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Posts Tagged ‘PSYCHEDELIC ROCK’

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Hay pocos grupos que después de 30 años de carrera aún sean capaces no sólo de seguir componiendo grandes canciones sino incluso de aportar algo nuevo. Pero es que TELEVISION PERSONALITIES no son un grupo cualquiera o lo que es lo mismo, Dan Treacy, el único miembro fijo de la formación, no es un músico al uso. Compositor de culto, maldito, admirado en los primeros años ochenta y olvidado justo al terminar la década, Dan ha sufrido los sinsabores del artista que consciente de su talento sueña con alcanzar el éxito y ser respetado tanto por la crítica como por el público, pero que al final no lo consigue. Y es que la vanidad, sí la vanidad, es siempre la compañera sentimental del artista, de cualquiera que se considere como tal, ya sea un genio, un mediocre o uno del montón. Pero Dan puede presumir encima, como afirmaba Alan McGee (descubridor de grupos tan importantes como OASIS, PRIMAL SCREAM o JESUS AND MARY CHAIN y jefe del sello Creation Records), de ser una mente adolescente prolífica y privilegiada. El secreto mejor guardado del pop británico sigue viviendo en un mundo marginal, aunque atrás ya quedaron los problemas con las drogas y el alcohol, al cual fans de todo el mundo siguen enganchados, cautivados por ese pop de herencia sesentera de tres acordes, cercano al punk, de aparente dejadez, con letras llenas de referencias a la cultura pop, tiernas, románticas, ácidas, ingeniosas y nostálgicas.

Dan Treacy pasó su infancia en el barrio londinense de Chelsea, donde cada día era un acontecimiento, y los mods y los rockers eran los dueños de las calles. Su pasión por la música pop ya viene de entonces, cuando ésta disfrutaba de un momento de esplendor y era respetada, y en los programas de la televisión aparecían los grupos del momento. No es de extrañar entonces que junto con sus amigos de la escuela, entre los cuales ya se encontraba Ed Ball, quien continúa formando parte de la banda en la actualidad, decidiera crear un grupo de versiones de THE WHO y PINK FLOYD. Ya en pleno apogeo del movimiento punk, Dan empieza a componer canciones fijándose en sus grupos favoritos de los 60 y en otros de su tiempo como los JAM, los BUZZCOCKS o los MODERN LOVERS y, bajo el nombre de TEEN 78, graban su primer single con sus propios ahorros. Este disco sale el año 1977 y el legendario John Peello llega a pinchar en su programa de la BBC varias veces. Al año siguiente, Dan y Ed se ponen a grabar las canciones que formaran parte del EP “Where’s Bill Grundy now?”, ya con el nombre de TV PERSONALITIES, de entre las cuales se encuentra el clásico “Part time punks”, una historia de chicos y chicas que escuchan sus discos de música punk cuando sus padres se encuentran ausentes. John Peel vuelve a poner el disco muchas veces y en nada se venden 24.000 copias. Este hecho llama la atención del sello discográfico Rough Trade que decide ficharlos, reeditar el single y publicar el siguiente, “Smashing time”. Ya como trío, el año 1980 vuelven al estudio para grabar el que será su primer LP, “And don’t the kids just love it”, uno de los álbumes esenciales para entender el pop independiente británico de años posteriores, del cual se extraería el single “I know where Syd Barrett lives”, una de sus canciones más bellas, con el canto de unos pájaros de fondo, que es un sentido homenaje al malogrado miembro original de los PINK FLOYD. Y es que este su primer disco grande ya es un claro ejemplo de la obsesión de Dan por la cultura popular en sentido amplio, desde el cine, el “free cinema” en especial, los programas de la BBC, el “pop art”, la literatura británica y la música pop.
El mismo año en que se publica el disco, Dan y Ed deciden crear su propia discográfica, Whaam! (nombre escogido de una pintura de Roy Litchenstein), en la cual grabaran, además de ellos, THE TIMES (grupo paralelo de Ed), los PASTELS y las MARINE GIRLS (primera incursión musical de Tracey Thorn, del dúo EVERYTHING BUT THE GIRL). Su segundo álbum, “Mummy your not watching me”, sale con esta etiqueta poco después y supone la incursión de la banda en territorios psicodélicos aunque aún continúan componiendo himnos con el molde de sus inicios, como “Magnificent dreams” y “If I could write poetry”, auténticas joyas de pop tierno y apasionado.

A comienzos del 1982, Ed Ball decide abandonar el grupo para concentrarse en su proyecto THE TIMES y el final de esta etapa lo marca un recopilatorio con el título irónico “They could have been bigger than The Beatles”, que incluye rarezas, tomas alternativas de canciones de sus discos previos y versiones de THE CREATION. Ya con nueva formación, Dan y compañía graban un nuevo álbum, “The painted word”, más oscuro pero también más sólido que sus últimos esfuerzos. El disco supuso el fin de las relaciones con el sello Rough Trade, debido a la controversia sobre la portada del single “A sense of belonging”, el cual suponía una clara crítica al gobierno thatcheriano, y finalmente se vio publicado el año 1984 en la propia Whaam!. Durante los seis años restantes, los TV PERSONALITIES se encontraron sin sello y se concentraron básicamente en tocar en directo, publicando tan solo el single “How I learned to love the bomb”. Finalmente, Fire Records (donde han publicado PULP, TEENAGE FANCLUB, THE PASTELS, THE LEMONHEADS, entre otros) les ofrece un contrato y publica los dos últimos discos de esta primera etapa: “Privilege” (1990) y “Closer to god” (1992). El primero, sin duda, es uno de sus mejores discos (con la divertida y psicodélica “Salvador Dali’s garden party”) y debiera haber supuesto el reconocimiento masivo; sin embargo, el grupo fue ignorado, lo que llevó a Dan a la depresión y a hundirse en una debacle anunciada. Sin embargo, se las apaña para grabar algunas canciones en solitario, confesionales y desesperadas, que formarán parte básicamente del disco “I was a mod before you was a mod”, publicado el 1995 por Overground, pero también del recopilatorio “Don’t cry baby, it’s only a movie”, que salió tres años más tarde en Damaged Goods. Por entonces, Danfue declarado legalmente desaparecido y circularon distintos rumores sobre su estado, ninguno demasiado esperanzador.

No fue hasta el 2004 que de nuevo se supo acerca de su paradero. Y fue el propio Dan quien dio señales de vida al enviar una carta a uno de sus amigos para que la hiciera pública. En ella explicaba que estaba encerrado en una cárcel pero que pronto saldría, que tenía muchas ganas de volver a grabar y que se sentía más en forma que nunca. Aquella carta llena de ironía y buenas intenciones hizo que sus fans respiraran por fin tranquilos, esperanzados con el retorno de los TV PERSONALITIES y deseosos de poder escuchar las canciones que Dan explicaba había compuesto esos años de encierro. Finalmente, dos años más tarde veía por fin la luz un nuevo álbum del grupo, esta vez con Danacompañado otra vez por Ed Ball, en la compañía Domino Records (casa de los ARCTIC MONKEYS y FRANZ FERDINAND). “My dark places” es su exorcismo particular, a veces doloroso, desesperado y otras tierno, delicado como en sus orígenes, pero siempre íntimo y honesto. Aunque no sea quizás su mejor álbum, contiene canciones tan magníficas como “Dream the sweetest dreams” y “She can stop traffic”, las cuales ya forman parte del catálogo de himnos creados por este artista inclasificable y huidizo. Además por primera vez, Dan se hace acompañar en algunos temas por una voz femenina, la de Victoria Yeulet, consiguiendo un toque aún más tierno e inocente si cabe. Inesperadamente, en el 2007 se vio publicado otro disco de los TV PERSONALITIES, “Are we nearly there yet?”, el décimo en su carrera, que pudiera parecer un álbum de descartes y rarezas pero que en realidad no lo es. Resulta que justo al salir Dan de la cárcel, se organizó en Nueva York un concierto benéfico en el que se recaudó el dinero suficiente para que pudiera volver al estudio a grabar sus nuevos temas. Y así es como, con la nueva formación, la misma que firmó “My Dark Places”, se gestaron las canciones que lo integran, entre las que se encuentran versiones de Bruce Springsteen y de THE KILLERS. Más sobrio y un poco disperso, sin embargo, esconde interesantes muestras de esta nueva etapa de Dan Treacy.

Ya para comienzos del 2008 se anuncian más discos de los TV PERSONALITIES, esta vez para la compañía Elefant Records, y entre los primeros en llegar habrá un single en vinilo, titulado “The Good Anarchist” que promete más canciones brillantes de este grupo imprescindible para entender la música pop independiente de estas tres últimas décadas.

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Cuando se acrisolan las vibraciones y ritmos garajeros con el consumo intensivo de ácido, el mundo sonoro de inclinación stoniana, propagado por experiencias lisérgicas, se convierte en un excitante paisaje policromo de instrumentación narcotizada y efusividad vocal: la psicodelia de los 13th Floor Elevators.
Uno de los primeros grupos en transferir los efectos de las drogas en sus composiciones musicales fue esta banda de Texas, creada en 1965 en Austin, la capital del estado.
El primer nombre del grupo fue The Lingsmen, una formación integrada por el cantante Max Rainey, el guitarrista Stacey Sutherland, el bajista Benny Thurman y el batería John Ike Walton.
A los pocos meses de su creación, Rainey abandonó el proyecto y se incorporaron dos nuevos nombres, que resultarían esenciales para el devenir del grupo.

Uno de ellos era el cantante Roger Kynard Erickson, más conocido como Roky (las dos primeras sílabas de sus dos nombres) Erickson (ex miembro de los Spades) y Tommy Hall, intérprete del jug eléctrico.
Una proposición de Clementine Hall, la mujer de Tommy, supuso la rebautización del conjunto tejano como 13th Floor Elevators.
A comienzos del año 66 y en un sello local grabaron el sencillo “You’re gonna miss me” (cara b “Tried to hide”), una canción que había sido compuesta por Erickson en su época con los Spades. La compulsiva vocalidad del cantante y la dinámica percusión obtenida del original sonido del jug de Hall se convertirían en las dos principales características de los temas de la banda, un recorrido por la devoción sensorial del LSD.

Después de actuar con bastante seguimiento por el estado de Texas fueron descubiertos por Lelan Rogers (hermano del famoso cantante de country Kenny), quien les consiguió un contrato con el sello International Artists, en donde reeditaron el single, consiguiendo entrar en listas de ventas en el puesto número 55.

El Lp se tituló “The Psychedelic Sounds of The 13th Floor Elevators” (1966), todo un disco clave en la historia de la psicodelia que contenía sensacionales temas como el citado sencillo, “Reverberation” (su segundo single), la balada “Splash 1”, “Roller Coaster” o la soberbia “Fire Engine”.

El consumo abusivo de drogas les llevo a ser arrestados y perseguidos en bastantes ocasiones y hartos de tanto acoso se largaron a San Francisco, en donde actuaron en varios clubes con bastante éxito.
Roces internos también conllevaron la marcha de Thurman, que sería sustituido en el bajo por Ronnie Leatherman, y éste posteriormente dejaría el sitio a Dan Galindo.
El batería John Ike Walton también dejaría el grupo siendo reemplazado por Danny Thomas.
En 1967 grabaron “Easter Everywhere” (1967), un infravalorado trabajo que recuperaba las buenas constantes de la formación psicodélica, en especial en temas como “Slip inside this house”, “She lives (in a time of her own)” o “I’ve got levitation”.
Con posterioridad su casa de discos presentó “13th Floor Elevators Live” (1968), un disco presuntamente grabado en directo que no era más que unas cuantas tomas falsas con aplausos añadidos.
La jugada no les salió bien y tras el arresto de Roky y Stacey Sutherland por posesión de marihuana, el grupo terminó desapareciendo, no sin antes dejar publicado el último y estimable Lp, “Bull of the Woods” (1968), un disco que apareció cuando la banda estaba totalmente fragmentada y en el que Erickson practicamente no colaboró.
Roky afirmó en el juicio por drogas que era marciano y le diagnosticaron esquizofrenia. Debido a ello pasó tres años en un centro psiquiátrico. Sutherland, por su parte, fue condenado a ingresar en prisión.
Cuando salió del centro, Erickson, que nunca se recuperaría del todo de sus problemas mentales, quiso retomar a los 13th Floor Elevators pero sin fortuna.
Grabaría en los años 80 y 90 discos interesantes como “Roky Erickson & The Aliens” (1980), “All that may do my rhyme” (1995) o el recopilatorio de temas inéditos “Never say goodbye” (1999), pero con un impacto muy alejado de su influyente legado con los 13th Floor Elevators.

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Histórica y esencial banda británica, de paradigmas mod a estrellas del hard rock, ubicados en la psicodelia o impulsores de la ópera-rock conceptual, los Who supieron desarrollar su capacidad e intensidad instrumental bajo el talento creativo de uno de los mejores compositores y guitarristas de todos los tiempos, Pete Townshend (nacido el 19 de mayo de 1945 en Chiswick). A su lado se hallaban excepcionales intérpretes, dotados de una personalidad escénica muy acusada, en especial su batería Keith Moon (nacido el 23 de agosto en 1947 en Wembley) y su cantante líder Roger Daltrey (nacido el 1 de marzo de 1944 en Hammersmith). El magnífico bajista John “The Ox” Entwistle (nacido el 9 de octubre de 1944 en Chiswick), de naturaleza más sosegada, contemplaba lo que sus salvajes compañeros destrozaban en los escenarios, conformando junto a Moon una de las secciones rítmicas más importantes que ha conocido la historia del rock.

Amantes del blues y el soul americano, el legendario cuarteto inició su carrera versionando temas populares de la música negra, de forma vibrante en la conjunción efervescente de sus instrumentos y la fenomenal voz de Daltrey, quien alternaba facetas como cantante con Pete Townshend. Las improvisaciones de Moon marcaron época y ejercieron una gran influencia en el mundo del rock, al igual que las cuatro cuerdas de Entwistle y el palpitante empuje sónico guitarrero de Townshend.

El embrión de los Who procede de las primeras incursiones musicales de Pete y John, amigos del colegio que decidieron probar fortuna en varias bandas londinenses amateur de skiffle, como los Confederates, grupo del que formaron parte a finales de los años 50. Unos años después estarían en los Aristocrats y los Scorpions (nada que ver con la banda posterior homónima), grupos principalmente de carácter instrumental.

A comienzos de la siguiente década, ambos se unieron a una banda llamada The Detours, un conjunto liderado por el cantante Colin Dawson en el que también se encontraba un muchacho llamado Roger Daltrey, quien tocaba la guitarra líder. Daltrey advirtió la capacidad de Entwistle en los Scorpios e invitó a John a unirse al grupo como bajista. John recomendaría a su amigo Pete como guitarrista rítmico. Poco después de incorporarse Townshend y Entwistle, Dawson dejaría el grupo, reemplazándolo en tareas de vocalista Daltrey. En ese momento, Pete pasaría a ocupar el puesto de guitarra líder. En febrero de 1964, los Detours, ante la presencia de otro conjunto con el mismo nombre, deciden llamarse de Who bajo la sugerencia de un compañero de la escuela de arte de Townshend llamado Richard Barnes. En marzo el batería Doug Sandom abandona su puesto incorporándose Keith Moon, un amante de la música surf y los Beach Boys, que estaba tocando su música favorita en un grupo llamado The Beachcombers.

Como The Who y con la representación de Helmut Gordon, comienzan a hacerse un hueco en los clubes londinenses tocando un enérgico R&B que es recibido con entusiasmo por su creciente número de seguidores, quienes admiran su enérgico proceder musical y la fuerza desprendida en sus conciertos. En uno de ellos, celebrado en el Marquee, Pete Townshend destrozó fortuitamente una guitarra, provocando entre la audiencia una explosión de euforia.

Este hecho sería convertido posteriormente en marca de la casa de los Who, con actuaciones violentas en las que el guitarrista rompía y golpeaba con saña su instrumento contra el suelo, interpretando la guitarra mientras saltaba sacudiendo las cuerdas con el brazo en remolino. Keith Moon destrozaba la batería a patadas y Roger Daltrey balanceaba su micrófono de manera espectacular. Un espectáculo que el bueno de Entwistle divisaba tocando de manera magistral su bajo prácticamente inmóvil. Una de estas actuaciones fue contemplada con entusiasmo por Pete Meaden, colaborador de Andrew L. Oldham a quien Gordon contrató como publicista, para convertirse con brevedad en su manager y en uno de los principales impulsores de la carrera del grupo de Londres.

Lo primero que hizo Meaden fue cambiarles el nombre. Se llamarían a partir de ahora The High Numbers. Meaden también les aseó la imagen para convertirlos en mods. En julio de 1964 aparece “I’m the face/Zoot Suit”, su primer sencillo con dos espléndidos temas mods escritos por el propio Meaden, quien pondría a la banda en manos del dúo Kit Lambert y Chris Stamp, verdaderos artífices del engrandecimiento popular de la banda, ofreciéndoles consejos sobre la estética y los sonidos que podían otorgarles la preeminencia comercial, consejos que ellos cumplirían obedientemente si se les permitía un solo deseo: volver a ser conocidos como The Who.

Otra vez con su previo nombre, los Who comenzaron a trabajar con el productor Shel Talmy y el ingeniero Glyn Johns en la Decca, grabando una composición de Townshend titulada “I Can’t Explain”, un single publicado el 15 de enero de 1965. Para la grabación Talmy trajo al músico de sesión Jimmy Page, pero tras escuchar a Pete tocar la guitarra, Page terminó tocando la rítmica y los miembros de Ivy League haciendo coros. Al principio el sencillo, el primero publicado como The Who, pasó sin pena ni gloria en las tiendas de discos pero tras la aparición del grupo en el popular programa de televisión “Ready Steady Go” todo cambió.

La audiencia millonaria de la emisión televisiva se quedaron con la boca abierta cuando en su demoledora actuación en directo, el grupo rompió sus instrumentos. Pocas veces se había visto en vivo y en televisión una demostración musical tan violenta. Este suceso les proporcionó amplia publicidad entre la gente más joven, que se lanzó a comprar el single, consiguiendo que “I can’t explain” alcanzara el puesto número 8 en las listas británicas.

Este éxito se repetiría el mismo año con temas como “Anyway, anyhow, anywhere” (número 10), compuesto por Pete y Roger, o el himno generacional “My Generation” (número 2). En el mes de diciembre de 1965 publicarían su primer Lp, “The Who sings my generation” (1965), un álbum en el cual ponían de manifiesto su tendencia por el R&B y las rítmicas píldoras mod-pop, estilos enfatizados por su virtuosismo y pujanza instrumental y vocal. El disco alcanzaría el top 5 en las listas de Lps más vendidos de Gran Bretaña.

En abril de 1966 apareció el single “Substitute” (número 5), un tema producido por los propios Who que fue continuado por “A legal matter”, sencillo producido de nuevo por Talmy, “The kids are alright” y “I’m a boy” (número 2), la primera producción para el grupo de Kit Lambert, quien impondría la obligación a cada miembro de componer por lo menos una canción, cosa que hicieron para el magistral “A quick one” (196&9, un Lp que llegó hasta el número 4 en el Reino Unido y en el cual Townshend mostraba su gran calidad como compositor en su primera mini-ópera rock titulada “A quick one while he’s away”.

Su primera obra maestra llegaría con el poppy “The Who Sell Out” (1967), un extraordinario disco conceptual con original portada en el que destacó el exitoso single psicodélico “I can see for miles” (número 19). Con anterioridad habían triunfado con “Happy Jack” (número 3) y “Pictures of Lily” (número 4). En 1967 y en plena etapa psicodélica y atracción por todo lo oriental, Pete Townshend se convirtió en seguidor del religioso hindú Meher Baba, hecho que condicionó su vida y en cierta parte, su faceta como compositor.

En julio del mismo año publicaron el single “The Last Time/Under my thumb”, versiones de los Rolling Stones que los Who hicieron en solidaridad con sus colegas londinenses como protesta por el proceso legal contra Mick Jagger y Keith Richards. También actuarían con éxito en el Festival de Monterrey. Tras singles como “Call me lightning”, “Dogs” y “Magic Bus”, el siguiente trabaj en estudio y uno de los más importantes y esenciales de toda su carrera fue “Tommy” (1969), una ópera-rock sobre un niño ciego, sordo y mudo experto en pinball que terminaría convirtiéndose en una especie de mesía. El disco, con “Pinball Wizzard” (número 4) como single estrella, sería un auténtico bombazo que les haría girar interminablemente exhibiendo sus canciones por casi todo el mundo. También se grabó una película dirigida por Ken Russell y se estrenó una obra musical en Broadway.

El fantástico directo “Live at Leeds” (1970) sería el preludio de un proyecto desechado con temática de ciencia-ficción titulado “Lifehouse” y de la grabación de otro enorme álbum, “Who’s next” (1971), un trabajo de sólido rock producido por Glyn Johns (ingeniero de sonido de Shel Talmy) que contenía temas como “Baba O’Riley”, “Won’t get fooled again” (número 9) o la bella balada “Behind blue eyes”.

El compromiso como compositor de primer nivel de Townshend tras el megaéxito de “Tommy” fue corroborado con este Lp, un trabajo menos pretencioso y más directo, en el cual los Who relegaban ambiciosas intenciones para escribir inmediatas canciones de rock’n’roll.

En 1971 también apareció el primer disco en solitario de John Entwistle, compositor y arreglista también para los Who, y brillante debutante con “Smash your head agains the wall” (1971), un Lp co-producido por Bob Irwin en el que también colaboró Keith Moon. Más tarde publicaría “Whistle Rymes” (1972). Pete Townshend en 1972 también iniciaría su trayectoria como solista con “Who came first” (1972), álbum en el que intervenían gente como Billy Nichols o Ronnie Lane. El mismo año los Who publicaron los singles “Join Together” y “Relay”. Para no ser menos, Roger Daltrey publicó “Daltrey” (1973), un disco producido nada más y nada menos que por Adam Faith.

Los Who retomarían su espíritu conceptual con “Quadrophenia” (1973), una ópera rock centrada en las vivencias y preocupaciones existenciales de un joven mod llamado Jimmy. El álbum supuso otro hito en su trayectoria, además de la filmación de otra popular película dirigida por Franc Roddan en el año 1979, etapa en la cual los Jam, que habían impulsado un revival mod, eran una de las bandas más populares del Reino Unido. Después de “Quadrophenia”, los Who se dispersarían a nivel artístico. Daltrey comenzaría una carrera como actor, prosiguiendo casi todos sus carreras sus carreras en solitario. Pete y Keith se introdujeron peligrosamente en el mundo de las drogas, en especial Moon, quien grabó un Lp como solista llamado “Two sides of Moon”, con versiones de los Beatles, John Lennon o Ricky Nelson, quien también colaboraba en un disco en el cual intervenían un sinfín de invitados. Desde Ringo Starr hasta John Sebastian, pasando por Steve Cropper o Harry Nilsson.

Después de “Odds & Sodds” (1974), un disco de rarezas, los Who publicaron “The Who by Numbers” (1975), un subestimado disco producido de nuevo por Glynn Johns que volvió a alcanzar una gran repercusión comercial gracias a sus excelentes composiciones como “However much I booze”, “How many friends” o “Success Story”, canción escrita por Entwistle. En el álbum, de naturaleza intimista, aparecía el admirable músico de sesión Nicky Hopkins. Tras varios años de sequía discográfica los Who sacaron al mercado “Who are you” (1978), un competente disco en el que colaboró Rod Argent, el ex componente de los Zombies y miembro de Argent.

El 7 de septiembre de 1978, el carismático batería Keith Moon fallecería a causa de una sobredosis de somníferos, dejando a los Who sin una pieza clave en su formación, ya que a pesar del reclutamiento de otro experto músico amigo de la banda, el ex Small Faces y Faces Kenny Jones, el grupo no volvería jamás a grabar discos comparables a sus pretéritas obras. “Face Dances” (1981), con “You better you bet”, “It’s hard” (1982) y el directo “Who’s Last” (1984), supusieron la despedida momentánea de la legendaria banda británica, que volvería a reunirse años más tarde para girar en directo. John Entwistle fallecería el 27 de junio del año 2002 tras un ataque al corazón. “Endless Wire” (2006) es su último trabajo en estudio. Un disco presentado con el single “It’s Not Enough”.

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Al que disfrute con los sonidos psicodélicos 60’s de Deram o Immediate, seguro que le gustará descubrir la música, escasita, de Warm Sound, una pareja formada por el cantante y guitarrista Barry Husband (ex Thursday’s Children) y el cantante, guitarrista y bajista Denver Gerrard (ex Fifth Avenue), dúo que en ocasiones estaba acompañado en la batería por John Carr, llamado “Candy” por sus amigos.

En 1967 publicaron en Deram su primer single, “Birds and Bees”. Escrito por la pareja (con Barry firmando como Younghusband), era un tema de pop psicodélico que logró entrar en las listas inglesas con cierta resonancia (número 27).

Más tarde, el mismo año, editaron en el gran sello de Andrew L. Oldham, Immediate, “Sticks and Stones”, para retornar a Deram con “Nite is a comin”, un tema de pura lisérgia con encrespadas guitarrras, efectos y armonías psicodélicas.

Denver Gerrard comenzaría una carrera en solitario en los 70, grabando en Deram Nova el disco “Sinister Morning” (1971), acreditado a Denny Gerrard.

Si no se pueden encontrar los singles nada mejor que hacerse con esos recopilatorios fenomenales de gemas 60’s en donde, además de escuchar a los Warm Sounds se puede descubrir a un buen puñado de grupos de la gran época del rock, como “Psychedalia: Rare Blooms from the English Summer of Love”, en donde junto a Warm Sounds, aparecen, entre otros muchos, The Open Mind, Timebox o Felius Andromeda.

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Banda de Nueva York incluida dentro del revival garajero que en los años 80 recuperó los sonidos psicodélico-garajeros de los años 60, remedando a excelentes grupos como los Remains, Standells, Electric Prunes, Blues Magoos o Chocolate Watchband.
Los Vipers, compuestos por el cantante y saxofonista Jon Weiss, los guitarristas David Mann, también teclista, y Paul Martin, el bajista Graham May, y el batería Pat Brown, grabaron una serie de discos bastante valiosos, como “Outta The Nest” (1984) o “How About Somemore?” (1987), en donde con tremenda energía y sentido melódico incidían en las citadas músicas que moldean su excitante sonido, muyrecomendable para los amantes de grupos coetáneos como The Lyres, Cynics o Chesterfield Kings, gente que en los 80 nos retrotraían a mediados de los años 60.

Jon Weiss, al margen de los Vipers y otro grupo como Maryjane, creó el sello Cavestomp!, en donde impulsó los fantásticos sonidos garajeros también con festivales en donde aparecían los míticos grupos de los 60 junto a conjuntos inspirados por aquellos.

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Banda estadounidense de psicodelia y folk-rock surgida en California a mediados de los años 60, con similitudes sonoras con The Yardbirds, The Beau Brummels, The Byrds, The Beatles, Buffalo Springfield, Jefferson Airplane o West Coast Pop Art Experimental Band.

El grupo, procedente de San Francisco, estaba significado por contener en sus filas a una batería femenina, la también compositora y cantante Jan Errico, quien había iniciado su carrera como solista con el nombre de Jan Ashton. A su lado se encontraban el cantante Bob Bailey, el guitarra líder Bob Cole, el guitarra rítmico y teclista Ned Hollis y el bajista Rick Dey.

Después de actuar con éxito en el Morocco Room de San Mateo, los Vejtables consiguieron un contrato con Autumn Records para grabar sus primeros singles, debutando en 1965 con el excelente “I still love you”, un rítmico tema folk-rock compuesto por Errico que recordaba a los Byrds, Beatles, Buffalo Springfield o Beau Brummels y que entró en el Billboard en el puesto número 84. La cara b “Anything” estaba escrita por Bailey.

Antes de esta grabación Dey había dejado la banda para unirse a los Wilde Knights. Su sustituto sería Ron. Unos meses después de “I still love you” publicarían el sencillo “The last thing on my mind”, un cover de Tom Paxton (canción versionada también por gente como The Move o Marianne Faithfull) recibido con menos entusiasmo comercial que su primera canción.
En su breve período como banda, los Vejtables sufrieron múltiples cambios de formación. Algunos de los componentes que pasaron por el grupo fueron los guitarristas Reese Sheets, Jim Sawyers o Richard Fortunato o los bajistas Frank Smith y Bob Moseley. Este último dejaría el grupo para unirse a Moby Grape.

Antes de la entrada de Moseley la que se había marchado fue Jan Errico, quien dejó las baquetas para incoporarse a los Mojo Men. Su sustituta sería una batería llamada simplemente Kristy.
En 1966 apareció su tercer single, “Cold dreary morning”, su último tema publicado en Autumn. Los problemas económicos del sello llevó al grupo a la desaparición, hecho que se produciría tras su último sencillo, “Feel the music”, canción aparecida en el sello Uptown y que mostraba a las claras su evolución hacia postulados mucho más lisérgicos. Poco después los Vejtables terminarían separándose definitivamente.
En 1995 aparecería un recopilatorio publicado por Sundazed.

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Importante banda psicodélica neoyorquina surgida a finales de los años 60. Su capacidad para variar completamente clásicas piezas de gente como The Beatles o The Supremes influyó a grupos progresivos y de hard-rock contextuales y posteriores (como Deep Purple o Uriah Heep), por su aventurada infusión lisérgica y progresiva en dichos temas, su rotunda sonoridad, lentitud en los tempos y complejidad en los arreglos.

Los primeros pasos de la banda se retrotraen a un grupo denominado Rick Martin & The Showman. Varios de sus componentes decidieron crear a mediados de los años 60 una banda llamada The Electric Pigeons.

Este nuevo conjunto estaba formado por el cantante y teclista Mark Stein (nacido el 11 de marzo de 1947), el guitarrista Vince Martell (nacido el 11 de noviembre de 1945), el bajista Tim Bogert (nacido el 27 de agosto de 1944) y el batería Joel Brennan.
Poco después de su formación recortaron su nombre a The Pigeons y comenzaron a actuar con éxito por diversos locales de la Costa Este estadounidense.

Phil Basille, el propietario de uno de ellos, el Action House de Long Island, apreció la valía instrumental de la banda y decidió representarlos, logrando que el productor Shadow Morton (colaborador esencial para las Shangri-Las) se interesase por sus pupilos y les consiguiera un contrato con Atlantic tras escuchar éstos la versión de “You Keep Me Hangin’ On” de las Supremes.

Poco antes del encuentro con Morton, el batería Joel Brennan, incapaz de adecuarse a la complicada instrumentación que requerían los temas, fue sustituido en las baquetas por Carmine Appice (nacido el 15 de diciembre de 1946), ex miembro de Thursday Children.

El primer trabajo de Vanilla Fudge, rebautizados por la compañía con el nombre de un helado, fue el citado single “You Keep Me Hangin’ On”, una original revisión en tono épico llevada al campo del acid-rock del famoso tema escrito por el legendario terceto Holland/Dozier/Holland para las Supremes, destacado por la interpretación en los teclados de Mark Stein.
En su primera impresión no cosechó demasiada fortuna en listas americanas (sí en las británicas), pero un año después llegó hasta el número 6 en el Billboard.

“Vanilla Fudge” (1967), disco producido por Morton, fue el LP debut de la banda y una de las primeras piezas claves del rock progresivo y un excelente álbum psicodélico.

Compuesto enteramente por versiones, el grupo reinventaba temas de los Beatles (“Ticket To Ride” y “Eleanor Rigby”), The Zombies (“She’s Not There”) o de los Impressions (“People Get Ready”), otorgándoles una mayor sosiego rítmico, dimensión melodramática y fortaleza instrumental y vocal.
El LP consiguió magníficas ventas, propulsado por apariciones televisivas y actuaciones al lado de formaciones como Blue Cheer, Yardbirds o The Steve Miller Band, alcanzó el número 6 en los Estados Unidos.

Su segundo disco, el conceptual “The Beat Goes On” (1968) pecó de presuntuoso, siendo castigado por crítica de la época (y menospreciado con el tiempo por ellos mismos) por su intento de establecer una reconstrucción histórica de la música en base al tema homónimo del álbum, escrito por Sonny Bono.

“Renaissance” (1968) retomó el buen proceder de la banda, siendo recordado por la extensa y sensacional adaptación de “Season Of The Witch”, tema de Donovan que ni el propio Donovan reconocería al margen de la letra.

El álbum de rock psicodélico ya estaba nutrido, en su mayoría, de valiosos temas propios, como “Thoughts”, “That’s What Makes a Man”, “Paradise” o “The Sky Cried When I Was a Boy”.
Por esta época, Vanilla Fudge compartieron escenario con grandes nombres del rock, como Jimi Hendrix, Cream o unos primerizos Led Zeppelin.

1969 había sido un año de inflexión para el grupo, ya que no contaron con la ayuda en la producción de Shadow Morton.

El autoproducido “Near The Beginning” (1969) contenía los singles “Shotgun” y “Some Velvet Morning” (canción de Lee Hazlewood para Nancy Sinatra) y la larga pieza en directo, “Break Song”, en donde se aprecia la destreza técnica de los componentes de la banda.

“Rock & Roll” (1970), producido por Adrian Barber, un aceptable álbum que supuso el final como grupo tras una actuación de despedida en el Action House.

Posteriormente el bajista Tim Bogert y el batería Carmine Appice decidieron formar un nuevo grupo de rock, que en principio iba a estar completado por Rod Stewart y Jeff Beck. Finalmente y tras diversos avatares, formaron Cactus junto al cantante Rusty Duke y el guitarrista Jim McCarthy.

El encuentro con Jeff Beck se produjo en el año 1972 con Beck, Bogert & Appice, supergrupo que duró hasta que el primero decidió romper el trío.
A partir de mediados de los años 70, el batería Carmine Appice pasó por la banda KGB y colaboró con un buen número de grupos y solistas, entre ellos Rod Stewart, Tommy Bolin, Pink Floyd o Ted Nugent.
En los años 80 se produjo una reunificación de Vanilla Fudge, grabando un intrascendente disco llamado “Mystery” (1984), en el que también colaboraba en algunos cortes Jeff Beck utilizando el seudónimo de J. Toad.

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