debutar en 1995 como solista con “Hospital”.

 

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Banda estadounidense con resonancias de la Velvet Underground, los Pixies, los Pink Floyd con Syd Barrett, Dinosaur Jr., Pere Ubu, Sonic Youth, Flamin’ Lips, Beatles, Brian Wilson o Curt Boettcher, que tras unas primeras e interesantes manifestaciones sonoras dentro del noise psicodélico evolucionó hacia músicas más conceptuales y sofisticadas, pop psicodélico o, dentro de éste, dream pop, siempre con una significativa búsqueda de texturas lisérgicas y un sutil tacto en el desarrollo melódico.

El grupo se creó en la ciudad de Buffalo, ubicada en el estado de Nueva York. Estaba compuesto en esta primera formación por el cantante y guitarra David Baker, el cantante y guitarrista Jonathan Donahue, el bajista Dave Fridmann, la flautista Suzanne Thorpe, el guitarra y clarinetista Sean Mackowiak, llamado por sus colegas Grasshopper, y el batería Jimy Chambers.

En sus inicios y cuanto todavía sus actuaciones y tejemanejes eran más un experimento que otra cosa, como realizar bandas sonoras para películas independientes que veían sus amigos y sus familiares a lo sumo, los diferentes miembros del grupo también hacían sus diferentes pinitos por aquí y por allá dentro de la industria del rock.
Jonathan Donahue trabajaba como promotor de conciertos y en 1990 tocó con los Flaming Lips bajo producción de su amigo Dave Fridmann, quien se convertiría en pieza clave para el sonido de Mercury Rev por su preponderancia en el trabajo en el estudio.
También sería importante en varios discos de otros interesantes grupos como Luna, The Delgados o Mogwai, a los que produjo en varias ocasiones.

En 1991 los Mercury Rev, casi sin actuar en vivo y después de que su demo fuese ignorada por las compañías discográficas de su país consiguieron llamar la atención del sello británico Rough Trade, logrando grabar allí su primer LP, “Yerself is steam” (1991), un disco neopsicodélico con ínfulas art-rock y temas como la extensa y velvetiana “Chasing a bee”, la abrasiva “Syringe mouth” o “Coney Island Cyclone” que fue celebrado de manera notable por la prensa inglesa pavimentando una carrera que depararía una buena pléyade de discos meritorios.

Por esa época también grabaron uno de sus temás más importantes, el single “Car wash hair”, que también aparece incluido en algunas ediciones del “Yerself is steam”.

Los choques de ego y varios sucesos hinchados de manera sensacionalista, como aquel en que Jonathan en un avión quiso sacarle un ojo con una cuchara a Grasshopper (por esa bobada fueron vetados por la compañía aérea; si por lo menos se lo sacara de verdad pues aún tendría su gracia…) hicieron tambalear la consistencia de la banda a pesar de que se reuniesen para grabar la continuación del disco debut, “Boces”(1993), otro grato muestrario noise con dosis de experimentación y piezas como “Something for Joey”, “Meth of a Rockette’s Kick” o “Trickle down”.

Después de este álbum se produjo un cambio bastante notorio en el grupo. El problemático David Baker, en constantes conflictos con los demás miembros del grupo por su antojadizo comportamiento, dejó el grupo y dio comienzo a un nuevo proyecto denominado Shady.
Por su parte sus compañeros publicarían “See you on the other side” (1995), un disco que se orientaría hacia acomodos más sofisticados, más conceptuales y más enfocados en las texturas, tanto vocales como instrumentales. El single “Everlasting arm”, “Empire State” o la rockera “Young man’s stride” son algunos de los temas de este estupendo trabajo.

Esta nueva dirección fue proseguida con tino en su siguiente disco, uno de los mejores de su carrera, el hipnótico, hermoso e imprescindible “Deserter’s Songs” (1998), con delicadas gemas como “Holes”, “Tonite it shows”, “Opus 40” o “Endlessly”, con ecos de Curt Boettcher, Brian Wilson, Pink Floyd e incluso del pop tradicional del Tin Pan Alley, no en vano el grupo haría una versión, encontrada en “The Dark is rising”, del “Blue Skyes” de Irving Berlin. Otra gente versionada en su carrera por los Mercury Rev fueron maestros como Neil Young (“Motion Pictures” o “Philadelphia”), Bob Dylan (“He was a friend of mine”), John Lennon (“Isolation”) o Burt Bacharach/Hal David (“Raindrops keep falling on my head”).
En “Deserter’s Songs” aparecía la colaboración de lujo de dos miembros de The Band: Levon Helm y Garth Hudson.

Previamente a este álbum habían grabado, en contraste con el sonido de “See you on the other side” y con el seudónimo de Harmony Rockets, el disco “Paralyzed mind of the Archangel Void” (1995).
Después de “Deserter’s Songs” Mercury Rev llegó un acuerdo para trabajar nada más y nada menos que con el mismísimo y gran Jack Nitzsche. Lamentablemente el proyecto no llegó a buen puerto a causa de la muerte de éste.
Sin embargo el grupo no se amilanó y presentó “All is dream” (2001), imaginativo disco que prorrogaba el dream pop anterior con temas “The dark is rising”, “Lincoln’ Eyes” o “Tides of the moon”.
Su último trabajo es “The Secret Migration” (2005), álbum que vuelve a deparar otra gran colección de piezas llenas de delicadeza y sutileza. Entre sus cortes se incluyen canciones como “Secret for a song”, “Diamonds”, “Vermillion” o “Across yer ocean”.

En el año 2008 editaron el disco “Snowflake Midnight”.

Read Full Post »

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Casi todas las cantautoras femeninas, y ahora hay tropecientas mil, le deben mucho, sea consciente o insconscientemente a la maestra Joni Mitchell. La británica PJ Harvey, uno de los principales nombres de la escena alternativa, no es una excepción, ofreciendo también en su escritura personal, confesional, intensa, emocional, de expresión metafórica sobre asuntos universales como el sexo, la religión, el deseo o el amor, rica imaginería, lírica visceral y teatralidad, huellas de Patti Smith, de Chrissie Hynde, del noise-pop de los Pixies, del post-punk, del garage, del folk, del blues y, por supuesto, de Neil Young y Bob Dylan, dos figuras esenciales de la historia del rock.

El proyecto inicial de PJ (Polly Jean) Harvey fue un trío en el cual la cantante, multiinstrumentista y compositora británica, nacida el 9 de octubre de 1969 en la localidad inglesa de Yeovil, Somerset, estaba acompañada por el batería Robert Ellis y el bajista Ian Olliver, sustituido tras un corto período de tiempo por Steve Vaughn.

Unos años antes, y tras crecer en una granja junto a sus padres, unos hippies que se dedicaban a la escultura, su madre, y a trabajar en una cantera, su padre. Ambos eran muy aficionados a la música, en especial a Bob Dylan y a Captain Beefheart, a los que pinchaban con asiduidad en su hogar. Así que desde su niñez Polly Jean estuvo bastante habituada a sonidos de primer nivel, como son los elaborados por el genial Zimmerman o el experimental Don Vliet.
En su adolescencia ya sabía tocar con bastante tino la guitarra y el saxofón. Esto le llevó a colaborar en actuaciones de grupos locales como los Polekats, Boulogne, Automatic Dlamini, Grape o Family Cat.

Con la esperanza de poder desarrollar su valía como cantautora y seguir los pasos de su progenitora en la escultura, PJ Harvey se fue a vivir a Londres.
En la gran capital británica y en 1991 Harvey se acompañó en sus ansias musicales por dos ex componentes de los Automatic Dlamini, el bajista Ian Olliver y el batería Robert Ellis.
Después de tocar en vivo por diversos locales como PJ Harvey, el trío sufrió su primer cambio de formación. Ian dejaba el terceto, siendo reemplazado por Steve Vaughn.
Consiguieron firmar por el sello independiente Too Pure y en 1992 apareció su primer single, “Dress”, quien también incluía demos de “Water” y “Dry”.

Estos temas serían el anticipo de su LP debut, “Dry” (1992), aparecido en Indigo Records en junio de 1992. El disco, crudo indie rock confesional y catártico co-producido por Vernon e influenciado tanto por los Pixies como por Dylan, Patti Smith, el blues o el garage-punk, también contenía su segundo single, “Sheela-Na-Gig”, tema con un sonido muy deudor del noise de los Pixies, y muy similar a Nirvana, quien, de manera confesa, también tomaban a la banda de Frank Black como una de sus máximas referencias.
“Oh my lover”, “Plants and rags”, “Hair” o “Oh Stella” son otros de sus cortes más destacados.

El disco y sus interpretaciones en vivo, como en el Festival de Reading, confirmaron a la banda como un nombre a seguir dentro de los sonidos independientes.
Para la producción de su segundo álbum, “Rid of me” (1993) el trío confió en Steve Albini, conocido por formar parte de Big Black y de producir algunos trabajos de los Pixies, como “Surfer Rosa” o “Come on Pilgrim”.
Albini les concedió a las composiciones de PJ una mayor aspereza en una exposición sónica más agresiva y teatral, que avivaba el tono intenso, dramático y visceral de la autora inglesa en temas como “Rid of me”, la vibrante “50ft Queenie”, “Dry”, “Hook” o el single “Man-Size”, que incluía una versión del gran Willie Dixon, “Wang Dang Doodle”, tema que popularizó en los 60 el bluesman Howlin’ Wolf.
También incluyeron en el álbum una versión del clásico de Dylan “Highway 61 Revisited”.

Quizá este tratamiento más abrasivo pudo, en un disco realmente magnífico, ensombrecer la desnudez emocional, principalmente el trato a la voz, y melódica de las piezas. Para solventar esto y ya como solista tras la separación del trío, PJ Harvey decidió sacar al mercado en el mes de octubre (el otro había aparecido en mayo) y con algunas variaciones, el disco “4-Track Demos” (1993).
Después de actuar en escena junto a Bjork cantando el “Satisfaction” de los Rolling Stones durante los premios británicos de la música, PJ se puso manos a la obra para grabar su nuevo disco, el tercero si no se tiene en cuenta como tal el “4-Track Demos”.

Ayudada en la producción por Flood (U2, Depeche Mode) y John Parish, Harvey editó “To bring you my love” (1995). Álbum más límpido que el previo, con la lírica en su básica esencia sexual y con sus ascendencias más garage-blues sonando (no hay más que escuchar el título homónimo), incluía la acústica “C’mon Billy” o “Down by the water”.
Este disco sonó ya en bastantes radios y televisiones comerciales, hecho que le granjeó a PJ Harvey una exposición mayor a la gran masa y, en consecuencia, mayores ventas.

Un año después Polly Jean colaboró con Nick Cave en el disco de éste “Murder Ballads” y grabó una versión del tema de Peggy Lee “Is that all there is” para la película “Basquiat”. Con Cave mantendría durante un tiempo una relación sentimental.
En 1997 publicó varios temas junto a John Parish, como “That was my veil” y “Heela”. Después de un largo período sin grabar en solitario PJ Harvey retornó a las tiendas de discos con “Is This Desire?” (1998).
De nuevo producido entre PJ y Flood, el disco, con temas como los singles “A perfect day Elise” y “The Win”, “Angelene” o “My beautiful Leah”, muestra un desapego de las primeras pautas más abrasivas mostrando aristas de mayor experimentación, querencia por la electrónica, y énfasis en la producción, reteniendo la oscuridad y el interés en parte de sus textos.
El animado y estupendo sencillo “Good fortune”, brillante en su repique guitarrero y con la cara b de “Memphis”, tema de Jeff Buckley, fue la presentación de su siguiente LP, “Stories from the city, stories from the sea” (2000), disco que retomaba, de manera más aseada y para bien, los sonidos de su primera etapa.
Otras piezas destacadas son “Beautiful feeling”, “This is love”, “Big Exit” o “This mess we’re in”, en donde Polly Jean hace un magnífico dueto con Thom Yorke, el líder de Radiohead.
En el año 2004 PJ colaboraría con la diva de los 60 Marianne Faithfull escribiendo, tocando la guitarra y produciendo un buen número de temas para el excelente álbum de la ex novia de Mick Jagger, “Before the poison” (2004). El mismo año aparecería su disco “Uh Huh Her” (2004).

Sus últimos álbums son “White Chalk” (2007), disco presentado con el single “When Under Ether”, y “Let England Shake” (2011).

Read Full Post »

Older Posts »