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Posts Tagged ‘SOUL’

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Prince nació el 7 de junio de 1958 en el hospital Monte Sinaí en Minneapolis, Minnesota. Su padre, llamado John L. Nelson, músico aficionado, formaba parte de un grupo de Jazz llamado Prince Rogers Trio, del cual tomó el nombre para su hijo. En él conoció a Mattie Shaw, cantante del grupo con la que se casó y que se convirtió en la madre de Prince.

Cuando tenía seis años sus padres se divorciaron. El padre se fue de la casa familiar pero no se llevó el piano que tenía, lo cual fue aprovechado por Prince para aprender a tocarlo él solo, aprendiendo de oído sintonías de series de televisión como ‘Batman’. Más tarde aprendió a tocar otros instrumentos: a los 13 años su padre le regaló una guitarra eléctrica, que Prince aprendió a tocar rápidamente. En sus años de instituto formó con su amigo André Cymone varios grupos, entre ellos dos llamados Champagne y Grand Central. Tocaban en fiestas de instituto y similares pero Prince no cantaba, pues consideraba que su voz no era apta para ser presentada en público. Tiempo más adelante, demostraría que su talento como cantante es tan amplio como el de instrumentista o compositor. Cuando tenía 17 años conoció a un músico llamado Pepe Willie, marido de una prima suya, que le introdujo en el mundo profesional y con el que hizo sus primeras grabaciones en estudio. Poco después un ingeniero llamadoChris Moon le convenció para que presentara sus maquetas a alguna compañía. La que se llevó el gato al agua fueWarner Bros, que le dio completa libertad artística y creativa.

En 1978 grabó su primer disco, For You, en el que todas las canciones están compuestas por él y toca todos los instrumentos que se escuchan en el disco (según sus propias palabras sabe tocar más de treinta instrumentos). Amante de los cócteles musicales más variopintos, se convirtió en la gran esperanza de la música negra tras su disco Prince (1979), en el que se incluía I Wanna Be Your Lover, primer tema de Prince en alcanzar las listas de éxitos, el clásico “I Feel For You”, que en 1984 supondría la consagración mundial de Chaka Khan al hacer una versión, o la guitarrera y provocativa “Bambi”, historia de un ligue femenino con tendencias lésbicas. En este año hace su primera gira por Estados Unidos, tanto en solitario como telonero de Rick James. Su primera banda fija estaba compuesta por: André Cymone (bajo), Gayle Chapman (teclados), Dez Dickerson (Guitarra) y Matt Fink, alias Dr. Fink (teclados)

Su siguiente disco, Dirty Mind (1980) supuso un radical cambio de estilo. Un disco de poco más de media hora, con un sonido más crudo (el disco es prácticamente una maqueta) y una imagen absolutamente provocativa, apareciendo en escena en slip y con medias de mujer debajo de una raída gabardina. Además las letras iban más allá de los límites establecidos en el tema sexual; temas como Head y Sister se convirtieron en pesadilla de censores. Su siguiente álbum, Controversy (1981) supuso una nueva vuelta de tuerca; esta vez los temas sexuales dejan paso a temática social en canciones como Ronnie, Talk To Russia o Annie Christian. Debido a lo provocativo del nuevo estilo de Prince, la teclista Gayle Chapman abandona la banda de directo y es sustituida por Lisa Coleman, joven teclista hija de músicos que no tuvo ninguna objeción a la música. Por esta época empieza a dar rienda suelta a su creatividad con grupos paralelos como The Time, a mayor gloria de su amigo Morris Day (antiguo batería de Champagne) y que sería semillero de valiosos músicos y productores como Jimmy Jam, Terry Lewis, oPaul ‘St. Paul’ Peterson.

El disco que hizo a continuación, 1999 (1982) supuso su primer gran éxito popular, y probablemente su primera gran obra maestra. La canción que dio título al disco (plagiada por Phil Collins algunos años después) se convirtió en un clásico, aunque la canción que le aupó a las listas de éxitos fue el segundo sencillo, Little Red Corvette, tema dirigido básicamente al público blanco. Antes de la gira de promoción del disco, André Cymone dejó la banda, frustrado por el egocentrismo de Prince para empezar una carrera en solitario como solista y productor. Fue sustituido al bajo por Mark Brown, rebautizado como Brownmark. En esta gira la banda tuvo por primera vez el nombre The Revolution.

Por esta época Prince empieza a pensar en hacer una película. Durante la gira de apoyo al disco 1999 empezó a anotar ideas en una libreta de color púrpura[cita requerida]. Sus representantes Cavallo, Ruffalo y Fargnoli consiguen interesar a su compañía en el proyecto. Durante el verano y otoño de 1983 se rueda la película en Minneapolis y Los Ángeles. El 8 de agosto de 1983 dio un concierto benéfico en la sala de su ciudad natal 1st Avenue. Este concierto es reseñable por dos hechos destacados; supuso el debut a la guitarra de la joven de 19 años Wendy Melvoin en la banda sustituyendo a Dez Dickerson. Wendy había sido traída a la banda por su amiga Lisa Coleman. Ambas serían la mano derecha de Prince, musicalmente hablando, durante los siguientes tres años. El otro hecho destacado fue que varios de los temas tocados serían grabados e incluidos, con pequeños retoques de estudio, en el disco que acompañó a la película.

Cuando empezó a continuar con su carrera, en el 1999 contrato a su nueva representante Ruth Arzate, en Los Ángeles California. Ayudándole a supervisar, hasta la fecha.

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Joss Stone nació el 11 de abril de 1987 en Dover, Inglaterra. A la edad de ocho, se mudó a la villa de Ashill, en el condado de Devon; es la penúltima de cuatro hermanos. La primera canción que le hizo sentir algo fue “I Will Always Love You” deWhitney Houston, pero el primer disco que compró fue uno de éxitos de Aretha.
Su interés por el soul surgió en su casa, donde tuvo la oportunidad de acercarse desde pequeña a todo tipo de música. Sus padres escuchaban soul, rock, pop, por lo que esa variedad le permitió conocer los diferentes tipos de música e inclinarse hacia la que mas le gustaba, el soul.
En el 2002, Stone dejó su casa en Devon, Inglaterra para asistir a una audición en la ciudad de Nueva York. Stone impresionó al CEO Steve Greenberg de S-Curve con su interpretación del tema ´On the radio´ de Donna Summer, y consiguió su contrato. Betty Wright, pionera delR&B/soul, se unió a Stone para realizar su primera grabación, convirtiéndose instantáneamente en su mentor y amiga
A si corta edad, Joss Stone ya se ha convertido en toda una revelación de la música soul. Dueña de una voz que a nadie deja indiferente -siendo comparada incluso con la mítica Aretha Franklin-, esta joven inglesa ha sorprendido al mundo con su primer disco, llamado “The Soul Sessions”. En él, revive clásicas canciones soul de los años 70, junto con algunos temas más contemporáneos, como el primer single “Fell in love with a boy”, su versión para una composición original de The White Stripes.
Joss canta con una pasión única, además de un estilo personal. Es cuidadosa de no caer en lo aburrido y repetitivo, no trata de imitar a nadie, y explota al máximo sus herramientas musicales. Cuando Joss Stone canta, en verdad se escucha su voz, y no solamente sonidos trabajados.
Su segundo disco, “Mind, Body and Soul” marca ya, una nueva etapa en la carrera de Joss, es un disco con una mezcla más rica en cuanto a ritmos se refiere; “You Had Me”, “Don’t Cha Wanna Ride” son ejemplos de lo antes mencionado. “Killing Time” es una potente balada con la que Joss reafirma la importancia de este tipo de temas en su trabajo.
“Right to Be Wrong”, el tema que abre el disco y “Jet Lag”, fueron grabados en una sola toma, en tiempo real por Joss y su banda, cosa que a Joss le hubiera gustado hacer con todos los temas del disco, pero su apretada agenda de presentaciones no se lo permitió. Esto no impide que cuando se escucha el disco se perciba la honestidad de las grabaciones. No es un disco sobreproducido y las programaciones se trabajaron de manera discreta e inteligente.
En esta placa, Joss Stone no solo sorprende con su calidad interpretativa, sino que también despliega sus capacidades como compositora.
Su tercera placa se titula “Introducing Joss Stone”, y cuenta con la participación de la ex cantante de Fugees Lauryn Hill y del rapero Common.
Joss grabó el álbum en los estudios Compass Point de Bahamas, donde aprovechó para pasear por las paradisiacas playas del lugar con un cambio radical en su look, ahora luce morena.
Para su siguiente disco, tuvo muchos inconvenientes antes de su lanzamiento. “Colour me free” es el título de la placa que sufrió varios retrasos y demandas entre la artista y EMI.
Joss quiso liberarse por completo de las presiones de su disquera, por lo que grabó esta producción en secreto y por su cuenta, en el estudio que tiene a cargo su madre en Wellington, Inglaterra. Para eso se unió a los productores y compositores Jonathan Shorten y Conner Reeves.
El problema vino después, cuando aparecieron desacuerdos para editarlo; Joss pensó en romper el contrato que la une con la multinacional y hasta se mostró dispuesta a pagar para hacerlo. Por su parte, EMI la acusó de incumplimiento.
Finalmente hubo acuerdo y “Colour me free” salió a inicios de noviembre de 2009 por el mismo sello, pero EMI decidió que no invertirá ni un solo centavo para promocionarlo, por lo que todo el trabajo lo tuvo que hacer la artista por su cuenta.
El disco cuenta con 12 nuevas canciones de rock, soul, R&B, funky y otros géneros musicales. En la placa puede notarse la calidad vocal de Stone, trabajada con total libertad y acompañada de artistas como Jamie Hartman, Nas y David Sanborn.
En mayo de 2011, el líder de los Rolling Stones, Mick Jagger, anunciaba la creación de un nuevo grupo llamado Super Heavy, y cuya formación tenia en sus filas a Joss Stone, junto con Dave Stewart de Eurythmics, el hijo del rey de reggae, Damian Marley, y el compositor indio A. R. Rahman, de la banda sonora de Slumdog Millionaire.
Pocos días más tarde, Joss informa que en julio edita su nueva placa titulada “LP1”, la cual lanza de manera independiente a través de su propio sello, Stone’d Records. El disco fue coproducido y coescrito con Dave Stewart, compañero de banda en Super Heavy, y grabada en sólo 6 días en Nashville, Estados Unidos.

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Una de las grandes figuras del soul en toda su historia. De interpretación imperativa y pasional, Wilson Pickett es paradigma del Southern Soul y del mítico sello Stax, logrando un enorme éxito con sus fibrosas y carismáticas ejecuciones y éxitos-himnos inmortales como “In the midnight hour”, co-escrito junto a su amigo y excelente instrumentista, Steve Cropper, o “Land of 1000 Dances”, tema del gran Fats Domino.
Wilson Pickett nació el 18 de marzo de 1941 en Prattville, una localidad de Alabama (Estados Unidos). Desde su niñez aprovechaba para cantar en todo tipo de contexto, ya fuesen iglesias, reuniones familiares o en las propias calles de Detroit, ciudad a la que se había trasladado en su adolescencia.
Comenzó su carrera profesional a finales de los 50 con el grupo de gospel The Violinaires, pasando después, en 1959, a ejercer como vocalista en The Falcons, consiguiendo el éxito con “I found a love” (número 6 en 1962). En The Falcons también se encontraba otros de los nombres importantes del soul, Eddie Floyd y Sir Mack Rice, tíos pioneros con una actitud musical y personal que pateaba el culo a cualquier fantoche contemporáneo.

En 1962, y acompañado por las Supremes, Wilson Pickett también grabó algunas canciones en solitario, como “Let me be your boy”, aparecida en el sello Correct-Tone. También grabó con Lloyd Price varios temas, como “If you need me” o “It’s too late”.

Al año siguiente pasó por los Spirituals antes de que en 1964 logró fichar por Atlantic, grabando en Stax sus mejores temas. Debutó en Atlantic con “I’m gonna cry”, pero lograría el éxito con su tercer single, “In the midnight hour”, canción, conceptuada simplemente para el baile y compuesta por Wilson junto al guitarrista Cropper bajo producción de Jerry Wexler, se convirtió en un gigantesco triunfo comercial, en donde la fuerza vocal de Pickett e instrumental de los músicos participantes brillaban en su esplendor.
Posteriormente, durante toda la década de los 60, vendría más temas memorables y vibrantes como “634-5789”, compuesta entre Eddie Floyd y Steve Cropper, la citada “Land of 1000 Dances”, “Mustang Sally”, escrita por Sir Mack Rice, o “Funky Broadway”, estupenda revisitación del tema de los Dyke & The Blazers.
Incluso Pickett se marcó una espléndida y sudorosa versión del “Hey Jude” de los Beatles y logró un éxito con un cover del clásico de los Archies “Sugar Sugar”.

Al margen de ello, también grabó con Kenny Gamble y Leon Huff, en temas como “Engine number 9”, o Bobby Womack, con “I’m in love” o “I’m a midnight mover”.
A comienzos de los 70 su ristra de éxitos comerciales comenzó a disminuir, hecho que le confinó principalmente a sus enérgicas interpretaciones encima de los escenarios y a grabar en su propio sello, Wicked Label.
En el año 1991 ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame.

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El cantante y multi-instrumentista Steve Winwood fue uno de los principales talentos surgidos en los años 60 en el Reino Unido. Después de comandar la banda de R&B Spencer Davis Group, al joven Winwood se le quedó pequeña la simulación enérgica de sus ascendencias negras y en tiempos de hippismo, psicodelia y experimentación sónica, con discos como “Revolver” o “Sgt Peppers” de los Beatles revolucionando el panorama musical, decidió abandonar en 1967 a Spencer Davis para desarrollar su nuevo proyecto en un grupo al que llamó Traffic.
Al cantante, guitarrista y teclista Steve Winwood (nacido el 12 de mayo de 1948 en Birmingham), un joven prodigio de diecinueve años dispuesto a adoptar la lisergia como principal basamento de su nueva música, ecléctica y muy interesante, ya que no desdeñaba sonidos soul, jazz, folk o blues, se le unieron el guitarrista y vocalista Dave Mason (nacido el 10 de mayo de 1947 en Worcester), ex componente de Deep Feeling, el batería, teclista y vocalista Jim Capaldi (nacido el 24 de agosto de 1944 en Evesham), quien también había tocado en Deep Feeling, y el saxo y flauta Chris Wood (nacido el 24 de junio de 1944 en Birmingham), quien había estado previamente en el grupo Locomotive.

El cuarteto decidió asumir también una filosofía vital de flower power, trasladandose en plan comuna con sus familias a vivir conjuntamente en una casa de campo ubicada en Aston Tirrold, Berkshire.
Ficharon por Island Records y allí, en 1967, publicaron su primer sencillo, “Paper Sun”, un tema psicodélico co-escrito entre Jim Capaldi, principalmente como letrista, y Steve Winwood, principalmente la música, que llegó al número 5 en el Reino Unido.

El mismo año tuvieron más éxito con “Hole in my shoe” (número 2), una canción escrita por Dave Mason y menos, dentro de una sucesión de grandes éxitos, con “Here we go round the Mulberry Bush” (número 8), tema compuesto por todos los componentes de la banda.
El LP, aparecido en el mes de diciembre, “Mr. Fantasy” (1967), producido por Jimmy Miller, fue un disco ejemplar del período, todo un clásico de la psicodelia británica en el cual se apreciaba el consumo habitual de drogas para estimular el proceso creativo y su significación ecléctica en unos temas psicodélicos que se desarrollaban de manera progresiva, con elementos blues y jazz.
Algunos de sus mejores cortes, sin los tres singles en su versión original, son “Heaven is in your mind”, la balada “No face, no name, no number” (número 40), cuarto single del grupo, “Dealer”, “Dear Mr. Fantasy”, tema que fue versionado por Grateful Dead, o “Coloured Rain”.
“Mr. Fantasy” alcanzó el puesto 8 en la lista de ventas de LPs en Gran Bretaña.

En 1967, Mason, con un sentido compositivo más melódico que el resto de la banda, dejó el grupo durante un tiempo debido a tensiones internas, pero retornó pocos meses después.
“Traffic” (1968) fue su segundo y gran LP (número 9 en el Reino Unido), otro estupendo trabajo producido por Miller, con, dentro de la psicodelia, incisiones R&B, jazz, soul, country y folk-rock, ecos de The Band y Buffalo Springfield, y composiciones importantes como “Feelin’ alright”, su quinto single que conoció versiones de Grand Funk Railroad o Joe Cocker, “Who knows what tomorrow might bring”, “You can all join in”, “Don’t be sad” o “40.000 Headmen”, tema del cual hicieron un cover Blood, Sweat & Tears.
Después de este disco Dave Mason dejó definitivamente el grupo tras ser despedido por el restante trío. Este hecho haría tambalear la formación ya que el propio Winwood se marcharía para integrarse durante su corta existencia en el supergrupo Blind Faith.

A comienzos de 1969 Traffic dejó de existir o eso parecía por los derroteros tomados por sus principales miembros. Pocos meses después Island editó “Last Exit” (1969), un disco con temas en estudio y canciones en vivo. En esta etapa se publicó el single “Medicated Goo”, un tema imbuido de funk y soul en el cual se aprecia bien la influencia clave de Steve Winwood en Paul Weller.

“Last Exit” se proclamó en su tiempo como el último LP de la banda, pero finalmente, junto tras Blind Faith dejó de existir y Steve estaba ideando su primer álbum en solitario, “Mad Shadows”, Winwood se unió a Jim Capaldi y a Chris Wood de nuevo para proseguir de manera magistral con Traffic al grabar su cuarto LP, “John Barleycorn must die” (1970), un fenomenal disco producido por Chris Blackwell y Guy Stevens, quien había producido anteriormente a Free, Mott The Hoople o Mighty Baby.
“Glad”, “Freedom rider”, “Empty pages” formaban parte de un álbum sensacional (número 11), con jazz-rock, folk, blues, funk y rock psicodélico, el cual mostraba que sin la presencia de Mason el grupo, dominado por el virtuosismo de Winwood, podía seguir deparando momentos musicales indelebles.

Tras este LP al terceto se le unió el bajista Rick Grech, ex miembro de Family y Blind Faith, que intervino en la grabación del directo “Welcome to the canteen” (1971), disco en el cual incluían una versión de un conocido tema de Steve Winwood para Spencer Davis Grupo, “Gimme some lovin’”. En el álbum también tocaron el percusionista Reebop Kwaku Baah (que había tocado con Dizzy Gillespie), el batería Jim Gordon y el mismísimo Dave Mason, quien participó en algunos conciertos para desaparecer de nuevo del seno del grupo.

En 1971 también apareció “Low spark of high heeled boys” (1971), un sobresaliente disco progresivo producido por el propio Winwood que cosechó un mejor recibimiento en los Estados Unidos que en su propio país, alcanzando en el Billboard el puesto número 7 gracias a temas como “Rock and roll Stew”, “Light up or leave me alone” o la extensa pieza homónima, que recogía bien la música ecléctica del conjunto británico.
Después del álbum Grech y Gordon dejaron Traffic.
El subestimado “Shoot out at the Fantasy Factory” (1973), con “Roll right stones” o “Evening Blue”, prosiguió su senda jazz-rock, “On the road” (1974) fue un directo que mostraba su habilidad instrumental, y “When the eagles flies” (1975) puso punto y final a su segunda etapa (tras la salida de Mason) con un disfrutable disco que incluía entre sus temas canciones como “Dream Gerrard” o “Walking in the wind”.

Después de este álbum sus miembros siguieron rumbos en solitario. Steve Winwood debutó en solitario con “Steve Winwood” (1977), en el cual colaboraban antiguos miembros de Traffic. Posteriormente siguió en los años 80 una carrera de, por lo generral, bajo interés con sonidos inanes y rutinarios de soul blanco.
Jim Capaldi, que había iniciado su trayectoria como solista en 1972 con “Oh, How we danced” (1972), cuando Winwood sufrió una enfermedad, la peritonitis, que le impidió girar y grabar con la banda, retomó esta carrera poco prominente al margen de Traffic.
En 1994, de manera sorprendente, Winwood y Capaldi reavivaron Traffic para girar en directo y grabar un último disco, “Far from home” (1994), un disco aceptable pero alejado de la calidad de sus mejores obras.
Jim Capaldi fallecería el 28 de enero del año 2005 a la edad de 60 años a causa de un cáncer de estómago.

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Terry Reid, nacido el 13 de noviembre de 1949, pudo convertirse en una superestrella de rock si aceptase la invitación de Jimmy Page para incorporarse como cantante a Led Zeppelin. Sin embargo Reid le recomendó el nombre de Robert Plant.
También poco después rechazaría convertirse en el vocalista de otro gran conjunto de los Deep Purple. No fue así y el nombre de Terry Reid permanece injustamente desconocido.

La trayectoria del cantante y guitarrista Terry, con una miscelánea entre hard rock, soul, pop y folk, se remonta a mediados de los años años 60, cuando formaba parte de Peter Jay & The Jaywalkers.

Tras el contacto con el productor Mickey Most daría inicio a su trayectoria como solista, con “Bang Bang You’re Terry Reid” (1968), LP en el cual estaba acompañado por el teclista Pete Solley y el batería Keith Webb. Además de sus temas propios, como “Tinker Taylor” o “Sweater”, el disco incluía versiones de Sonny & Cher (“Bang Bang”), Gene Pitney (“Something’s gotten hold of my heart”), Eddie Cochran (“Summertime blues”) y Donovan (“Season of the witch”).

Most también le produjo “Terry Reid” (1969), uno de sus mejores trabajos con temas de Bob Dylan (“Highway 61 revisited”), Lorraine Ellison (“Stay with me baby”) o de nuevo Donovan (“Superlungs my supergirl”).

En los años 70 y tras un tiempo sin grabar a causa de conflictos legales con Most, Terry Reid retornó a las tiendas de discos con “River” (1973), LP aparecido en Atlantic y producido por Tom Dowd. En el álbum, con temas como “Dean”, “Avenue”, “Dream” o “River”, colaboraba el multiinstrumentista David Lindley, antiguo miembro de Kaleidoscope.

Asentado en los Estados Unidos desde comienzos de los 70, Reid, que colaboraría en discos con Jackson Browne y Bonnie Raitt, editaría con posterioridad “Seed of memory” (1976), nada más y nada menos que producido por Graham Nash, y “Rogue Waves” (1979), LP que incluía varias revisitaciones de Phil Spector y una versión de los Everly Brothers (“All I have to do is dream”).

Este último trabajo no fue bien recibido por la crítica de la época lo que provocó el alejamiento de Terry Reid de los estudios de grabación.

“The Driver” (1991) y “Silver white light” (2004), directo que recogía su actuación en la Isla de Wight en 1970, fueron otro de sus trabajos discográficos.

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The Steampacket fue un proyecto ideado en el año 1965 por el manager Giorgio Gomelsky, quien reunió en la banda al teclista Brian Auger, de la Brian Auger Trinity, con el vocalista Long John Baldry y la cantante Julie Driscoll. Baldry incorporó al combo otro nombre más, el del cantante Rod Stewart, miembro de sus Hoochie Coochie Men.

Considerado el primer supergrupo de la historia, The Steampacket nunca publicaron sus grabaciones en su corta carrera, pero sus ejecuciones repletas de R&B, rock, jazz y soul fueron recogidas en discos recopilatorios posteriores.

En su corto período de existencia, The Steampacket, que contaban con los ex componentes de la Brian Auger Trinity Vic Briggs a la guitarra, Rick Brown al bajo y Mickey Waller a la batería (también tocaron en algunas actuaciones Peter Green y Mick Fleetwood), telonearon a los Rolling Stones, Animals y, entre otros, The Walker Brothers.

Cuando en el verano de 1966 el grupo se descompuso, Rod Stewart formó parte de la banda Shotgun Express, Long John Baldry creó Bluesology, y Julie Driscoll y Brian Auger se unieron para retomar la Brian Auger & The Trinity.

Estos Steampacket no deben ser confundidos con el grupo sueco 60’s del mismo nombre, también conocido como Steampacket II o The Longboatmen.

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Detrás del seudónimo de Zoot Money se hallaba el cantante y teclista inglés George Bruno (nacido el 17 de julio de 1942 en Dorset), quien, acompañado por The Big Roll Band, formación creada en los comienzos de los años 60, fue una de las principales sensaciones dentro del circuito londinense de R&B del período, ejecutando sus interpretaciones jazz, R&B y soul con una clase que le emparentaba con otro de los grandes nombres del momento, Georgie Fame.

La banda de Zoot estaba compuesta por el guitarrista Andy Summers (llamado en ese momento Andy Somers), el bajista Paul Williams, el batería Colin Allen y los saxos Clive Burrows y Nick Newall.

El grupo logró gracias a sus directos una buena aceptación entre los muchos aficionados al blues, el soul y el jazz (en especial entre los mods de la capital británica), gracias a competentes versiones de maestros negros como James Brown, Ray Charles, Lee Dorsey o Art Blakey.

Tras tocar con la Blues Incorporated de Alexis Korner, Zoot y la Big Roll Band prosiguieron actuando en clubs, con especial incidencia en el Flamingo.
En 1964 debutaron en disco con el sencillo “The Uncle Willie”, un tema grabado en Decca que cosechó cierta resonancia comercial, al igual que su LP debut “It should have been me” (1965), publicado en Columbia Records.
Ese mismo año aparecieron los singles “Good”, “Please stay”, “Something Is Worrying Me” o “The Many Faces of Love”.

Con el reemplazo de Johnny Almond, quien también aparecía en el primer álbum, por Clive Burrows y el añadido del trompetista Jeff Condon, la banda grabó “Zoot!- Live at Klook’s Kleek” (1966), un directo producido por Gus Dudgeon que recogía sus pujantes interpretaciones en vivo.

En 1966 editaron como singles las estupendas piezas “Let’s Run for Cover”, “The Star of the Show (The La La Song)” y “Big time Operator”, su mayor triunfo comercial en single que alcanzó el puesto 25 en Gran Bretaña.

La llegada del flower power desde los Estados Unidos influyó en la creación en 1967 de una formación paralela de tipo psicodélico llamada Dantalion’s Chariot, formada por Zoot Money, Andy Summers, Colin Allen y el bajista Pat Donaldson. Un año después retornaron a su habitual sonido con “Transition” (1968).
El mismo año de la publicación de “Transition”, Money junto a Summers se integraron en la nueva formación de los Animals, ahora radicados en los Estados Unidos.

Posteriormente publicarían “Welcome to my head” (1969) y “Zoot Money” (1970), dos meritorios trabajos producidos por Vic Briggs (miembro de los New Animals) que fueron el preludio de una carrera profesional en el mundo de la televisión.

El guitarrista Andy Summers alcanzó el éxito a finales de los años 70, cuando formó parte del trío Police junto a Sting y Stewart Copeland.

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