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Posts Tagged ‘SOFT ROCK’

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Coronados comercialmente en la fiebre discotequera de la década de los 70, los Bee Gees habían mostrado mucho antes un extraordinario talento para la creación pop, a veces barroca, otras psicodélica, siempre melódica, en canciones ensalzadas por sus armonías a tres voces y una elevada sensibibilidad en el concepto compositivo.
Este talento les permitió con el paso de las décadas redifinir sus sonidos, aclimatarse a diferentes estilos y alcanzar un espectacular éxito a nivel mundial, que convirtió al terceto en toda una institución dentro de la música popular.

Aunque nacidos en Inglaterra, sus padres se trasladaron a Australia a finales de los años 50.
Hijos del músico Hugh Gibb y la cantante Barbara Gibb, el trío de hermanos estaba compuesto por el cantante, guitarrista y principal compositor Barry Gibb (nacido el 1 de septiembre de 1946 en la Isla de Man) y los gemelos Robin Gibb y Maurice Gibb (nacidos el 22 de diciembre de 1949 en la Isla de Man). El fraternal terceto comenzó como grupo infantil en Manchester, bajo el nombre de Blue Cats en el año 1955.
Tras emigrar a Australia en 1958 y ya con el nombre de The Bee Gees, fueron lanzados a la popularidad en las antípodas por un D.J. llamado Bill Gates, el cual les consiguió un contrato con el sello Festival en el año 1963 y la oportunidad de protagonizar una serie de televisión.

Tras su primer gran éxito en Australia con el tema “Spicks and specks”, los Bee Gees volvieron a Gran Bretaña en una época marcada por la explosión de los Beatles y el sonido Mersey.
Aumentaron la formación con el guitarrista Vince Melouney y el batería Colin Peterson y tras ponerse en manos del productor Robert Stigwood firmaron con Polydor, casa discográfica en la cual publicarían “New York Mining Disaster 1941” en 1967, un sencillo que resultó un moderado éxito, superado con posterioridad por “Massachusetts” (número 1).

Su primer y magnífico disco grande, muy influenciado por los Beatles, fue “The Bee Gees 1St” (1967), un espléndido album debut muy bien recibido gracias a temas como “Holiday”, “Please Read me” o “To love somebody”.
Publicarían posteriormente su magistral disco “Horizontal” (1968) , un Lp lleno de tintura psicodélica que continuaría con discos esenciales como “Idea” (1968) o el doble “Odessa” (1969).
Estos trabajos, demasiado arriesgados para sus fans, no fueron bien recibidos a pesar de su calidad, pero nuevos singles de éxito como “I’ve got to get a message to you” (número 1) los volvieron a elevar a lo más alto de las listas comerciales.
A finales de la década de los 60, problemas internos y tensiones derivadas del consumo de drogas, llevaron a una separación temporal en la que los diferentes componentes se dedicarían a varias actividades como el cine. Maurice se casaría con la famosa cantante Lulu, mientras los otros dos componentes ajenos a la familia Gibb abandonarían el proyecto. Barry y Maurice, con el nombre de The Bee Gees, publicarían “Cucumber Castle” (1970), un estimable disco que no satisfizo al dúo, lo mismo que “Robin’s Reign” (1970), la aventura en solitario de Robin.

La vuelta de Robin a los Bee Gees no fue del todo triunfante como esperaban, el magnífico “Trafalgar” (1971) y “To Whom it may concern” (1972) no vendieron demasiado en Europa, pero ampliaron mercado en los EEUU, aspecto que intensificaron con “Life in a tin can” (1973) y “Mr. Natural” (1974), adoptando un sonido más R&B.
Esta serie de Lps de principios de los 70 no lograron conseguir los triunfos del pasado, lo que podría hacer creer que la época más triunfal de los Bee Gees ya había pasado.

“Main Course” (1975) echaría por tierra todo esa premonición. Fue en este disco en donde introducirían una de sus características vocales más famosas, el falsete.
Ritmos disco y funkies reconquistaron las listas mundiales con temas como “Jive Talking” o “Night on Broadway”.
El siguiente trabajo de los recuperados Bee Gees, “Children of the world” (1976) aún sería más exitoso llegando al número 1 en Lps en EEUU (el país en donde más venderían), ayudado por conocidas canciones como “You should be dancing”.
Estas grandes ventas no se podrían comparar con la publicación de la banda sonora de la película protagonizada por John Travolta, “Saturday Night Fever” (1977), de la que los Bee Gees serían sus principales hacedores gracias a gloriosos y míticos sencillos como “Stayin’ Alive”, “How deep is your love”, “Night Fever”, “More than a woman” (cantado por Tavares) o “If I Can’t have you” (intepretado por Yvonne Elliman).
Este album, obra maestra de la música disco, sería uno de los Lps más vendidos de toda la historia de la música moderna.
“Spirits having flown” (1979) volvería al número 1 junto a los sencillos “Tragedy”, “Love you inside out” y “Too much heaven”, pero serían sus últimas entradas importantes en lista de ventas durante mucho tiempo.
Los años 80 no fueron buenos para ellos como Bee Gees pero sí en su faceta como compositores, trabajando y cantando con gente como Barbra Streisand (“Guilty”, número 1 ), Diana Ross (“Chain Reaction”) o Kenny Rogers en “Eyes can see in the dark”.
Por otra parte, su hermano Andy Gibb se había convertido en una gran estrella hasta que una prematura muerte cesó su fulgurante carrera.
También aparecerían en la fallida película “Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band”, dirigida por uno de sus mentores, Robert Stigwood.
A finales de década regresarían con “ESP” (1987) y “One” (1990), buenos discos que los llevarían de nuevo al número 1 en GB con el single de “ESP” “You win again”.
Posteriores trabajos serían medianamente recibidos por crítica y público pero su halo de grupo mítico quedará siempre establecida por su gran capacidad para crear espléndidas melodías, reflejadas concretamente en el trabajo realizado para “Saturday Night Fever” y en sus obras mayores de los años 60.
Maurice fallecería en el mes de enero del año 2003 tras sufrir un ataque al corazón.

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Antes de que Linda Ronstadt se convirtiese en los años 70 una de las figuras solistas más prominentes del folk-rock, el soft-rock y el country-rock, formó parte de este grupo, The Stone Poneys, un conjunto folk-rock y pop de corta trayectoria que grabó notorios discos en la segunda mitad de la década de los 60.

El grupo se creó a mediados del decenio en la ciudad californiana de Los Angeles, cuando los músicos de sesión, el guitarra rítmico Bob Kimmel y el guitarra líder Kenny Edwards, dos talentosos compositores, decidieron comenzar una carrera por sí mismos. Para ello, Bob sugirió la incorporación de Linda, su compañera en el dúo previo The Kimmel Brothers, un proyecto que habían formado cuando ambos asistían a la universidad de Arizona.

Tras actuar en locales folk y publicar el single “Sidewalk” en el sello So Fine Records, su manager Herb Cohen consiguió firmar un contrato en 1967 con Capitol, debutando con el sencillo “Sweet Summer Blue and Gold”, una preciosa canción compuesta por la pareja Edwards/Kimmel que exponía su proceder habitual: sonidos acústicos, lúcidas melodías y primorosas armonías vocales.

La canción no consiguió resultados comerciales destacables, pero sí atrapó a un ingente número de amantes del folk-rock. Su primer LP, publicado en enero de 1967, es una delicia de álbum, “The Stone Poneys” (1967), maravilloso disco producido por Nick Venet y compuesto por delicadas piezas folk-pop, engrandecidas por la voz de Linda y su interacción con Bob y Kenny.

“Evergreen Vol. 2” (1967), de nuevo producido por Venet y aparecido en junio de 1967, fue otro disfrutable álbum, inferior a su debut pero con las características básicas del terceto.

El disco deparó dos singles, “Evergreen” y “Different Drum”, un tema escrito por Mike Nesmith, el componente de los Monkees. Esta última canción se convirtió en la canción más popular del grupo, consiguiendo notables ventas y entrando en altas posiciones en el Billboard (número 13).

Después de este LP el grupo comenzó su descomposición, rompiéndose en pleno proceso de grabación del tercer álbum, “Stone Poneys & Friends” (1968), un disco finalizado por Venet y Linda con músicos de sesión. Entre las grabaciones y al margen de sus temas originales, destacan las versiones de Tim Buckley y Laura Nyro.

Tras este disco Linda Ronstadt inició su carrera en solitario con “Hand Sown…Home Grown” (1969), un álbum producido por Chip Douglas. Por su parte, Kenny Edwards formó el grupo Bryndle, para posteriormente volver a colaborar con Linda.

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Con una imagen de hippie de diseño, temáticas sobre amor, paz, Dios y racismo, un hálito presuntamente sexy y una amalgama de rock, funk, soul, psicodelia y pop, Lenny Kravitz revivió los sonidos pretéritos de varios de sus heterogéneos ídolos, desde Jimi Hendrix a Sly Stone, desde Curtis Mayfield a John Lennon, pasando por Led Zeppelin, Prince, George Clinton, James Brown o Smokey Robinson.
Aunque derivativo, Kravitz, un hombre orquesta que interpreta casi todos los instrumentos de sus Lps, es un hábil artesano de la composición, un notable sintetizador de diversos estilos.
Sabe crear, producir y arreglar composiciones pegadizas de gran sencillez lírica y riffs potentes, conjuntados con baladas de notable factura melódica, ofertando discos muy escuchables que aunan temas de gran solidez y algunas piezas de relleno.

Lenny Kravitz nació en la ciudad de Nueva York el 26 de mayo de 1964, hijo de la actriz Roxie Roker y del productor de televisión Sy Kravitz.
En su infancia se trasladó con su familia a California, residiendo en la ciudad de Los Angeles, el lugar en donde su madre trabajaba apareciendo en la serie de los 70 “The Jeffersons” (posteriormente también intervendría en “Raíces”).
En la urbe angelina, Lenny formó parte del California Boys Choir y desde temprana edad ya sabía tocar la guitarra, el bajo, la batería y el piano, instruyéndose también en el Beverly Hills High School.

En los años 80 intentó lanzar sin éxito una carrera profesional con el seudónimo de Romeo Blue. Posteriormente se trasladó a Nueva York con su novia, la actriz de “El show de Bill Cosby”, Lisa Bonet, gracias a la cual conoció a Henry Hirsch, un ingeniero de sonido que sería el bastión principal para dar inicio a su trayectoria en la industria musical.
En 1987, Lenny contrajo matrimonio con Lisa y dos años después publicó en Virgin su disco debut “Let Love Rule” (1989), un estupendo álbum henchido de retro-rock, funk, soul y neo-psicodelia, influencias de Prince y The Beatles con sólidas canciones como “Mr. Cab Driver”, un intenso tema sobre el racismo con un musculoso bajo dominando el desarrollo de la canción, la lisergia de “I build this garden for us” o la balada “Let love rule”, que incidía en su materia sobre el amor y el pacifismo.

La estrella del pop, Madonna, se convirtió en una de sus más acérrimas fans, triunfando en single en 1990 con un tema co-escrito por Kravitz, “Justify my love” (número 1 en el Billboard).

En la época en la que apareció en el mercado “Mama Said” (1991), el matrimonio entre Lisa y Lenny ya se había roto (con rumores de infidelidad con Madonna), afectando seriamente al músico, quien dedicaría el álbum, con un glamouroso Kravitz en la portada, a su ex esposa. El disco de nuevo plasmaba su talento para la producción y la composición retro, con temas rockeros como “Always on the run” (número 8), en el cual aparecía Slash (Guns N’ Roses) en la guitarra o la excelente balada soul “It ain’t over ‘till it’s over” (número 2).

En 1992 Lenny colaboró con la actriz y cantante francesa Vanessa Paradis, componiendo, interpretando la mayoría de los instrumentos y produciendo a lo Phil Spector el memorable Lp “Vanessa Paradis” (1992).

Jimi Hendrix, su gran ídolo junto a John Lennon, es el gran inspirador de uno de los singles cumbre de su carrera, “Are you gonna go my way”, un tema hard-rock de espectacular riff guitarrero que daba título a su tercer Lp, publicado en el año 1993.
El disco, con su habitual mixtura entre baladas y temas rock, ofrecía una travesía por el rock (“Is there any love in your heart?”) la psicodelia (“My love”), el soul (“Black Girl”), el funk (“Come on and love me”) e incluso el reggae (“Eleutheria”). Su maestría en las baladas se vislumbra en “Believe” y “Heaven help”, dos de los cortes álgidos del álbum en los cuales diatriba sobre su habitual contacto y anhelo religioso.

En 1993 también se asoció con su buen amigo Mick Jagger, adaptando ambos el tema del soulman Bill Withers “Use me”, incluido en el disco de Jagger “Wandering Spirit”. Con el miembro de los Rolling Stones volvería a colaborar en el disco “Goddess in the doorway” (2001), componiendo junto a Mick el mejor tema del disco, “God gave me everything”.

“Circus” (1995) es uno de los discos más cetrinos de su trayectoria, prorrogaba las pautas de sus previos trabajos y enfatizaba sus cuitas más espirituales, subrayado por la enfermedad terminal de su madre, que fallecería a finales del año de su publicación.
Presentado por el cínico tema “Rock and roll is dead”, contiene temas como “Can’t get you off of my mind”, la power popera “Magdalene”, “God is love” o el homónimo “Circus”, tema de logrado riff con enfoque pesimista sobre el “mundo real”.

Cansado de tanta crítica banal por su música retro, Kravitz se apuntó a ciertas moderneces, sin perder su habitual estilo, con “5” (1998), un irregular disco con predominio de sus herencias soul y funk. “Fly away” (número 1), la pieza más rockera del Lp, es uno de los mejores singles de toda su carrera.
En 1999 grabó un intrascendente cover del “American Woman” de los Guess Who y un año después publicó un Lp de grandes éxitos, “Greatest Hits” (2000), que incluía el single “Again”.

“Lenny” (2001) fue su sexto trabajo en estudio. El álbum está correctamente producido y arreglado, pero las composiciones no van más allá de su habitual resonancia y en su recorrido hallamos bastantes piezas formulistas sin demasiada sugestión a pesar de la buena construcción de riffs, creación de estribillos y sabiduría en ritmos.
Aún así, incluye, como siempre, temas muy aprovechables, como “Dig in”, “If I could fall in love”, “Stillness of heart” o las baladas “A million miles away” y “Yesterday is gone”.

La continuación de este álbum fue “Baptism” (2004), disco presentado con el single “Where are we running”.
Cuatro años después publicó “It Is Time for a Love Revolution” (2008), un disco que incluye los singles “Bring It On” y “I’ll Be Waiting”.

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Leo (Gerry) Sayer nació el 21 de mayo de 1948 en Shoreham-by-Sea, una localidad británica ubicada en Sussex.
Después de hacer sus primeros pinitos en el coro parroquial, acudir durante un tiempo a una escuela de arte y diseño, y tras intentarlo en los años 60 con la Terraplane Blues Band Sayer, Sayer se acomodó en la siguiente década al soft-rock, interpretando música comercial, domesticada, de cierta artesanía compositiva, poco memorable, que le llevó a conseguir el éxito.

Su representante y productor era nada más y nada menos que Adam Faith, el triunfal cantante de comienzos de los años 60 que conoció a Sayer por mediación de Dave Courtney, su compañero en el grupo Patches. Courtney había sido músico de sesión de Faith.

Faith también llevaba los asuntos de Roger Daltre y el cantante de los Who grabaría “Giving it all away”, un single en solitario escrito por Sayer y Courtney que consiguió cierta notoriedad comercial.
Tras esta labor compositiva Leo Sayer debutaría en single con “Why is everybody going home”, primer single, firmado por Courtney (música)/Sayer (letras), de “Silverbird” (1974), su LP debut (número 2 en Gran Bretaña), co-producido por Faith y Courtney, y con la colaboración de Russ Ballard, en el cual sonaba también “The show must go on”, tema interpretado por Sayer en plan Pierrot (el personaje de la comedia del arte) que alcanzó el número 2 en el Reino Unido y que fue versionado con gran éxito por Three Dog Night.

Otros singles, como “One man band” (número 6) o “Long tall glasses” (número 4 en el Reino Unido y número 9 en Estados Unidos), también recibieron un notable recibimiento comercial, a la vez que el LP (número 4) “Just a boy” (1974), último disco en el cual el autor de la música de sus temas, Dave Courtney, colaboraría por última vez con Sayer.
Las relaciones entre ellos eran malas y decidieron romper. El encargado de firmar los temas con Leo sería a partir de ahora Frank Farrell.

“Another Year” (1975), un LP (número 8) co-producido por Adam Faith y Russ Ballard, incluía el single “Moonlighting” (número 2). El año más importante de la carrera discográfica de Leo Sayer fue 1976. En plena fiebre discotequera apareció “Endless Flight” (1976), un LP (número 4) producido por Richard Perry, el encargado de conducir ahora su carrera, que contenía hits importantes como “When I need you” (número 1) y su tema más popular, “You make me feel like dancing” (número 2 en Gran Bretaña y número 1 en los Estados Unidos), en donde con su falsete Sayer nos invitaba al bailoteo.

Ni la aparición del punk consiguió hacer desaparecer a Leo Sayer. En octubre de 1977 editó el disco grande “Thunder in my heart” (1977), LP (número 8) con el single homónimo (número 22), y unos meses después llegó al número 1 en Inglaterra con el recopilatorio “The Very Best” (1978).

A partir de aquí sí que sus ventas menguaron, a excepción de una versión del clásico de los Crickets “More that I can say”, tema que llegó al número 2 tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos.

A mediados de los años 80 y tras unos discos más que insulsos, Leo Sayer dejaría de grabar.

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Banda de San Francisco, creada en los primeros años de la década de los 70. Interpretaban sonidos soft-rock que cosecharon cierta resonancia comercial a lo largo de todo el decenio gracias a la sencillez de sus composiciones y melodías pop-rock con algún retazo jazz, disco y funk.

Su primera formación estaba compuesta por el guitarrista y vocalista David Jenkins, el cantante y bajista Bud Cockrell, el cantante y teclista Cory Lerios y el batería Steve Price.

Cockrell y Jenkins procedían del grupo de pop psicodélico It’s a Beautiful Day mientras que Lerios y Price habían formado parte de la banda de rock Stoneground.

Su primer álbum fue “Pablo Cruise” (1975). El disco, con temas como “Island woman”, “Ocean Breeze” o “Denny”, está producido por Michael James Jackson y contiene un muestrario de su doméstico y festivo soft-rock que posteriormente les llevaría a la fama.

Después de “Lifeline” (1976), uno de sus discos más celebrados con piezas como “Tearin’ Down My Mind” o “Zero To sixty In Five”, conseguieron el éxito con el single “Watcha Gonna Do”, canción que llegó hasta el puesto 5 en el Billboard en el año 1976 y que estaba incluida en el LP “A Place In The Sun” (1977), un disco con las constantes soft-rock, comercialidad radiofónica y ritmos eclécticos de fácil consumo pero bastante intrascendentes.

“A Place In The Sun” fue su primer álbum producido por Bill Schnee y el último en el que intervendría el bajista y vocalista Bud Cockrell, quien fue sustituido por el miembro de Santana, Bruce Day.

“Worlds Away” (1978) consiguió subir hasta el número 6 en el listado de LPs más vendidos, siendo el tema “Love Will Find a Way” (número 6) su canción más conocida del álbum.
En este disco incluían el saleroso tema “I Go To Rio”, una versión de Peter Allen, cuyo ritmo sería adaptado décadas después para el hit veraniego “Ritmo De La Noche”.

Después de “Part Of The Game” (1979), con el single “I Want You Tonight”, Day fue reemplazado por John Pierce. También se incorporó a la banda el guitarrista Angelo Rossi.

En la grabación de “Reflector” (1981), el grupo prescindiría de Schnee, trabajando el álbum con el productor Tom Dowd (conocido por sus trabajos con los Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd o Black Oak Arkansas). El máximo logro de este disco fue el single “Cool Love” (número 13 en el Billboard)

Jim Gaines les produjo su último disco grande, “Out Of Our Hands” (1983), un álbum con nuevo batería (David Perper sustituyó a Steve Price) que fue pobremente recibido por sus fans, suponiendo la conclusión de su carrera.

A mediados de los años 80, David Jenkins se unió al grupo de country-rock Southern Pacific, y Cory Lerios se dedicó principalmente a componer bandas sonoras para películas y series de televisión, entre ellas “Max Headroom” o la conocida “Los Vigilantes De La Playa”.

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El más genuino representante de la hornada de cantautores de introspectiva lírica, aguda sensibilidad, reposados ritmos de procedencia acústica y templada vocalidad que surgieron en los años 70 es James Taylor, un talentoso compositor cuyos temas empapados de reflexión personal y afectivas revisitaciones de canciones ajenas, cosecharían de forma regular un apreciable éxito comercial, con su oferta de piezas de enfoque adulto y basamento folk, country, blues, soul y soft-rock de sencillas estructuras y fácil asimilación.

James Taylor nació en la ciudad de Boston, ubicada en el estado de Massachusetts (Estados Unidos), el 12 de marzo de 1948.
Su familia era de posición acomodada, su padre, el Dr. Isaac Taylor, ejercía la medicina y su madre, Trudy, era una cantante de ópera que siempre deseó que sus cinco hijos se dedicaran al mundo de la música.

La verdad es que lo consiguió, no sólo por el triunfo de su hijo James, sin duda el Taylor de mayor popularidad, sino porque tanto Livingston Taylor, que publicó su primer disco en 1970, como Alex, quien debutó en la industria musical en 1971, al igual que Kate, tuvieron sus propias trayectorias como cantautores.
Hugh Taylor se conformó con meter voces en algunos discos de sus hermanos hasta 1990, que publicó su primer Lp en solitario.
El impulso musical de sus padres llevó a James a iniciar estudios de cello, que abandonaría para tocar la guitarra acústica.
La familia Taylor se había trasladado en 1951 de Boston a Chapel Hill, una localidad de Carolina del Norte en donde su padre comenzó a dar clases en la Universidad.

Dos años más tarde James fue enviado a la Milton Academy, cerca de Boston, pero abandonaría sus estudios en 1964. Por esa época formó un dúo con Danny “Kootch” Kortchmar, con el que compartía su pasión por el folk y con quien comenzaría a actuar en público. Kootch y James conseguirían ganar un concurso local de talentos en 1963.
Un año después, influenciado por el éxito de los Beatles, decidió formar una banda, junto a su hermano Alex y Zach Wiesner, a la que llamaron The Fabulous Corsairs, que duraría poco en el panorama musical.
Su quebradizo estado emocional le jugaría una mala pasada en 1965, cuando tuvo que ser internado en el Hospital Psiquiátrico McLean, a causa de una fuerte depresión que le tuvo al borde de la muerte. En el centro aprovechó el tiempo para terminar sus estudios secundarios.

En 1966, ya superada la fase depresiva, volvió a la carga con su idea de formar un grupo. Se juntó a su buen amigo Kootch y a Joel O’Brien y creó The Flying Machine, un conjunto que grabaría un single (“Night Owl”) y varias canciones, que posteriormente serían recogidas en el disco “James Taylor and The Original Flying Machine” (1967).

James se volvió por esa época en un impulsivo consumidor de drogas, especialmente de la heroína, sufriendo una intensa adicción que le llevó de nuevo a ingresar en un sanatorio, el Austin Riggs.

Era 1968 y no todo iban a ser malas noticias para el compositor bostoniano. Ese año, antes del internamiento, había viajado a Inglaterra en donde tras presentar unas demos, consiguió que Peter Asher, el pelirrojo componente del dúo Peter & Gordon, en ese momento productor de Apple Records, se fijase en sus posibilidades como cantautor y tras mantener una entrevista con Paul McCartney, James logró que el sello creado por los Beatles publicara su primer Lp en solitario, titulado simplemente “James Taylor” (1968), un estupendo trabajo producido por Asher, quien también se convertiría en su representante.

El disco recuperaba temas grabados anteriormente con The Flying Machine (banda que nada tiene que ver con Flying Machine, grupo de pop británico de los años 60) y composiciones nuevas que se convertirían en algunos de los clásicos de James, como “Something in the way she moves”, “Caroline in my mind”. En el album colaboró un bajista de excepción, Paul McCartney.
El Lp pasó inadvertido en su época, pero por lo menos le sirvió para ser contratado para un buen número de conciertos por tierras estadounidenses, que tuvieron que ser cancelados cuando James Taylor sufrió un accidente de motocicleta que le rompió algunos huesos de sus manos.

James Taylor abandonó Apple y junto a él se fue Peter Asher, quien confiaba totalmente en la lucidez compositiva de su artista. Posteriormente Asher también produciría a su hermana Kate, entre otros muchos artistas.

Peter le consiguió un contrato discográfico con Warner y en este sello publicaron “Sweet Baby James” (1970), un disco en el cual colaboró Carole King y que lo convertiría en estrella, gracias a singles como “Fire and rain”, “Country road” o el homónimo “Sweet Baby James”, embebidos de tintes autobiográficos. El album llegaría al número 1.

Aprovechando el éxito, se reeditó el sencillo “Carolina in my mind” y el EP publicado con The Flying Machine.

Su triunfo social fue enorme, apareciendo en la portada de la revista “Time” como abanderado del estilo de cantautor (entre los que se encontraba gente como Cat Stevens, Joni Mitchell, Carly Simon, Laura Nyro o Carole King) y protagonizando como actor principal la película de Monte Hellman “Carretera asfaltada en dos direcciones” (1971), título en el cual aparecía también Dennis Wilson, el batería de los Beach Boys.

El tercer disco de James Taylor en solitario fue “Mud Slide Slin And The Blue Horizon” (1971), un album marcado por contener el single escrito por Carole King “You’ve got a friend”, que le llevaría al número 1.
El disco, además de sus composiciones y el megaéxito de Carole, presentaba “Machine Gun Kelly”, un tema firmado por el guitarrista Danny “Kootch” Kotchman, su perenne compañero de fatigas musicales y músico de sesión de incontables bandas y solistas. Entre las piezas de escritura propia, destacan canciones como “Long ago and far away” o “You can close your eyes”.

En noviembre del año 1972 se casó con la cantante y compositora Carly Simon, con la que estaría emparejado hasta 1982.
En 1972 también presentó “One man dog” (1972), un trabajo que había contado con un sencillo de presentación de bastante éxito, “Don’t let me be lonely tonight”.
El disco estaba compuesto por piezas de exigua duración, que no terminó de satisfacer a sus múltiples fans, a pesar de sus cuantiosas ventas. Los otros sencillos del disco fueron “One Man Parade” y “Hymn”.
En 1974 cantó a dúo con su esposa el single “Mockingbird”, un antiguo tema de Inez and Charlie Foxx que vendría contenido en el disco de Carly Simon “Hot Cakes”.
La canción tuvo más éxito en ventas que el nuevo trabajo de Taylor, “Walking man” (1974), un trabajo producido por David Spinozza que incluía los singles “Daddy’s Baby” y “Walking man”, supuso un paso atrás tanto a nivel artístico como comercial en su carrera.

“Gorilla” (1975) devolvió a su autor a su pretérito estatus de popularidad a pesar de resultar inferior en calidad a sus primeros trabajos, gracias en parte a la versión de “How sweet it is (to be loved by you)”, un tema Motown grabado originariamente por Marvyn Gaye que resultó un exitoso sencillo.
El segundo single fue “Mexico”, un tema con el apoyo vocal de Graham Nash y David Crosby.
Nash y Crosby también aparecerían en “In the Pocket” (1976), el último disco junto al triunfal “Greatest Hits” (1976) que James grabaría para la Warner. Su canción más importante en “In the Pocket” sería el magnífico single “Shower the people”.

Firmó por Columbia Records y grabó el notable “JT” (1977), en el que incluía un cover del “Handy Man” de Jimmy James, primer single continuado por “Your smiling face” y “Honey don’t leave L.A.”. Peter Asher retornaba a las tareas de producción para James desde “One Man Dog”, logrando el Premio Grammy como Productor del Año 1978.
Junto a las muchas colaboraciones y duetos de Taylor, el cantautor se implicó en el musical de Broadway “Working”, antes de grabar “Flag” (1979), en donde utilizaba dos canciones compuestas para el citado musical (“Millworker” y “Brother Trucker”) y volvía a retomar un éxito antiguo como single. Ahora le tocaba el turno a los Drifters y su conocida canción “Up on the roof”.

En 1979 también participó en varios conciertos antinucleares, cuyas actuaciones serían recogidas en “No Nukes” disco en el que además de John Taylor, estaba gente y grupos como Bruce Springsteen, The Doobie Brothers, Jackson Browne, Tom Petty, Poco, Graham Nash, David Crosby, Stephen Stills o Carly Simon.
A partir de los años 80, James Taylor grabó pocos discos y giró mucho en directo, publicando varios discos en vivo. En estudio destacó “Dad love his work” (1981), Lp que contenía “Her town too”, una de sus canciones de mayor repercusión comercial, mientras que “That’s what I am here” (1985), “Never die young” (1988),”New Moon Shine” (1991), “Hourglass” (1997) o “October Road” (2002) desplegaban con aptitud su habitual sonido y materias temáticas, pero sin sobresalir dentro de su amplio catálogo discográfico.

Con referencia a su vida amorosa y tras el divorcio con Carly Simon, James Taylor se casó en 1985 con la actriz Kathryn Walker, con quien rompería el año 1995.
En el año 2001 contrajo matrimonio con la escritora y relaciones públicas de la Orquesta Sinfónica de Boston, Kim Smedvig.

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Matt Brooke, miembro de Carissa’s Wierd y Band of Horses, creó en Seattle en el año 2006 este grupo con influencias de Crosby, Stills, Nash & Young, America, Association, Byrds, Curt Boettcher o Beach Boys.

Llamados en principio simplemente Archives, adoptaron lo de Grand cuando Brooke, como guitarrista y voz, conformó definitivamente el conjunto junto a Jeff Montano, Curtis Hall, Ron Lewis y Thomas Wright.

En el sello Sub Pop debutaron con el homónimo “The Grand Archives” (2008), un álbum en donde sonaba su jangle pop, soft-rock y folk-rock con buen trato a las melodías y a las armonías, en canciones como “Miniature Birds” o “Torn Blue Foam Coach”, tema aparecido en un EP del año 2007.

Su segundo disco grande fue “Keep In Mind Frankenstein” (2009).

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